Tabula Rasa Dance Theatre i 'Inside Our Skins'. Foto av Jared Siskin / PMC. New York Live Arts, New York, NY.
15. mai 2019.
Å lage kunst og presentere den for et publikum tar en risiko. Det krever mot. Dette er ofte desto mer tilfelle når arbeidet fokuserer på kontroversielle spørsmål der ute i verden og i offentlig diskurs. Kunstnere som presenterer slikt arbeid gir ofte samvittighet, kommenterer feilene de ser i verden og presser på for å se at de blir adressert. Alle disse betraktningene var i lufta på Tabula Rasa Dance Theatre Inne i skinnene våre , sentrert om masseinnesperring og hvordan det fremmer en historie med sosioøkonomisk og rasemessig urettferdighet i denne nasjonen.
Det New York City-baserte moderne danseselskapet, med kunstnerisk leder Felipe Escalante i spissen, har som mål å 'tenne en eksplosjon av kunstnerisk produktivitet og sosial oppvåkning' og 'mener koreografi må fremkalle kraftige og noen ganger forstyrrende følelser.' Inne i skinnene våre følte meg helt i tråd med begge disse punktene.
Det andre arbeidet om natten, Inside Our Skins - - For damen som forfølger rettferdighet , var hovedkjøttet til showet (som denne anmeldelsen vil fokusere på). Den første delen av tittelen er hentet fra en serie dramaturg Tennessee Williams: 'Vi er alle dømt til isolasjon inne i våre egne skinn, for livet.' Man kan grovt oversette andre halvdel av tittelen fra latin som “hvem straffeforfølger på vegne av rettferdighet”. Det er mottoet til Justisdepartementet i den føderale regjeringen. Denne tittelen er lagdelt og meningsfull, akkurat som jeg ser at verket er.
Begynnelsen var ganske overbevisende - dansere steg sakte opp fra en klump, og den svært lave belysningen gjorde det litt forvirrende for meg hva jeg så. Jeg lurte på om din gjennomsnittlige seer kunne holde seg i det melasseaktige tempoet i bevegelsen, eller om tankene deres ville reise andre steder. En indre og ytre sirkel utviklet seg, med bevegelse som var jevn, men vektet, og fremkalte en tung belastning.
En sirenestøy gikk av da to dansere i gassmasker kom inn og beveget seg med mystiske bevegelser. En danser reiste seg i sentralt søkelys mens andre under dem beveget seg i rislende bølger gjennom leddene. Danseren ovenfor, gjennom steg over andre, hadde en vekt på bevegelsen. Den tyngden av vanskeligheter var tydelig. I tillegg til den følelsen av vanskeligheter formidlet kostymer av grønt / grått med raggedy frays også følelsen av å bære noe tungtveiende (mer oppfinnsom enn stereotypiske fengselsdrakter ville ha vært).
Etter det avsnittet steg danserne høyere for å utføre slående vakre bevegelsesordforråd i en sirkel lange linjer fra beina som strekker seg bakover ut gjennom toppen av hodet skiftet til en jordet sving og deretter til en høyere. Det var en følelse av tvungen inneslutning og likhet i denne bevegelsen og strukturen. Den feiende, dramatiske klassiske partituren passer godt med den sansen.
Denne sirkelavdelingen skiftet til en annen av dansere som vender bakover, og syklus ble til blå. En solist kom på, iført en hvit enhet (en farge på lys og renhet), og beveget seg med mer følelse av håp. Likevel var det en følelse av kontroll og en strenghet i hennes oppførsel og bevegelseskvalitet. Var hun en engel med forsiktig optimisme?
mikey manfs alder
Et nest mest minneverdige avsnitt var dansere som beveget seg fremover og bakover i sine egne lysseksjoner, som gjennom fengselsstenger. Scenebildet som dette valget skapte var kraftig stemningsfull, og føltes konseptuelt strålende. Likevel begynte effektiviteten å falme når danserne beveget seg ut av disse lysstengene, og dermed virket som å bryte ideen om bildet. Stengene forsvant en etter en, mange av danserne hadde allerede beveget seg ut av sine lysdeler.
