Island Moving Company i 'Memory and Glass'. Foto av Thomas Palmer. Green Street Studios, Cambridge, Massachusetts.
22. april 2017.
På den ene siden er det mangfold - eksistensen av varierte måter å være og handle på. På den andre siden er det enhet - separate enheter som handler og er i sammenheng og harmoni. De to modusene utelukker imidlertid ikke hverandre, fordi enhet ikke nødvendigvis betyr samsvar. Divergerende måter å være og handle på kan være harmonisk, og dermed bli enhetlig. Vi ser nå den effekten i konsertdans, generelt sett, med klassiske og moderne elementer som noen ganger blandes og noen ganger lever side om side.
Ruth Whitney og Jacob Hoover fra Tony Williams Ballet Company i ‘La Favorita’. Foto av Golden Lion Photography.
Kat Nasti, direktør for Green Street Studios i Cambridge, Massachusetts, uttrykte det poenget da hun introduserte dansekollektivets Ballet Showcase. Showet er den første av en serie sjangerspesifikke konserter som Green Street vil presentere i løpet av de kommende månedene.
Showet inkluderte verk i ballettidiomet, alt fra klassisk til nyklassisistisk til postmoderne med balletiske inspirasjoner. Den første av disse brikkene, Mamma Belly koreografert og fremført av Tai Jimenez, var en slående utforskning av morskapet.
Man kan tolke den utforskningen som i stor grad en kommentar til offer - kanskje noe av det som et tap av en del av ens identitet - innenfor moropplevelsen. Jimenez beveget seg grasiøst og gripende. Hun startet ofte bevegelse fra hofter, albuer og håndledd med slående subtilitet. Kostymer og belysning komplementerte kroppens kropp med en nesten illevarslende atmosfære. En flytende, men likevel jordbasert piqué-sving - som en av de få åpenbart tekniske bevegelsene i stykket - etterlot en som ønsket mer flytende blanding av ballettbevegelse med den i det postmoderne, frigjøringstekniske idiomet.
Tilsvarende var postmoderne i noen kvaliteter et følgende stykke, et utdrag av Jorma Elo Skjær til skarpt , fremført av Boston Ballet IIs Thomas Davidoff og iscenesatt av Anthony Randazzo. Den hadde imidlertid mye mer atletisk energi. Verket - og Davidoffs kommanderende levering av det - minnet den fantastiske scenen i ballettfilmen Firmaet hvor en mannlig danser, alene i et katedrallignende rom, beveger seg raskt og kraftig.
Christian Pforr fra Boston Ballet II i Jorma Elo’s ‘Slice to Sharp’. Foto av Golden Lion Photography.
Davidoff danset med en utrolig fengende måte å opprettholde en spinal snakiness gjennom en veldig teknisk og kompleks bevegelse. Denne anmelderen, som en Boston-basert kritiker, ser frem til å se hvor han vil gå i den overordnede Boston Ballet-strukturen. Likevel var bevegelsen så rask, så kraftig, så spektakulær, at man kanskje ønsker mer utjevning av hastighet og fysiske energier når noe er konstant, fra mangel på motstand, betyr det mindre.
Der hadde vi postmodernisme. Jazzdans opptrådte også, med SundanceX’er nykker (fra koreograf og kunstnerisk leder / grunnlegger David Sun). Med vokabular som parallelle passéer, oppsett og til og med en italiensk i Fosse-stilingen katt, stykket var absolutt fullt av lunefull og jazzy moro. Det tilbød en Balanchine-esque vri på klassisisme levert med teft og mye raskt fotarbeid. Lyse kostymefarger, forskjellige for hver dansers enhet, la til den følelsen av moro og stil. Danserne utførte de vanskelige allegro-seksjonene, så vel som langsommere seksjoner med vedvarende utvidelser og svinger, prisverdig.
julie ertz lønn
På den annen side kan man lure på hvordan den dyktige koreografien - og utførelsen av den - kan se ut hvis danserne tar mer risiko med den. Utgivelser til gulvet føltes veldig kontrollert og trygt, for eksempel uten manglende drama som kan ha vært overbevisende (med unntak av en danser i en gul drakt). Kanskje de unge danserne, med imponerende teknikk for deres tilsynelatende alder, er på et stadium der det enten er teknisk kommando eller en dristig tilnærming til dansingen deres. De viser mye løfte og potensial. I alle fall benyttet Sun seg godt av nivåer i rom- og sceneseksjoner, for å skape et behagelig scenebilde.
kathy travis nettoformue
Beth Mochizuki i Kevin Jenkins ’‘ Reverie ’. Foto av Golden Lion Photography.
