VLA Dance's 'Sand'. Foto av Olivia Moon Photography. Fountain Street Gallery, Boston, Massachusetts.
27. april 2019.
Et sentralt aspekt ved dansekunst er at den foregår i et rom, som er en del av en kontekst, ofte blir en del av betydningen. Målrettet eller ikke av dansemakere, mer eller mindre effektivt laget av dansemakere, tiltrekker publikummere assosiasjoner fra det de ser med sine egne liv - til minner, til kunnskap, til rå følelser. Jeg hadde alle disse komplekse, brede forestillingene i tankene mine etter å ha sett på VLA Dance’s Sand sammen med - i kontrast - den gripende spesifisiteten i verket.
VLA Dance’s ‘Sand’. Foto av Olivia Moon Photography.
Det ble fremført i Bostons Fountain Street Gallery, og tilbyr et ukonvensjonelt og spennende bakteppe for bevegelse, lyd og live poesielesing. Denne kvaliteten, sammen med oppfinnsomheten og klarheten i bevegelsen, var ganske slående for meg med tanke på at selskapet bare er noen måneder gammelt (VLA Dance ble dannet i januar 2019). Det 'tar sikte på å styrke kunstnere og publikummere både gjennom tverrfaglig kunst og fysisk krevende dans,' (program). VLA Dance er hjernebarnet til den kunstneriske direktøren Victoria Lynn Awkward (derav VLA), som også koreograferte verket i samarbeid med danserne.
verste ballettskadene
Dansere begynte på baksiden av galleriet, motsatt publikum, i en klump. En dikter, Tatiana Isabel, leste arbeidet sitt høyt. Teksten beskrev vann og sand, og hvordan deres kvaliteter har resonans i livet vårt. Det var en følelse av tilstedeværelse i ens eget øyeblikk mens man husket forfedrene som kom før. Danserne begynte i felleskap å gli til den ene siden og så se opp og over - se tydelig og forsettlig ut som om de så på en vakker fugl som flyr over hodet. Rundt om var malerier som fremkalte vann, eller - mindre åpenbare, men likevel fortsatt knyttet til temaet - abstraksjoner med dens tetthet og flytkvalitet.
Jessy Zizzo brøt ut av gruppen med en solo av bevegelse raskere og mer aksent enn hva resten av gruppen fortsatte å danse. Selv da hun beveget seg med fart og skarphet, var det på en eller annen måte en elastisk, senete kvalitet som holdt meg transfixed. Musikken skiftet fra LSPs 'Teebs' til deres 'While You Doooo', og dansere spredte seg over hele rommet. Bevegelsen deres minnet meg om krusende bølger og tidevannet som beveger seg inn og ut, ryggene deres krusende og bevegelse rytmisk.
danseholdninger ri
Partituren støttet denne følelsen med sin egen bølgelignende følelse, i rytme og tone. Kostymer med dress-casual sommer-slitasje fikk meg også til å tenke på sommeren på stranden. Hver danser hadde på seg noe annet, og fremhevet deres egenart. Det som også slo på visse punkter var måten Awkward strukturerte movers i rommet. For eksempel, to dansere som beveger seg raskere og skarpere enn en enkelt langsom, smeltende motor på den andre siden av rommet (den adskilt av en sentral vegg) skapte klar kontrast - slik at egenskapene i hver kan resonere mer.
Soloer, duetter og trioer brøt ut fra unison seksjoner - noen ganger skjer samtidig med disse seksjonene, noen ganger alene. En nest mest minneverdig av disse var en solo fra Mitzi Eppley. Hun beveget seg med en mystikk, bygget av en samling med mange små nyanser, noe som gjorde det vanskelig å se bort. Det var rett og slett så mye å oppdage.
I flere unisonseksjoner fikk ordene nye smaker og ny dristighet. Albuer førte til et fall mot gulvet, og steg deretter med armene forlenget til siden og føttene i ballettens femte posisjon. Etter det ble en oppfinnsom samarbeid med å sirkle en danser i luften, gjentatt to ganger. Danserne hadde på en eller annen måte fått fysikken til å fungere slik at løfting og bevegelse av hundre kilo i luften virket umulig uanstrengt - akkurat som det føles å bevege kroppen gjennom vann når du svømmer. Akkurat som å svømme, og bevegelsene til vannmassene, hadde bevegelsen som helhet en jevn sirkularitet som var både mentalt stimulerende og visuelt behagelig.
sam kort
VLA Dance’s ‘Sand’. Foto av Olivia Moon Photography.
Awkward selv danset en solo mot slutten av første akt. Gaze initierte utforsking av ryggradsmulighetene. Ved noen få anledninger gjennomførte hun et virtuøst 'wow' -moment - falt helt tilbake på ryggen fra å stå, hæler hevet og aldri berøre mens bena glatt buet til en 'z' sitform på et tidspunkt i luften. Ledende inn i pausen, tegnet Michayla Kelly sin solo og deretter gestikulerte publikummere for å komme og se på maleriene i galleriet. Dette var en jevn måte å avslutte handlingen på, samt å oppmuntre publikummere til å glede seg over kunsten som rommet hadde å tilby.
Andre akten var på samme måte en samling av soloer, duetter og trioer ut av og i enstemmige seksjoner. Visse bevegelsesmotiver ble hyppigere og tydeligere - for eksempel å gå på hendene fra fingrene gjennom håndflaten til håndleddet. Partnerskap, for eksempel et øyeblikk av å trekke bakover og hjelpe fremover, videreutviklet ideen om støtte og enhet - likevel det som eksisterte samtidig innen individualitet.
Isabel kom tilbake for å lese poesien sin mot siste halvdel av andre akt, og en ny, oppfinnsom bevegelse fortsatte å komme omtrent til slutten.
En spesielt minneverdig setning var en tendo som feide raskt og skarpt tilbake til en arabesk, som smeltet i en halv sving og avsluttet i en dyp, bred plié. Det hele kom i full sirkel mot slutten, dansere gled en fot til siden og så opp og over mens Isabel leste - ord som gjentok seg, men bygde også på dens tematiske kraft. Teksten hennes snakket om å forankre seg selv, jorden og de som kom før selv mens de fant en lett flyt som tidevannet. For å avslutte, flyttet de seg lenger fra hverandre i rommet for å finne en individuell bevegelse, og deretter bøyde de seg sammen.
Alt i alt, Sand var oppfinnsom, tankevekkende og visuelt fantastisk - og imponerende som frukten av et så ungt selskap. Det understreket hvordan å sette et verk i spesifikk sammenheng og sted skal gjøres med forsiktighet, men når det lykkes kan det være virkelig magisk.
krystalkulehøyde
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
