LMnO3. Foto av BenjaminCheney. 10. september 2020.
DANS NÅs webplattform .
Mye kan skje på 25 år - spesielt innen kunst er det litt ufattelig å tenke på alle ideene, alle drømmene, alle øvelsestimene og alt blod, svette og tårer som kan passe inn i 25 år med en kunstorganisasjon. Det å vare så lenge viser også en utholdenhet og en styrke som ser ut til å signalisere en evne til å gjøre det gjennom omtrent hva som helst - til og med en global pandemi som alt annet enn grunnla kunstsektoren til en gjennomgang. Flerbyproduksjonsselskap DANCE NOW's 25thJubileumssesongen (2020-2021) vil foregå virtuelt, med tilgang til forestillinger gjennom en online plattform til en lav pris for seerne. Gjennom en ny plattform vil selskapet fortsette å dele dansekunsten og alle de fantastiske formålene den kan tjene - alt det er verdt og alle grunnene til at vi trenger det for å overleve denne gangen og forbli en del av livet vårt .
LMnO3’er PUMPE åpner septemberutgaven av den virtuelle festivalen. Tre kvinner (Deborah Lohse, Cori Marquis og Donnell Oakley) går inn, bærer store pappesker og har naken undertøy. De beveger seg i presis koordinering og gir omsorg for det de presenterer som fortsetter gjennom resten av arbeidet. Kassene deres åpnes for å avsløre en lapp med fauxgress, som de deretter går for å danse på. De når pom-poms opp når John Philip Sousas 'Stars and Stripes' ringer ut, og bretter seg deretter på hoftene. Fortsatt nøye koordinert, sporer de pompongene nedover bena. Satirisk går de bak bunnen og deretter nedover beina, alt sakte. Den ene armen sporer gjennom det andre benet, de tre sammen forvrenger elegant, men med den edgy, sardoniske følelsen. Til slutt reiser de seg opp og gyrrer hoftene før de danner en menneskelig trekant - trosser 'ladylike' normer og forventninger.
niykee heaton foreldre
Filmen ender med at en pom-pom faller fra toppen av den menneskelige trekanten, og kameraet panorerer inn på den (videografi av Courtney Boyd og videoredigering av Lohse). Det er noe motkulturelt og nonchalant dristig over det hele, på en veldig postmoderne måte. Med den kvaliteten, kombinert med den patriotiske poengsummen og symbolikken som boksene som er merket med store forbrukernavn (som Amazon og Lowes), ser verket ut til å lure hull på ideen om 'amerikansk eksepsjonisme' - akkurat som postmoderne kunstnere gjort siden 1960- og 1970-tallet. Vi møter forskjellige kamper nå, men de er ikke mindre farlige. Noen ganger er det opp til kunstnere å fortelle oss, noen ganger gjør det mellom linjene, når det er på tide å våkne og handle.
Ayodele Casel. Foto av Michael Higgins.
sonja morgan alder
Ayodele Casel’s Rotfestet har Casel danset i en nedslått setting - bare henne, en lampe, et tappegulv og rommet rundt henne (filming av Torya Beard fra Original Tap House). Hun har på seg en skjorte med et amerikansk flagg i svarte og hvite, svarte jeans og tappesko i gull. Mens hun tapper, rytmen som lokker og hennes virtuositet ganske enkelt forbløffende, hører vi henne snakke i et fortellende overlegg. Hun snakker om å være forankret i folket i sitt liv og i samfunnene hun tilhører - inkludert de av hennes røtter i Puerto Rico og Afrika. Hun snakker om energien, innovasjonen, kreativiteten og gleden til disse menneskene, og hennes kjærlighet til disse tingene - og hennes folk.
Hun røtter i trinnene hennes, hennes fysiske energi stiger likevel også opp gjennom kroppen hennes - gjennom svinger, skrammer og umulig raske lyder. Dette fundamentet i kreativitet og kjærlighet er tydelig i kroppen hennes. Med letthet, men likevel standhaftig styrke i vognen og bevegelsen, legemliggjør hun det hun snakker. Flagget på skjorten hennes virker heller ikke tilfeldig for meg, ikke minst omfavner og støtter mangfoldet og rikdommen til denne nasjonen og dens folk omfavner og støtter denne nasjonen selv. Maximet “less is more” fyller også mine tanker mens jeg ser på henne i dette rommet, danser alene, hun og hennes kunst er nok. Hvem hun kommer fra, er de nok. Hun og de - de er alltid koblet sammen, forankret sammen og alltid nok akkurat som de er.
Mike Esperanzas ’10. etasje’. Foto av Mike Esperanza.
Mike Esperanza’s 10thGulv er en hyggelig forandring av tone og stil, til noe mer estetisk rikt i stedet for nødvendigvis gjennomsyret av dyp sosial betydning (som de to siste brikkene er). Vi ser en myk hvit hund (Emma Samoyed), og plutselig en kvinne i en rosa treningsdrakt. Hun ringer på en dørklokke, og så er hun oppe i et annet rom. Vi fortsetter å høre pusten til hunden når hun beveger seg - sniker seg gjennom ryggraden, lunger lavt, stiger igjen for å snu. Andre lyder overlegg, og kameravinklene blir stadig mer friske og uventede. Dørklokka ringer, og flere kvinner i treningsdrakter ankommer. Hunden peser fortsatt. Det er en sensorisk fest! Klarhet i estetisk valg ser ut til å hjelpe det med å bli sensorisk overbelastning (Esperanza til ære for koreografi, musikk, kostymer, film og filmredigering). Senere i arbeidet har danserne (Tiffanie Carson, Erin Love, Katrina Muffley og Graziella Murdocca) øyeblikkene som danser alene - hopper, vrir, snur - tilsynelatende i sakte film. Variasjonen i timing er et annet spennende element som legger til den sensoriske festen.
hue jackson nettoformue
Til slutt ser vi hunden igjen, og en mann (men ikke ansiktet hans - Casey Shepard). Det er også en mental fest her i mysteriet med alt jeg er så nysgjerrig på hva som egentlig skjer her! Mannen drikker vann og møter alle kvinnene. Kameraet vender seg mot dem, og de gir alle forskjellige vibber - ansiktsuttrykk, fysisk vogn og bare følelse av dem. En grafikk med navnet på stykket klipper den inn, og den er slutt . Jeg antar at jeg aldri vil vite det, sier jeg til meg selv. Likevel, det er greit med dette stykket, sammen med den sensoriske melange det tilbyr, at mysteriet er en del av moroa. Noen ganger advarer kunst. Noen ganger løfter det seg. Noen ganger er det bare gøy. Det er alltid verdt noe.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
anbefalt for deg
