Da jeg fjernet tappeskoene mine og satte meg ned for å skrive denne artikkelen, tenkte jeg: 'Hva er det viktigste jeg vil at leserne mine skal få fra denne artikkelen?' Vel, tydeligvis vil jeg ønske at dere alle blir forelsket i tapdans. Jeg vet, jeg vet, det er ganske høyt mål, men kanskje hvis du skulle få en stående applaus med et trykk, vil du omfavne kranen med sunn respekt. Det er en virkelig amerikansk sjanger (som nå danses over hele verden), og det er en glede og en utfordring å lage musikk mens du danser. For å sitere en gammel setning: 'Det er en godbit å slå føttene!' Det er mitt personlige håp at i stedet for å resirkulere fortidens kran, kan vi beholde det som er verdifullt fra svunnen tid og forsøke å ta kranen fremover på en effektiv, energisk og underholdende måte.
En av de første vurderingene dine er å vurdere formålet og demografien til forestillingen som stykket skal fremføres for. Er det en konsert, en oppføring, eller en kommersiell setting (som et showroom eller en temapark), eller en konkurranse? Og hva slags publikum ville du ha: 60 personer, eller 600 eller 2000? Og hva er aldersspennet? I tillegg er stykket en solo, en liten gruppe eller en større produksjon? Alle disse hensynene vil veilede deg i å ta en av dine viktigste avgjørelser - ditt valg av musikk.
Coppola Rhythm Ensemble. Foto av Sergio Minero.
Når du velger musikk, bør du velge musikk som publikum kan forholde seg til, som de kan feste til og nyte sporet med danserne. Det betyr ikke forutsigbart at det er bra å ha noen overraskelser eller høydepunkter i stykket, både hørbart og visuelt. Din enkleste vurdering når du velger musikk er: Kan publikum høre kranene? