Pina Bauschs 'Vollmand'. Foto av Julieta Cervantes. I fjor øvde jeg på et show - en danseteatertilpasning av et Tennessee Williams-stykke - i et studio i sentrum i NYC. Senere den dagen fikk jeg en e-post om at jeg ikke kunne øve på teater i dansestudioene. Jeg skrev straks tilbake en lidenskapelig respons som forklarte arten av danseteater. Jeg er først og fremst en danseartist, og arbeidet jeg gjør er avhengig av dans. I tillegg har teaterstudioer ofte betonggulv, mindre rom og er rotete med stoler og rekvisitter, noe som gjør dem usikre for dansere. Jeg hadde et utall svar: sinne, frykt, forvirring, frustrasjon. Dette studioet kjemper for forskjellige ytelsesstiler. Hvorfor ble kunstformen jeg jobber med satt i spørsmål? Ting ble lett løst, men det lot meg lure på, hvorfor er dansteater så misforstått?
Hva er dansteater?
Nicole Colbert Dance / Theatre’s ‘Lovers and Strangers’. Foto av Per Morten Abrahamsen.
Danseteater er en dansebasert kunstform der en verden skapes gjennom fysiske og psykologiske interaksjoner på scenen. Roland Langer (1984) eksemplifiserer elementene som tegning på “dans, tale, sang, konvensjonelt teater, og bruk av rekvisitter, scenografi og kostymer i en amalgam. Vanligvis er det ikke noe plott i stedet, spesifikke situasjoner, frykt og menneskelige konflikter presenteres. ” Som et resultat er det ofte like mye konseptuelt som det er dramatisk og fysisk.
Historie
Opprinnelsen til dansteater tilskrives Rudolph Laban (1879-1958), Kurt Jooss (1901-1979) og Mary Wigman (1886-1973), som utviklet en ekspresjonistisk form for dans referert til på tysk som Ausdruckstanz. De ble inspirert av begynnelsen av 20-årenethårhundre tysk ekspresjonisme bevegelse i maleriet som søkte å understreke indre følelser og ideer over replikasjoner av virkeligheten. Etter første verdenskrig så kunstnere den gamle måten å gjøre ting på som stillestående. I dans ble ballett ansett som en sjanger av den gamle garde som ikke uttrykte individet og deres situasjonsmessige svar, som frykt og lengsel, til krigshendelsene og dens ettervirkninger.
Pina Bauschs ‘Nefés’. Foto av Stephanie Berger.
laura san giacomo bh størrelse
Jooss 'disippel, Pina Bausch (1940-2009), regnes som døynene til dansteater. Royd Climenhaga (2018) antyder at Bausch, som var en ung koreograf på 1960-tallet, ikke bare ble påvirket av sitt arbeid med Jooss og tysk ekspresjonisme, men også av eksperimentene fra teaterkunstnere som søkte å 'skape en verden av scenen, heller enn en verden på scenen ”på den tiden.
Bauschs verk har ikke en tradisjonell teaterbue. I stedet er den konstruert som en serie vignetter og er inspirert av et tema eller sted. På scenen blir en fysisk verden trollet frem gjennom symbolske signifikanter som vann, blomster, skitt og murstein. I denne verden snakker utøvere, løper, danser, svetter, slår hverandre og svømmer. Individuelle responser på menneskelig erfaring blir utført med intensitet, og bevegelsesordforråd er tydelig og uttrykksfull. Hennes arbeid har bidratt til å innlede en seriøs estetisk vurdering av sjangeren i Europa.
Danseteater på amerikansk jord
Bill T.Jones / Arnie Zane Company i ‘Still / Here’. Foto av Dan Rest, med tillatelse fra BAM Hamm Archives.
nigel lythgoe produksjoner
Danseteater har ikke en historisk tradisjon i USA, og som et resultat har det ikke vært så populært. De tidlige pionerene innen moderne dans som Martha Graham, Sophie Maslow og Anna Sokolow skapte danser med samfunnsbevisste temaer og utviklet et uttrykksfullt vokabular, men på 1940-tallet var det et trekk unna ekspresjonismen mot abstrakt dansedannelse, karakterisert av verket av Merce Cunningham.
