Boston Ballets Paulo Arrais og Lia Cirio i Jorma Elo's 'Bach Cello Suites'. Foto av Rosalie O'Connor, med tillatelse fra Boston Ballet. 25. februar - 7. mars.
Gjennom bostonballet.org/bbatyourhome .
Dans eksisterer ikke i et vakuum, tydeligvis er det som kom før enten et fundament eller noe å avvike fra. En koreografs stemme utvikler seg over tid, men visse interesser og tilbøyeligheter kan forbli. Både i en bestemt koreograf og i utviklingen av dans bredere, kan det være interessant og informativt å se eldre verk og sette dem i samtale med nyere verk.
Denne COVID-alderen har mange selskaper som gjør det av praktisk og nødvendighet, sammenkoblet nye verk filmet på måter som er trygge for denne tiden, og arkivarbeider i virtuelle programmer. Feirer Jorma Elo, innenfor Boston Ballet's 'BB @ yourhome' programmet, gjorde nettopp det - å hedre den 15 år lange Boston Ballet Resident Koreografen gjennom verk som er trygt filmet i studio og eldre verk utført på den store operahuset i Boston. Begge typer verk tydeliggjorde det unike med Elo's visjon, stemme og resulterende arbeid gjennom årene.
Whitney Jensen, Bo Busby og Jeffrey Cirio i Jorma Elo’s ‘Plan to B’. Foto av Gene Shiavone, med tillatelse fra Boston Ballet.
Del I, med Plan 2 B , åpnet med en danser som snart kom sammen med en annen. De beveget seg med en frenetikk, men likevel en som var grunnlagt i forsikring. Den generelle estetikken var ukomplisert: kostymer i grunnleggende kutt og solide farger, belysning som minner om midnatt og et glasspanel tilsynelatende opplyst bakfra med en gul-oransje fargetone (kostyme og lysdesign også av Elo). Masker signaliserte at arbeidet ble opprettet i COVID-tider, ettersom en åpning til programmet også var avklart.
jangle dans
Danserne skiftet sømløst mellom bevegelse som var gestikulær og ukonvensjonell, og det som var mer teknisk og tradisjonelt, Ji Young Chae jordet i et dypt lunge og deretter raskt sirklet armene, som propellblader og deretter jevnt steg til en pirouette-sving. Det stemte overens med kvaliteten på instrumentalmusikken, med en rask og brennende dristighet, men også en klassisk raffinement.
Paret dansere samarbeidet, men på måter som ikke hadde ansiktene sine nærme seg. Når de ikke var i heis, svingte de inn og ut av hverandres negative rom på en vakkert krumlinjær måte. På metaforisk nivå kan denne mangelen på fysisk plass slå hjemmet til seerne i dag. På et praktisk nivå var disse koreografiske valgene en måte for danserne å dele energi i nærheten med mindre risiko for å skade noen av dem.
Disse svingende vinklene forble en tydelig del av bevegelsen ettersom flere dansere kom inn i gruppen vokste fra to til en (med en rask og minneverdig solo fra John Lam ) til seks. Hvordan dansere utførte de krumme linjene fra formasjoner - for eksempel en grunne diagonal der dansere stilte et øyeblikk, lite plass og med armene holdt til siden i en vingelignende form - var et annet lag av visuell og energisk interesse her. Også spennende var tempoet og tonale endringer i musikken, og hvordan bevegelse spilte av dem - noen ganger skiftet deretter, noen ganger utviklet seg i spenning med dem.
Energien nådde topp mot slutten, danserne beveget seg raskt gjennom mer krumme linjer og fant raske interaksjoner med hverandre gjennom rommet. Musikken kom til en staccato-slutt, og danserne traff en endelig positur som så ut til å formidle videreføring av å bevege seg fremover derfra - to dansere som vender mot siden i en lunget stilling og bak dem, dansere som står med føttene sammen og ser rett frem . Lysene bleknet nedover. Jeg vil være nysgjerrig på å se hvilken effekt som kan ha kommet av det forskjellige valget av dansere som fortsetter å bevege seg når lysene kom ned. Som det var, var slutten tilfredsstillende.
alexandre meyer
Del II, Bach Cello-suiter , også smart brukt negativ plass. Danserne (Paulo Arrais og Lia Cirio ) ville bare være kort for omfavnelse - armene holdt ut i en klemform og børstet vekk, med blikk til siden med armene igjen utstrakt sideveis. Uansett om det var en kommentar til mangelen på fysisk kontakt gjennom denne tiden, var det overbevisende ordforråd i seg selv.