Tabula Rasa Dance Theatre i ‘Inside Our Skins’. Foto av Jared Siskin / PMC.
Det kan ha forsterket betydningen mer å mørke ut lysene en etter en, mens danserne fortsatt beveger seg i det rommet de hadde vært. Programnotatene snakket om fortsatt mentalt traumer fra fengsling, og ideen om å bevege seg på samme måte selv med lysstengene borte kunne kanskje ha bidratt til å formidle den ideen.
Et avsnitt nedenfor viste tilsynelatende hele rollebesetningen, og flyttet fra solo til kvartetter til trioer - inn og ut av forskjellige grupperinger. Bevegelsen var krittfull av teknisk mestring og mer løftet bevegelse. Dansere begynte også å kaste bort kostymedeler, spesielt topper, for å avsløre kremfargede enhetter. Seksjonen føltes lang, som om den handlet om teknisk mestring. Spørsmålet blir da hva målet er.
Likevel var det mye som visuelt var overbevisende her. Slik visuell interesse fortsatte med at en seksjon av en danser ble løftet opp ned av flere andre dansere, og tråkket på bena, som hadde kjeder og bjeller på seg. Skyggene falt bak gruppen, dansende hjemsøkende over baksiden av scenen. Denne delen følte seg også litt lang for den gjennomsnittlige seers oppmerksomhet, selv om noen publikummere kunne ha funnet den vakker i sin meditative og estetiske kvalitet.
Før og etter denne delen vendte dansere seg tilbake og beveget seg som om de vasket seg, albuene opp og til siden mens hendene arbeidet. Disse bevegelsene var litt forskjellige for hver danser, og var vakre i sin intrikate kvalitet. Det kom i tankene betydningen av enkle, daglige handlinger og nødvendigheter, noe som blir overdrevet under og etter fengsling.
I en annen gruppeseksjon som fulgte den delen, begynte danserne alle på et torg. Det var igjen en følelse av inneslutning og likhet. De flyttet ut av dette torget med mer virtuos bevegelse - en høytid med løft, sprang og svinger som var moderne ballett i smak. Skrik senere syntes å formidle psykiske lidelser. Jeg lurte på om denne ideen kunne ha blitt levert gjennom kroppen på en måte som kan være mer fordøyelig for et bredere publikum.
Kontrasten mellom den løftede, energiske bevegelsen og de skrikene stakk også ut til meg. Jeg kunne se i dette en illustrasjon av balansen mellom nærværet av håp i vanskelige tider. Til slutt beveget alle seg i en klump mot scenen til venstre, mot en lyskilde - sakte, men likevel ikke så sakte for å utfordre oppmerksomheten til moderne publikummere. Det var en nydelig kontinuitet til den langsomme bevegelsen, på en nydelig måte å formidle en bevegelse til lys og håp.
Et par andre elementer i forestillingen er bemerkelsesverdige. For det første satt hele personen og skrev bort på telefonen hennes, noen ganger “selfie-ing”. Dette var en klar skildring av hvordan vi fortsetter med livene våre når alle disse urettferdighetene i massefangivelse skjer. Jeg lurte på om dette smarte valget kanskje hadde vært mer vellykket hvis det ble speilet på andre siden av scenen, kanskje av en mann som presenterer. For det andre koster billetter seksti-tre cent - gjennomsnittlig dagslønn for en fengslet person i New York City. Billettkonvolutter for donasjoner var i hvert program, og en melding over en høyttaler oppfordret publikummere til å donere med tanke på den svært lave billettprisen.
Det var et valg som samsvarte med det generelle motet og overbevisningen i arbeidet, en om et kontroversielt sosiopolitisk spørsmål Escalante og andre beslutningstakere i selskapet stolte på at publikum ville sette pris på arbeidet og dets sterke budskap nok til å gi, totalt nok for å dekke produksjonskostnadene. De stolte på at budskapet deres ville gi gjenklang, kanskje til og med nok til å føre publikum til handling. Kanskje det var samvittighet som spurte dem til å jobbe med en urettferdighet de ser der ute. Kanskje det var noe av begge deler. Uansett er jeg glad for at de gjorde det, og at jeg kunne oppleve dette mangesidige, modige arbeidet.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
