Hana Kozuka. Foto av Richie Babitsky. 'Ingen vet hva' moderne ',' moderne 'eller' jazz 'til og med er mer.' Har du hørt det før? Denne skribenten har. Hun har til og med sagt det selv et par ganger. Det kan være en overdrivelse, men faktum er at mange dansekunstnere og lærere blander slike former og i det skaper noe nytt. Mister vi integriteten og klarheten til klassiske, kodifiserte teknikker som et resultat - og slik blanding skal derfor gjøres med forsiktighet og forbehold? På den annen side, er dette en blanding av former som åpner for rom for fruktbart samarbeid - og derfor oppmuntres? For de som bryr seg om blomstringen av dansekunst inn i fremtiden, så vel som bevaring av tradisjonen, synes dette å være saker som ikke skal tas lett på.
For å grave i disse spørsmålene, Dance Informaspoke med fire danseartister: Hana Kozuka, LA-baserte danser / koreograf Bettina Mahoney, grunnlegger av Fortitude Dance Productions og dansepedagog Tracie Stanfield, grunnlegger av NYC-basert Synthesis Dance og Taylor McLean Bosch, kunstnerisk leder for Nitrogen: The Company og NYC / Long Island-basert dansepedagog. La oss hoppe rett inn!
Taylor McLean Bosch.
sport og dans
Hvorfor denne varianten av stiler? Skjer det større innvirkning i danseverdenen som et resultat?
Stanfield mener at “sammensmelting av stiler (substiler) på en måte er en refleksjon eller et svar på den verden vi lever i. Samfunnet vårt verdsetter mer enn noensinne individualitet, personalisering og autonomi. Artister er ikke begrenset av 'regler' eller metodikk fra fortiden. ' McLean Boschs tanke her er lik. 'Alle prøver å finne stemmen sin,' tenker hun. Kozuka bemerker at denne spredningen av stiler bringer 'så mange flere ting å smelte sammen.'
På den annen side beskriver Stanfield hvordan vi kan se denne trenden som en annen bølge av spredning av stil / teknikk som skjedde med veksten av Graham, Horton og Limón teknikker og repertoar - men med “en hovedforskjell er at det ikke er noe offisielt, definitivt grunnleggende system for hver substil eller teknikk, er det bare avhengig av koreografen / lærernes verdier og preferanser. ” I tillegg skjer denne spredningen i dag i 'gate, jazz og ballettstiler, ”sier Stanfield. For eksempel har det vært en blomstring av klasser i sub-stiler som 'moderne jazz', 'samtidsfusjon', 'moderne gate', 'moderne ballett' og 'lyrisk jazz'.
Hana Kozuka. Foto av Peter Yesley.
Likevel identifiserer og markedsfører noen lærere seg ikke ved en konvensjonell stil de lærer, men i stedet ved sin egen bevegelsesstil / kvalitet og merkevare. I sin tur kan elevene se på lærernavn og merker i stedet for stiler når de bestemmer seg for hvilke klasser de skal ta - som Kozuka vitner om, er hennes norm. 'Det er vanskelig å legge merke til ting i dag!' hun sier. Hun peker på sosiale medier som en pådriver for denne trenden for å bygge ens merkevare. Som lærer mener McLean Bosch at hun har en unik stil og estetikk, men vil likevel si at hun er en 'moderne' lærer hvis det er det arbeidsgivere leter etter.
hvor høy er vitalt
Det er en spenning mellom kunstnerens merkevaremerking og dansebaserte virksomheter, men Mahoney beskriver hvordan hun må navngi visse lærerklasser for sine konvensjoner, selv om de ikke liker at stilen deres blir 'kategorisert'. 'Jeg har en virksomhet, og jeg må annonsere,' hevder hun. Validerer dette poenget, peker McLean Bosch på konvensjoner som mister forretning fra å ikke tilby 'moderne' klasser. Samtidig har konkurranser klassifisert stykkene hennes som “moderne” - når hun mener at hennes arbeid er mer “moderne” enn “moderne”.
Er det et problem? Er det en god ting? Er det begge deler? Hva er viktig å huske på når det gjelder tilnærminger innen pedagogikk, koreografi, merkevarebygging?
Mahoney blir bekymret når det kommer til dansestudenter som har en base av kodifisert teknikk eller ikke 'du kan ikke gå' off-book 'hvis du ikke har boken i utgangspunktet,' hevder hun. En del av dette viktige innpodet av konvensjonelle dansestiler hos unge studenter er undervisning i danshistorie - hvor disse formene kom fra en samlet historisk kontekst. 'Da kan studentene vite at samtid vokste ut av postmoderne, og postmoderne av moderne, for eksempel,' bekrefter Mahoney. Såvidt hun ser det, respekt for og mestring av slike former - og deres historiske arv - gir mye sterkere koreografi, performance, pedagogikk og mer. Som det gamle ordtaket går, må du kjenne 'reglene' før du kan 'bryte dem'.
Bettina Mahoney.
Kozuka og McLean Bosch ser til slutt denne trenden med blanding og spredning av stiler som en god ting, noe som kan tillate kunstnere å finne sine virkelige kreative stemmer og lage fantastiske arbeider. Kozuka mener at i stedet for å føle at vi må legge ting i 'bokser', er det i vår makt å lage nye bokser. 'Hvis [nye stiler] tåler tidstesten, så vil de holde seg - eller de vil ikke,' tenker hun. 'Det kommer bare til å skje - nye stiler vil dukke opp, og eldre sjangere vil bli foreldede,' fastslår McLean Bosch.
Stanfield validerer funnet av sin egen bevegelsesstil 'selv ingen regel er en regel.' Hun applauderer rommet for kreativitet og frihet, og påpeker at innovasjon alltid bringer frykt for forandring (som 'grumling from the [ubitquity] of mobiltelefoner.'). Til slutt mener Mahoney at dansekunstnere tar med seg sin egen bevegelseshistorie, fra de unike egenskapene til lærere og koreografer de har studert med og danset for. Kozuka understreker også dette poenget. Legemliggjørelse, og derfra videreføring, stilistisk og teknisk arv ser ut til å være noe å oppmuntre til - da det er hvordan dansefeltet har vokst til å bli det det er.
digital krets
Tracie Stanfield underviser ved Broadway Dance Center.
Hvordan får danseverdenen mest mulig ut av denne trenden?
Stanfield understreker utfordringen for dansere som alt dette kan skape - å måtte trene i “alle stiler”. 'Når alt er viktig, er til slutt ingenting viktig.' hun tror. Dypere samtaler om hva som er mulig og tilgjengelig for dansere synes derfor å være nødvendige. Når det gjelder spenninger mellom danselærere og bedriftseiere, som de McLean Bosch og Mahoney beskrev, kan en slik videre dialog kanskje også hjelpe der. Begge parter kunne uttrykke sine behov og ønsker, og å finne felles grunnlag kunne gi en gjensidig enig konsensus.
Når det gjelder Mahonys bekymringer for dansekunstnere som starter fra et grunnlag for kodifiserte teknikker - teknisk mestring og dyp kontekstuell kunnskap derom - kan dansepedagoger ramme læreplanene sine rundt å først sette grunnlaget i studentene sine, og deretter lede dem til å forgrene seg til noe mer av seg selv. For Kozuka er det å navigere i denne dynamikken i stilistisk identitet opp til hver kunstner å nærme seg med sitt beste skjønn, høyeste integritet og full personlige autentisitet. Det vil formere seg utover for å skape en danseverden som gjør det samme.
Stanfield mener at 'dansere blir tiltrukket av arbeid som gir gjenklang hos dem ... vi graverer til opplevelsene og stilene som nærer og utfordrer oss.' Etiketter er ikke nødvendigvis like meningsfulle for oss som de er for andre typer mennesker, og vi kan bringe fleksibel tenkning til forskjellige situasjoner. Med god dømmekraft, integritet, ekthet og fleksibel tenkning, kan vi navigere i vanskelige dynamikker - til og med de som er like vanskelige som stilidentitet, personlig dansekunstnermerke, tradisjon versus individualitet og lignende. La oss gjøre dette!
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
