Heather Bryce (til høyre) regisserer. Foto av Art Heffron. Allsidighet .Det har blitt et ganske slagord i danseverdenen. Det sies at jo mer en danser kan gjøre, desto mer sannsynlig er det at han / hun vil jobbe konsekvent - og til og med noen ganger bli ansatt for et bestemt konsert, show eller selskap (spesielt hvis arbeidet krever en kommando av mange forskjellige dansestiler, eller en evne til raskt å plukke opp nye stiler).
Heather Bryce (til høyre) regisserer dansere. Foto av Art Heffron.
Disse typer krav går noen ganger utover dans hvis en danser kan synge, danse, spille et instrument, til og med sjonglere eller dribler en basketball med fancy triks, han / hun har større sjanse for å konsekvent få arbeid. Likevel har dansere bare så mye tid, energi og penger til å opprettholde forskjellige typer trening. Å spre ressurser til mange forskjellige typer trening kan også bidra til dyktighet på mange forskjellige områder, men kanskje ikke fortreffelighet eller mestring på noen måte.
Jen Passios, dancer og administrativ assistent / skuespillerskribent for Boston Dance Theatre, sier at “trykketå være 'allsidig' kan misforstås for å indikere at en flytter skulle svømme og gjøre pilates og gymnastikk og visuell kunst og koreografi og ridning, når det i virkeligheten gjør alle disse tingene bare brenner dansere ut og hjelper dem å være greit for en mengde motstridende fysiske ideer som - utenfor kontekst - faktisk ikke vil tjene dem. '
Heather Bryce, kunstnerisk leder og grunnlegger av Bryce Dance Company, kompliserte også ideen om 'allsidighet' ved å understreke at det ikke nødvendigvis er danserne med full kontroll over en bestemt stil som virkelig fengsler publikum, det er de som uttrykker og uttrykker seg med klarhet og ærlighet. Alt dette vurderes, hva er balansen? Og hvordan får dansere den rette typen stilistiske mangfold for dem? La oss dykke inn med fire hovedanbefalinger!
#1. Ta nye klasser, med nye lærere, i samme eller lignende stil.
Jen Passios. Foto av Celso Enrique.
Handlingen med å lære forskjellig koreografi alene kan utvide allsidigheten vår. 'Alt er mental trening,' forklarer Passios. “Når vi teknisk trener i nye former, hjernen vår gjør det mulig for kroppen vår å gjenkjenne begynnelsen på nye veier. Når vi gjør det nok og trenger å hoppe inn i en ny koreograf, kan vi huske opplevelsen av ny læring og finne et fokuspunkt i stedet for et sted for panikk. '
Det kan antas at bygningen av nevrale baner kan skje jevnere og elegant innenfor de samme eller lignende stilene - for eksempel rytmekran og Broadway-trykk eller klassiske ballettvariasjoner og moderne ballett - når det er variasjon og utfordring, men likevel likheter og en felles grunnlag som du kan bygge til. Visstnok har trening i tap og jazz og samtids- og ballett fantastiske fordeler, men å gå så langt du er i en av dem krever trening i alt det spesielle stilet har å tilby.
En viktig måte å gjøre dette på er å studere med en rekke lærere, og en helt ny lærer så ofte. Deres bevegelseskvaliteter, måte å undervise på og andre unike variabler kan aktivere den bygningen av mentale ferdigheter som trengs for å lære nye typer bevegelse. Bryce definerer dette som 'tilpasningsevne', snarere enn 'allsidighet'. 'Det er så mange dyktige dansere der ute,' sier hun. «Jeg er alltid imponert over hvor mange som kommer til audition. De som virkelig holder ut for meg, er de som viser dyktighetene i tilpasningsevne, og som gjør den lærte bevegelsen til sin egen. '
Heather Bryce.
allie sherlock alder
# 2. Tren med de samme lærerne i et typisk opplæringsregime, men fortsett å lete etter oppdagelsesnuggets.
Ironisk nok kan ikke å måtte tilpasse føre til å styrke en ferdighet som kan hjelpe deg med å tilpasse deg - det å gjenkjenne, og deretter fordype deg i, nyanser. Når du tar klasse med samme lærer over lengre tid, kommer du til å lære de subtile (eller noen ganger ikke så subtile) egenskapene som gjør bevegelsen deres deres bevegelse . Du lærer hvordan du tar det inn i kroppen din på en måte som fungerer for det, men også ærer lærerens eller koreografens visjon og kreative stemme.
