The Sanctuary Theatre, Cambridge, MA.
29. oktober 2016.
Med modenhet og raffinement kommer viten om at mindre kan være mer. Understatement kan si mer enn overstatement. Når det gjelder kunst, tillater publikum å tenke på sine egne tolkninger av et verk ved å antyde i stedet for å fortelle det. Vi er i en tid da sosiale medier og TV-dans har artister som imponerer allmennheten med atletiske bragder, i tillegg til å trekke hjertet i dramatiske historier. Massachusetts-baserte Jose Mateo Ballet Theatre sitt program Drivkrefter derimot, viste kontroll over blits og mysterium over åpenbar angst.
Det første stykket, Mozart provosert , begynte med veldig klassisk teknikk, iscenesettelse og ytelseskvaliteter. Visse seksjoner kunne ha blitt transplantert fra en ballettklasse under senterarbeidet. Et scenografi som var veldig geometrisk - spennende, men likevel rent og enkelt - signaliserte skift fra klassisisme. De kom med jazzy flair i koreografi og uventede gruppedannelser. I innledende trioer og kvartetter var kvinnelige dansere teknisk feilfrie. Forlengelsene deres var ikke skyhøye, men kontrollerte og rene. Unison-deler kunne imidlertid vært mer unison.
Med alle mannlige seksjoner var det unisonen der, men ofret danserne kanskje makt og personlig signatur i bevegelsen for å oppnå det? Selv med en veldig liten mangel, var dansen vakker å se på. Det så ut til å støtte en undertekst av følelsesmessige forbindelser og vedlegg mellom linjene. Et mann-kvinne-par utforsket potensialene i romantikk, og en danser brøt seg fra flokken for å spankulere tingene hennes.
Uventede fotgjengerbevegelseselementer (oftere sett i moderne dans), som å gå hæl-tå, snakket med å bryte fra konvensjonen. Var dette en titt på dansernes mentale dialog under teknikkundervisningen? Å stoppe kort av åpenbare og holde ting undervurdert tillatt for slike tolkninger.
Danserne viste mer personlighet og karakter i andre stykket, 1796 (2015) . (Musikken ble tilpasset i 2015 fra en Mozart-komposisjon fra 1796.) Selv om den underliggende historien var litt mer tydelig, ble den fortsatt ikke diktert. Spennende formasjoner, som to kvinnelige dansere sammen opp på scenen og en mannlig danser hver høyre ned scenen og venstre opp scenen, skapte romlig spenning. Det snakket med skift i forholdet mellom dem. Dansende med kontroll og nåde, de trengte ikke gjøre et utenkelig antall svinger for å formidle disse tingene. Faktisk kunne en slik flash bare ha vært en distraksjon.
Kostymer hadde også den effektivt diskrete kvaliteten. Kvinnelige dansere var i forskjellige nyanser av rosa / lilla (magenta til bringebær), for eksempel. Det størknet dem som enkeltpersoner i et kollektiv. Deres unike bevegelsessignaturer støttet førstnevnte - for eksempel en med en veldig stolt brystvogn og en annen med en unik energi i fotarbeid.
De forskjellige fargene hjalp også til å skille dem ut som spesifikke tegn - nyttig når en kjærlighetstrekant vokste. Påfølgende pas de deux slo fast at kvinnen i forholdet fant ut etter utroskap (eller i det minste en viss grad av å utforske muligheten). Og var ikke fornøyd. Til slutt var det imidlertid mannen som dro. Dette var en spennende ny måte å fortelle en gammel, til og med banal historie på.
Det tredje og siste stykket, Igjen og igjen , flyttet til en Philip Glass-komposisjon. Musikken så ut til å sette tonen for ganske moderne bevegelse, men mye av det var klassisk. Dette fungerte imidlertid med en intelligent blanding av klassisk, jazzig og moderne bevegelsesordforråd. En bøyd håndflate oppover gjennom den andre armen (som var bøyd i albuen, og den hånden i hjertet) ble for eksempel en signaturbevegelse.
Dansere utførte den samme bevegelsen på forskjellige tidspunkter og på sine egne måter. Det støttet en helhetlig ide om at danserne var i et sammenhengende kollektiv, men likevel hver autonome individer. Stykket så ut til å gi en spenning mellom de to måtene å være på. Spesielt målrettet, godt utført velvære og blikk bidro til å holde spenningen håndgripelig. Smart iscenesettelse støttet disse elementene. Et slående øyeblikk, for eksempel, var med to dansere som gikk bakover på en diagonal inn i hverandre og så sakte stirret og vendte seg mot hverandre. Det snakket romaner, langt mer enn noe skyhøyt sprang kunne snakke.
Stykket endte som det begynte, med en eneste danser på scenen. Hun utførte den signaturbevegelsen opp mot himmelen, som om hun ba om himmelen. Denne handlingen, kombinert med tilbudene til stykket generelt, antydet at vi virkelig er i et fantastisk fellesskap med medmennesket - men likevel alene i vår unike bevissthet. Det er en indre kraft som noen ganger er i konflikt med de ytre kreftene rundt oss.
Med underdrivelse, visdom og kreativitet portretterte Jose Mateo Ballet Theatre begge slags krefter som drivende. Vi blir drevet, og tvunget, når vi får oppdage noen av svarene for oss selv - i kunsten og i livet. Vi vokser så og vokser samfunnene vi ønsker å leve i.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
Foto (øverst): Jose Mateos ‘Impelling Forces’. Foto av Gary Sloan.
anbefalt for deg