I en kort periode, men fra midten av 1980-tallet til 1990-tallet, dukket det opp en generasjon koreografer som kan betraktes som danseteaterartister. Disse koreografene - Bill T. Jones / Arnie Zane, Doug Varone, Bebe Miller, Ralph Lemon, Sara Pearson og Patrik Widrig, og Tere O'Connor, som fremdeles skaper arbeid i dag - var sentrumsdansere i NYC som utforsket politiske og sosiale temaer og skape arbeid som ligner på europeisk dansteater med sin sammenslåing av dans og teater, muntlig ord, teatervignetter og bruk av kroppen som et uttrykkssted. De ville ha kjent om arbeidet til de tidlige moderne dansepionerene, så vel som ville ha sett, eller vært klar over, det eksperimentelle arbeidet som kom ut av Judson Theatre på 1960-tallet, hvor kunstnere sammenslåtte sjangre og utfordret estetiske ytelsesnormer .
Anna Sokolow’s ‘Steps of Silence’. Foto av Steven Pisano.
1980-tallet, som 1960-tallet, var også en tid med store sosiale og politiske endringer, og individuelle kunstnere ble sterkt påvirket av den økonomiske resesjonen under Reagan-tiden, AIDS-epidemien, fremveksten av nykonservatisme og den fortsatte sniket av rasisme. og kvinnehat uttrykt i det daglige samfunnet. Miller uttaler at hennes arbeid er 'forankret i den menneskelige tilstanden.' Denne kunstneriske undersøkelseslinjen fanger bekymringene til denne generasjonen koreografer og minner om impulser fra tidlige tyske og andre europeiske danseteaterprodusenter.
På slutten av 1990-tallet byttet dans igjen spor, og det ble lagt vekt på abstrakt og bevegelsesbasert koreografi. Danseteater ble en outlier.
Og nå?
I USA er det en voksende interesse for dansteater. Dansk kritiker Siobhan Burke (2017) siterer Annie B. Parson, Okwui Okpokwasili og Faye Driscoll som nåværende danseteaterartister. David Neumann og Raja Feather Kelly bør legges til den listen. Etter hvert som flere og flere danseprodusenter blir interessert i dansteater, er det fortsatt vanskeligheter når det gjelder identiteten. Det er ikke engang en enhetlig stavemåte på engelsk. Library of Congress siterer Danseteater (Tysk) som navnet på europeisk dansteater, men på engelsk er det dans / teater , danseteater og danseteater . Bortsett fra semantikk, er de virkelige utfordringene som møter formen på amerikansk jord i trening og ytelsesmuligheter.
Pina Bausch’s ‘som mosen på steinen, å ja, ja, ja ...’. Foto av Stephanie Berger.
nordvest ballettantrekk
Trening for dansere som ønsker å opptre i danseteaterverk er kritisk. På en konsert jeg så av en kommende koreograf (regnet som danseteater), stolte verket sterkt på fortelling, men danserne hadde ikke ferdighetene til å snakke hørbart på scenen. Opplevelsen var veldig frustrerende, som å lytte til musikk med en hodetelefon som tuning inn og ut.
I tillegg kan kuratorer for små teatre som presenterer dans, gi bevisst plass til danseteater når de programmerer. Ved å gjøre det, ville de gi kunstnere flere muligheter for å utvikle ideer og utarbeide kreative problemer (for eksempel å snakke på scenen). Det er mulig at kuratorer viker unna å presentere danseteater på grunn av vanskeligheter med å definere sjangeren. Dessuten, uten en enhetlig stavemåte, vet kanskje ikke kuratorer engang hvor de skal begynne. Som et resultat er mange viktige muligheter tapt for danseteaterartister.
Etikken til den amerikanske kunstscenen har historisk sett alltid vært veldig eksperimentell. Samtidig drives det amerikanske samfunnet av etiketter. Disse to verdiene har ofte forvist kunstbevegelser og former til sidelinjen. Kanskje det er på tide å slutte å bekymre seg for hvordan man skal merke eller definere det. La det være hva det er: en dansebasert kunst som trekker på en sammensmelting av former. La oss i stedet ta opp problemene som vil gi den en sjanse til å utvikle seg og vokse på amerikansk jord og bli noe av sitt eget.
Av Nicole Colbert fra Dance informerer.
anbefalt for deg