Sammen med musikkens lengtetone bygde den en følelse av tristhet og tap som resonerte dypt for meg som betrakter. Også resonans for meg var hvordan jeg kunne se Arrais og Cirios raske, dypere pust gjennom masken - suge inn og utvide seg i jevn rytme. Det traff hjemmet for meg hvordan dansere som dem står overfor enorme utfordringer akkurat nå, både fysiske og mentale, og fullt opp til disse utfordringene.
Del III, Historien om et minne , snakket til noen av de samme temaene, om tap og lengsel, i en teatralsk og teknologisk dyktig måte. Mellom dansene deres, for det meste fra hverandre i rommet, var danserammene le og smilende. De satte seg opp mot forskjellige sider på en enorm svart blokk og snakket poetiske linjer - noe tvetydige, men tilsynelatende om hverandre, da de også satt og snakket i hverandres retning (hvordan man kan prøve å snakke med noen på den andre siden av en tynn vegg).
Del IV inkluderte utdrag fra forskjellige Elo-verk gjennom årene. Hvert utdrag ga en smak av visse bemerkelsesverdige Elo-arbeider - alle unike i estetikk og konsept, men med den røde tråden til en signatur Elo-bevegelsesstil: dynamisk, sprengende med energi og reflekterer forskjellige bevegelsespåvirkninger (både teknisk og fotgjenger) som hviler på en klassisk utgangspunkt.
C. til C. (Nær Chuck) Gjenfødt hadde en edgy, mystisk marerittaktig stemning. Skarp (er) Side of Dark brakte noe nedslått og elegant, nesten balanchinsk i estetisk, men veldig Elo i bevegelseskvalitet. Elo-opplevelsen brakte en mystisk eleganse. Lys og mørke var i spenning på forskjellige måter gjennom hele arbeidet. Teatralitet og store formasjoner bygde en energi som støttet den følelsen.
Marcus lemonis høyde
Boston Ballet i Jorma Elo’s ‘Creatures of Egmont’. Foto av Liza Voll, med tillatelse fra Boston Ballet.
Skapninger av Egmont var litt lettere og lysere, blå og purpur støttet bevegelse som var litt mindre staccato enn for mange andre Elo-stykker. Likevel fylte den signaturdynamikken luften. Fra kostyme til formasjoner til dansernes scenetilstedeværelse, Femte symfoni av Jean Sibelius hadde et utseende og følelse av en pastoral ballett fornyet til 21St.århundre.
Det var også hjertevarmende å se litt av Boston Ballet-historien, for eksempel gjennom forestillinger fra tidligere kompaniemedlemmer James Whiteside (nå på American Ballet Theatre) og Kathleen Breen Combes (nå direktør for Festival Ballet Providence) . Før disse utdragene representerte også noen flotte fotostiller Carmen , presentert i fjor (tidlig i 2020) - en sterk påminnelse om hvordan ting var rett før COVID, og hvor mye de har endret seg deri.
Dette programmets inkludering av både nyere, COVID-trygge og eldre verk presentert før COVID føltes bittert søt at det var gledelig å se verk som fortsatt ble opprettet og filmet gjennom denne tiden, mens eldre verk var en påminnelse om hva som var mulig før - det vi måtte ha noen ganger tatt for gitt. Begge typer verk tydeliggjorde imidlertid den unike kreative stemmen til Elo og den sentrale kunstneriet til Boston Ballet nå og i fortiden. Verden er i konstant, helt uforutsigbar flyt, men kreativitet og kunstneri holder ut.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