Bryce kaller dette 'oversettelse' - en evne, sammen med tilpasningsevne, som hun ser etter i audition til dansere. Hvis audition i bevegelse som ikke er så kjent for deg, selv om du ikke tar tak i hver telling, hver arm eller hver sving i en audition, vil du tilby noe uten tvil dypere og mer meningsfylt - de spesielle nuggets av hjerte og ånd som virkelig holde publikum trollbundet. Du vil også være mer klar til å tilby det på scenen når tiden kommer!
Hvis du holder et opplæringsregime, kan du fortsette å komme tilbake til en, to, tre eller flere (hva som måtte være mulig for deg) lærere, og gjøre alt det ovennevnte mulig. Din rutine, så lenge det ikke plasserer deg i et psykologisk rom der du synes det er opprørende når du må bryte ut av det (for eksempel på helligdager og andre pauser), kan også føre til at du er den du er som tekniker. og kunstner. 'Vi trener oss til å komme i studio, komme i tide, finne nyanser i vår egen kropp og stille oss inn på dem,' beskriver Passios. Fra rutinen kan det komme en trygg grunnstøting som lar oss modig møte det som er nytt for oss.
Jen Passios. Bilde av Liza Voll.
Kryss-trening kan være en sterk del av denne rutinen bortsett fra å hjelpe deg med å bygge og opprettholde fleksibilitet og styrke, det kan lære deg nye og overbevisende ting om kroppen din. For eksempel kan yoga få deg til å koordinere pust og bevegelse, mens Pilates kan hjelpe deg med å få en klarere forbindelse til de dype kjernemuskulaturene.
# 3. Utvikle ditt kritiske danse “øye”.
Som en annen måte å få en klarere mottakelighet for nyanser, ta deg tid i øving for å se smakene meddansere bruker på bevegelsen - når andre går 'over gulvet', eller når klassen er delt opp for 'kombinasjoner'. Kanskje dette får deg til å stille læreren et meningsfylt spørsmål, og svaret kan hjelpe deg med å komme lenger inn og bli kjent med bevegelsen.
christina pink wikipedia
En annen måte å gjøre dette på er å ta et kritisk blikk mot danseforestillinger du ser på. Kanskje de er i en stil som du ikke er så kjent med, noe som kan utvide bevisstheten din om danseformene som er der ute. Kanskje de er i en stil som du er kjent med, og du er på et bedre sted å gi et konstruktivt kritisk syn. Begge er fordelaktige!
Legg merke til hva som gjør bevegelsen til den den er bortsett fra andre koreograferes arbeid. Se hva hver danser unikt bringer til det. Prøv å gå med en venn, så kan du chatte etter om hva du så, hva som resonerte med deg og hva som ikke gjorde det. Utfordre deg selv til å ikke bare si at noe var bra eller dårlig, men å formulere hvorfor noe - for deg - gjorde eller ikke fungerte. Det er en del av det som vil hjelpe deg å vokse som kunstner, spesielt din tilpasningsevne og allsidighet!
Heather Bryce med dansere. Foto av Arthur Fink Photography.
# 4. Omfavne hvem du er, med alt du har å tilby, og gi slipp på perfeksjonisme. I stedet kan du dra nytte av styrkene dine.
Som et praktisk første skritt for å omfavne hvem du er, 'visjon ut hvem du vil være som danser,' antyder Bryce. Det vil hjelpe deg med å gjøre det arbeidet som trengs for å «bygge ferdighetene som vil bringe deg dit», forklarer hun. Hvis det betyr å ta klassen i en form som du aldri har danset, eller fra en utfordrende lærer i en som du er mer erfaren, gjør alt du kan og la resten være hva det er, for nå - til du har sjansen til å prøve igjen. Gjør alt du kan av det du kan gjøre - en elegant kontrollert kamper, punktlig timing eller bare å ha det absolutt morsomste du kan danse. La den tilliten og gleden selge deg.
Bryce deler hvordan hun følte seg litt utenfor komfortsonen i en afrikansk dansekurs på college. Hun kunne puste lettere med lærerens kloke ord: 'finn dine små gevinster,' sa læreren. Bryce legger til hvordan hun som danselærer ser studenter i alle aldre og evner sette vegger av frykt og motløshet. I stedet råder hun: 'åpne tankene dine for muligheten for at du kan danse en ny form eller stil,' noe som kanskje ikke er i din opplevelse eller komfortsone. Nå gå dans det!
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
