Ayalis i bevegelse. Foto av Beccavision. New York Live Arts, New York, NY.
19. januar 2020.
Myte, legende, kjærlighet, tap - disse store temaene er en del av kulturell tradisjon, tradisjonen som lever i vårt kjøtt, bærer vi lettheten og vekten av slik tradisjon i kroppen. I Pythagoreiske erter , Ayalis in Motion undersøkte og illustrerte disse dynamikkene i dristige bevegelser, teatersekvenser, effektiv bruk av rekvisitter og gjennomtenkt matchede partiturer. Ayako Takahashi er gruppens grunnlegger. Jill Pajer var assisterende regissør. Arbeidet minnet meg hvor mystisk og vakkert udefinerbar dansekunst kan være, den kan komme til hvor mystisk og vakkert udefinerbar vi mennesker kan være.
Ayalis i bevegelse. Foto av Jaqlin Medlock.
michele gisoni alder
En åpningssolo fordypet i uventet kjærlighet, et tilfeldig møte i en park som førte til daglige romantiske turer der. Danseren beveget seg med intensitet, men med en forankring som vekker ro. Hun beveget seg med uro, men også på en eller annen måte en aksept med den uroen. Dunkle gule og et stort lacy skjørt skapte skygge og form som var overbevisende, men også enkle (lysdesign av Tony Marques). Linjer som uttrykker de to karakterene (en der, en beskrevet) avanserte alder fikk en latter fra publikum - fortjent det. Det pekte også gripende på forventninger og konstruksjoner rundt kjærlighetshistorier som vi alle har - hvem blir forelsket, som lever forelsket, og som ser glamorøs mens de er forelsket. En kurv med blomster og frukt tillot solisten å øke bevegelsesintensiteten (mens hun spredte dem i lidenskapen), og forsterket også temaene søthet, overflod og romantikk.
Følgende seksjoner refererte til eventyr, ting som har bidratt til å bygge de kulturelle kjærlighetskonstruksjonene. Tre dansere kastet rundt en kost, og til slutt feide en med den - feie opp restene av en tidligere seksjon (husk frukt og blomster). Disse personene, vi publikummere kunne anta, var Askepott og hennes to stygge stesøstre. Denne sammenkoblingen av en seksjon til den andre var dyktig overgang, slik at jeg gjerne ville sett brukt mer konsekvent gjennom hele arbeidet.
Ayalis i bevegelse. Foto av Paul B. Goode.
Neste kom Snow White (en mannlig versjon av eventyrkarakteren), omgitt av dansere og gjenstander i hvitt, og ringte Tornerose på telefonen. De to var 'venner fra skolen.' Denne blandingen av fantasien og den virkelige verdenen fikk mer fortjent latter fra publikum. Fange blikket mitt og min interesse var hvordan Snow White slapp på menneskelige møbler - dansere i enkle hvite kostymer som rullet med ham på toppen av dem, og på den måten flyttet ham opp på scenen. Konseptuelt og estetisk ble jeg fascinert av denne bevegelsessekvensen som fletter seg sammen med en teatralsk (Snow White fortsatte å snakke i telefonen mens han slapp og rullet, og publikum lo).
Rødhette kom snart også ut, og virket mer illevarslende enn vi ofte tenker på karakteren. Ensemblet ryddet scenen, og en høy, rugende skikkelse i en stor rød kappe gikk videre - sakte, hvert trinn med ekte vekt. Lyset dempet og musikken ble lavere, akkordene mer foruroligende å matche. Re-forestillingen av denne karakteren, fra uskyldig ung jente til å tvinge til å kanskje bli fryktet, passer inn i verkets generelle spørsmålstegn ved kulturelle forestillinger (om kjærlighet og mer).
Noe i meg ønsket å se disse karakterene og eventyrforbindelsene ført inn i flere deler av verket, det kunne ha forsterket betydningen de måtte bringe og etablert dem som nøkkelpersoner i seg selv - i hvis triumfer og vanskeligheter vi publikum kunne ha komme til å føle seg investert. I stedet var det flere bevegelsesdeler i det jeg kom til å se som Takahashis bevegelsesidiom frigitt, jordet og høyt fellesinitiert, men atletisk og ekspansivt på samme tid. I solo, små grupper eller større ensembleseksjoner trakk denne bevegelsen både hjernen og ånden min rett inn.
Ayalis i bevegelse. Foto av Beccavision.
En seksjon nær slutten hadde Takahashi selv kommet for å hilse på oss. Hun presenterte seg som koreograf og direktør for selskapet, og delte at hun følte seg 'så elsket!' av publikumsoppmøtet den kvelden. Hun gjengjeld denne kjærligheten fra publikum ved å komme opp i huset og kaste ut godteri i mengden - og forklarte at selv med alle endringene hun opplevde gjennom barndommen, og alle de forskjellige 'reglene', var godteri alltid en godbit hun kunne nyte. Takahashi delte også en nesten karbonkopi av historien i begynnelsen av arbeidet, om å bli forelsket i en mann i en park og ta turer dit med ham hver dag - men så sa han farvel for aldri å kontakte henne igjen. Å ha personen som historien virkelig skjedde rett foran oss, fikk en ny vekt.
Ytterligere seksjoner med atletisk ensemblebevegelse ga kontrast til denne teatralske, svært personlige delingen fra Takahashi. Tilbake til noe mer personlig og intimt kom dansere ut en etter en. Den ene ga en annen en bamse før de gikk ut, og etterlot en person på scenen. Før det hadde en ekko, ensom klingende “Frère Jacques” spilt. Det hele kom tilbake til ensomhet og andre kamper i barndommen, som kan gi gjenklang gjennom livstid.
Likevel ville ikke verket ende for alvor på et så ensomt sted, en henvisning brakte rollebesetningen tilbake for å danse sammen gledelig og livlig, til en optimistisk poplåt. Det minnet oss på at selv i tider med kamp og tristhet, eller til og med vedvarende kamp og tristhet, kan glede noen ganger være rett rundt hjørnet. Slike nyanserte virkeligheter passer ikke alltid pent inn i våre kulturelle fortellinger. Ayalis in Motion’s Pythagoreiske erter unikt og med god lyst lyset på disse fortellingene og deres effekt på oss - på måter som fikk meg til å tenke, le og føle meg varm. For en gave!
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
