Motet til å forplikte seg til konseptet: ‘Dancing Through ...’ fra Theatre Dance Vietnam

Eric Greengold og Elizabeth Troxler i Eric Greengold og Elizabeth Troxler i 'Dancing Through ...'. Foto av McKenna C. Poe.

30. oktober 2020.
Strømmet på YouTube.



De fleste av dansverkene som virkelig gir gjenklang med meg, gjør det på grunn av et sterkt konsept, et som kunstnerne på hånden dyktig bringer til liv. Å skape et konsept er ekte kreativt og intellektuelt arbeid. Bestemme oss for å gi det liv, og tro at det er noe som kan komme til liv, tar oppriktig mot. Arbeidet med å bringe konseptet til liv følger det - noe som krever engasjement, strenghet, tilpasningsevne og enda mer mot . Theatre Dance Vietnam viste et slikt mot gjennom å forplikte seg til et komplekst og utfordrende konsept, som skildret historien og den kulturelle konteksten til amerikansk musikkteaterdans, i Danser gjennom .. . Verket ble filmet på The Tank i NYC, og regissert av Elizabeth Troxler.



Visse ahistoriske aspekter og strukturelle svakheter var tydelige, men motet til å ta et konsept av denne størrelsen er noe å rose og feire. Koreografien og forestillingen var mesterlig, slik at jeg som seer ikke var for opptatt av mine intellektuelle bråk om struktur og historisk nøyaktighet. Selve arbeidet understreket også nivået der Amerika har vært en global leder innen dans - noe å også feire så vel som å oppmuntre i generasjoner framover.

Jessica Lee Goldyn i

Jessica Lee Goldyn i ‘Dancing Through ...’. Foto av Sarah Takash.

Arbeidet åpnet seg for et danselag som danset i Broadway-stil, upåklagelig kledd i paljetter og fjærede pannebånd. Teammedlemmene ønsket å lære mer om skjemaet man spurte hvor det kom fra. Treneren deres begynte å forklare denne rike historien ved å forklare hvordan formen kom ut av vaudeville. Den første dansescenen var en nydelig duett, som begynte med å følge en bowlerhue gjennom å lande i en boks og deretter ble den plukket opp av en av danserne før valsen hennes. Bevegelsesordforråd mimret drømmeballetter om klassisk Hollywood. Dette gikk inn i å tappe med upåklagelig lyd og en energi som bare måtte få deg til å smile - akkurat som de klassiske tappescener fra gamle dager. Musikken hørtes ut som om den kom ut av en gammeldags radioboks, som bidro til å bygge atmosfæren på scenen hele tiden.



Derfra kuttet vi til scener fra den store depresjonen og begynnelsen av andre verdenskrig. Mens bilder fra denne tiden blinket over skjermen, forklarte treneren hvordan dans og teater løftet folk opp i vanskelige tider og forente dem i nasjonal ånd. Den neste dansescenen var nok en nydelig duett med bevegelse som var litt mer jazzy, sultry og dristig - som viste evolusjonen av formen etter hvert som sosiale holdninger endret seg. Danserne beveget seg med letthet, glede og fasiliteter.

Senere kom en dansescene som representerte 1960-tallet, med den opprørske ånden fra hippiebevegelsen. Bevegelsen var livlig og smittsom. Etter det fulgte en morsom og funky sekvens av 1980-tallet, med lyse farger og høyt skårne leotards.

Etter det ble 1990-tallet portrettert som en tid med mørke og isolasjon - med dansere atskilt i rommet, hver i sitt eget søkelys og alt annet svakt. En lykkelig tapdans sto for 2000-tallet - en tid med utenlandske kriger, terrortrusler og sosio-politisk uenighet rundt den, økende sosio-politisk polarisering og den verste økonomiske kollapsen siden den store depresjonen. Kanskje dette valget var ment å påpeke hvordan show liker Grundig moderne Millie var å bringe kran til 20thårhundre med et smell av friske ideer - som gjorde at det trodde meg, og fikk meg til å smile.



Begge scenene var vakkert danset og designet, så jeg kunne sette stor pris på dem på et estetisk nivå. Og et viktig element som hjalp til med struktur og kontinuitet, var bruken av en bowler hatt. Det ble 'gått gjennom' tiårene gjennom en kombinasjon av bevegelse og filmredigering. Dette var en smart bruk av et rekvisitt for å gi en følelse av kontinuitet gjennom tiden. Denne tilnærmingen fikk meg til å tenke på tingene som har fortsatt gjennom hele amerikansk historie, inn og ut av kunsten - for eksempel etter frihet for alle som er tenkt i våre grunnleggende dokumenter.


susan stroman nettoformue

En sekvens med høyenergi-scener fra ferske musikalske hits fra Broadway avrundet dansescenene. Dette kreative valget så ut til å møte det kulturelle øyeblikket i å fremheve de viktige bidragene fra svarte artister til amerikansk teater, musikk og popkultur. Disse scenene inkluderte de fra musikalen Fristelsene , et Michael Jackson-cover og det siste Tina: Tina Turner Musical . Som showet som helhet, ble det vakkert framført og koreografert.

En kraftig avslutning med scener av NYC-dansere fikk treneren til å minne oss på at teater forblir hos oss selv når teatrene er stengt, det er i vårt hjerte, sinn, kropp og sjel. Det er tross alt kilden til kunsten! Selv med de strukturelle og historiske problemene som stakk ut for meg, gjorde dette budskapet - sammen med skjønnheten og gleden ved forestillingen og koreografien - dette til et minneverdig verk. Motet til å skape er noe å applaudere - fordi kraftig mening kan resonere med det motet som kilde. Legg til fantastisk dans og design, så kan du ikke tape.

Av Kathryn Boland av Dance informerer.

anbefalt for deg

Populære Innlegg