Bygningen av atmosfære i Reverie bidro også betydelig til opplevelsen av stykket, sammen med dyktig designet, tenebristisk bakgrunnsbelysning (lysdesign av Stephen Petrilli). Kevin Jenkins 'koreografi ga noe glatt og saftig, de to danserne (Beth Mochizuki og Ruth Whitney) rullet håndledd og forskjøvet hodet med grasiøse svinger og forlengelser. Ballettboller og de lange ermene samt flytende skjørt i knelengde av de mørke kostymene forbedret denne enkle, men kraftige bevegelsen.
Det var Mark Morris-lignende gledelig letthet som ekko gjennom det hele. I tillegg til den kvaliteten, instrumental strengemusikk, en solo fiolin lilt akkurat som bevegelsen. Alt i alt kom alle disse elementene sammen for å skape en estetisk opplevelse som ikke skal glemmes. Likevel er en eneste kritikk et ønske om å se danserne samhandle mer. Soulfulness av deres dans fra hverandre, og det av de relativt sjeldne øyeblikkene da de ble med, stilte spørsmålet om hva det måtte bidra til stykket. Med det kan stykket ha vært en enda mer slående, minneverdig og pustende opplevelse å ta inn.
Så kom finalearbeidet, Island Moving Company’s Minne og Glass , koreografert av Rodney Rivera . En helt passende tittel, ettersom det emosjonelle innholdet var levende nok til å forbinde med minner hos hvert publikum. Med blikk, ansiktsuttrykk, bevegelseskvalitet og måte å samhandle med andre dansere på, skapte rollebesetningen en emosjonell - men ikke melodramatisk - opplevelse av dansekunst. Rivera bidro også til denne opplevelsen var smart, innovativ formasjon.
I en seksjon lå for eksempel en serie med alle mannlige dansere på ryggen langt oppe på scenen, med den ene armen utstrakt mot himmelen. Enkelheten kontrasterte effektivt virtuos bevegelse som skjer midt på scenen. I et øyeblikk mer subtil og dramadrevet lå en (av de tre totalt) ballerinaene i fosterstilling. Hun holdt på to mannlige danseres ankler for å bevege seg sakte, forsiktig (det var ikke så aggressivt eller voldsomt som 'dra' antyder).
Island Moving Company i ‘Memoria y Vidrio’. Foto av Golden Lion Photography.
Scenebildet snakket da tusenvis av ord, noe i det så ut til å ha bindevev til årtusener av tap, kjærlighet, lengsel og håp om en bedre fremtid innen kollektiv menneskelig erfaring. Hun reiste seg imidlertid, i likhet med andre dansere som utførte lignende nivåendringer gjennom (og rett innenfor) grasiøst konstruert frase-arbeid. Det hele så ut til å ekko Maya Angelous poetiske linje, 'Og fremdeles reiser jeg meg ... og fremdeles reiser jeg meg.' Å falle, og deretter reise seg igjen, er ikke bare fortiden eller nåtiden.
Dansestiler, klassiske til moderne til postmoderne, trenger ikke være det heller. Minne og glass sammen med andre prisverdige verk i dette programmet, viste det seg å være sant. De kan flettes sammen, gå side om side og være i dialog. Det hele kan være en del av den avgjørende observasjonen og kommentaren som kunsten kan tilby oss. I en tid hvor verdiene mangfold og enhet noen ganger virker motstridende, når vi noen ganger sliter med å forene divergens og konvergens, la oss huske - som dette programmet illustrerte - at de virkelig kan være som en.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
