Paulo Arrais og Irlan Silva i Wayne McGregors 'Obsidian Tear'. Foto av Rosalie O'Connor, med tillatelse fra Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
3. november 2017.
Spenningen mellom individets vilje og gruppens er like gammel som tiden. I klassisk dans er detCorps de balletog solister. Tradisjonelt sett,kroppmedlemmene må sammen komponere en helhet mens solister har til oppgave å legemliggjøre fulle og minneverdige karakterer, arketyper eller ideer. Noen kunstverk kan bruke denne strukturen til å skildre forenede grupper og de som avviker fra dem, de 'mavericks' som tør å fargelegge utenfor linjene. Det ser ut til å ha blitt vist mulig selv i ballett laget i en mer moderne retning.
Boston Ballet i Wayne McGregors ‘Obsidian Tear’. Foto av Rosalie O'Connor, med tillatelse til Boston Ballet.
Boston Ballet demonstrerte en slik tilnærming, til stor suksess, i Obsidian Tear - inkludert tittelverket fra Wayne McGregor og verdenspremieren på Femte symfoni av Jean Sibelius fra Resident Koreograf Jorma Elo. Det generelle fokuset, levert med spesifisitet, men likevel mangefasettert nyanse åpent for tolkning, virker ganske upropos i 2017.
Oxford Dictionary definerer “obsidian” som “en hard, mørk, glassaktig vulkansk stein dannet av den raske størkningen av lava uten krystallisering” - et nysgjerrig ord for tittelen på en ballett. Dette kombinert med den storslåtte og dramatiske foregående ouverturen ('Finlandia' av Jean Sibelius, ledet av gjesteleder Daniel Stewart), og vi publikummere visste ikke hva de kunne forvente. Likevel visste vi at vi var på tur. De første danserne var i svart, med en i rødt - en farge som stakk ut som levende og unik. Andre dansere ble med, men alle i svart og ingen med denne iøynefallende røde (kostymer samlet av motekoordinator Katie Shillingford). Den eneste røde måtte betegne noe. Noe stort måtte komme.
McGregors bevegelse i dette stykket var som lønnesirup - oser på en vedvarende måte, men med en eller annen måte skarp og slående søthet. Et nett av det klassiske og mer fellesinitierte samtiden bygde kanskje denne kvaliteten. Musikken flettet seg gjennom den bevegelsen, med en kontinuerlig slyngende kvalitet. Omvendt, mens danserne beveget seg, syntes forskjellige grupperinger å inneholde forskjellige harmoniske deler i musikken - høyt og lavere, skarpt og merordtak.
Bevegelsen var også ganske formdrevet - noen ganger de mer komplekse og uklare for øyet, andre ganger mer geometriske og endelige. Det ble en gi-og-ta, en balanse, mellom det definerte og det noe udefinerbare. En virkelig minneverdig form, visuelt forbløffende, men også tilsynelatende snakkende om forbindelsen mellom danserne, var armene som dannet en løkke (dansere som holdt håndleddene) og løkken hevet til scenen. De ga ut dette for å re-loop i en annen variant.
Boston Ballet i Wayne McGregors ‘Obsidian Tear’. Foto av Rosalie O'Connor, med tillatelse til Boston Ballet.
Senere gikk de samme to av scenen sammen - to deler av en helhet dukket det opp. Likevel var danseren i rødt aldri engasjert i denne typen forbindelser. Dessuten ble flere dansere med og kom til å lede ham til en avsats - en av svart, skarp, tykk og sterk stein. Obsidian . En kampspenning økte. En danser strakte armen ut som om han skulle gestikulere 'frem, menn!' Bevegelsen vokste deretter raskere, mer geometrisk og mer vinklet - albuedrevet, med bevegelser i forskjellige plan og retninger. Det hele føltes ganske mekanisk. Danseren i rødt ble endelig ført til kanten av avsatsen. Spenningen nådde en topp da han måtte stå der som kraftig, kommanderende dans (i en duett og solo) spilt ut under ham. Det syntes ikke å være noen flukt.
På en merkelig uhyggelig måte gikk en danser sakte over scenen. Det minnet om den langsomme marsjen mot dødelighet. Slutten tilsynelatende så nær for denne utenforstående i rødt, den var håndgripelig nok til å gjenspeiles i fysisk form. Danseren på avsatsen prøvde å rømme, men ble deretter skjøvet av i et ukjent avgrunn. Så en annen danser kjempet for livet - en representasjon av den som falt, eller en av empatisk forbindelse mellom dem som begge lever, føler mennesker?
matilda szydagis
Over denne danseren startet en duett av tung og jordet bevegelse, med anspent, men jevnt utført vektdeling. Denne delen, så vel som mye annet om stykket (som noen i en mannlig rollebesetning som har på seg ganske feminine kostymer) brøt uhindret gjennom kjønnede grenser, alt mannlig partnerskap inkluderte former og bevegelse som historisk var danset av kvinner. Det hele så ikke ut til å henlede oppmerksomheten på seg selv, da det ikke så ut til å være hovedfokuset for arbeidet. Kjønn syntes bare ikke å ha noe å si.
Det som så ut til å være mer det aktuelle spørsmålet, var behandlingen av denne ene danseren i rødt - utstøtt, ødelagt og til slutt presset til hans død. Også viktig var hvordan en hovedleder for denne behandlingen hoppet av avsatsen selv på slutten - lys og musikk plutselig skjæres ut, og gardinet raskt falt, for å legge til sjokket ved å observere den helt uventede handlingen. Én takeaway - noen ganger blir vi presset, og noen ganger hopper vi. Vi er gjort mot, og vi gjør med oss selv. En annen er at de som mobber og utstøter de utsatte til slutt også skader seg selv til slutt. Uansett hva som måtte være, eller til og med uten noe særlig moralsk budskap å utlede, var det unik og slående kunst å oppleve.
Boston Ballet i Jorma Elo’s ‘Fifth Symphony of Jean Sibelius’. Foto av Rosalie O'Connor, med tillatelse til Boston Ballet.
Jorma Elo’s Femte symfoni av Jean Sibeluis var merkbart mer tradisjonell, men hadde sin egen slags moderne bøyning. Det begynte virkelig med et smell, med risiko for klisjé - men en som på ingen måte var klisje. Fra starten smeltet formasjoner inn i hverandre på veldig slående, innovative måter. Det var en annen form for kontinuerlig bevegelse enn det som ble sett i McGregors stykke snarere enn at individuelle grupperinger kontinuerlig beveget seg i spesifikke fraser, det overordnede scenebildet var stadig forandring, skiftende og utvikling. Med smart setningsarbeid, forskjellige par mannlige og kvinnelige dansere, i grønt og rødbrun (kostymedesign av Yumiko Takeshima) beveget seg innenfor disse formasjonene. Dette fasearbeidet ble tegnet av noen spesielle bevegelsesmotiver og former, inkludert V-armer, 'saksende' ben med dansere løftet (for nesten å skape en følelse av å fly).
Det hele føltes stort sett klassisk, men likevel lilting extensions og forming i partnerskap føltes overbevisende moderne. Noe vesentlig føltes imidlertid ganske avvikende fra klassiske plottløse ballettstykker. En danser i blått (Ashley Ellis), som ikke hadde en partner, danset sin egen unike bevegelse. På et tidspunkt satt Ellis for eksempel, spunnet og tråkket på føttene som om hun syklet. Hindret ensomheten henne fra å fly og holdt henne jordet, mens de med støtte fra andre kunne fly?
Enheten i gruppen som helhet var ikke så avgjort i begynnelsen, dansere i klare linjer flyttet lemmer hver vei - et organisert kaos. Alt dette forvandlet seg til klarere enstemmighet - kanon, grupperinger og lignende. Ellis 'karakter virket imidlertid ikke villig eller i stand til å definere seg selv innenfor den forente identiteten. I en vakker seksjon sprang dansere for eksempel i jevne kryssende linjer. Danseren i blått tok imidlertid sin egen vei.
Derek Dunn og Hannah Bettes i Jorma Elo’s ‘Fifth Symphony of Jean Sibelius’. Foto av Rosalie O'Connor, med tillatelse fra Boston Ballet.
Til slutt kom gruppen for å slå et fantastisk tablå - likevel satt danseren i blått og klappet bena. Hun kom aldri til å virkelig bli med i gruppen. Likevel var et smil bredt over ansiktet hennes. Hun så ut til å være i ensomhet, men ikke ensomhet. Deri demonstrerte arbeidet i forbindelse med McGregor’s et mangfold av erfaringer.
nick fink alder
Det er utstengelse og angrep fra utenforstående, ofte båret av frykt - ofte for endring, for å miste det man har hatt. Det er også når gruppen og utenforstående er fornøyd med sine egne identiteter og nåværende erfaring. Verden vår (kanskje mer nå enn på lenge) står for tiden overfor disse spørsmålene om hvordan vi balanserer individets og gruppens behov, velferden til flokken og utenforstående - kanskje nå mer enn den har gjort på lang tid .
Kunst er på sitt beste et speil med flere paneler som reflekterer virkeligheten som den er - eller hvordan den kan være. Dans, med tilgang til kraften til kroppens uendelige muligheter i rommet - sammen med kroppens sinn og ånder - har kanskje en unik evne fremdeles blant kunstformer. I Obsidian Tear, Boston Ballet utnyttet denne kraften med presisjon og nåde.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
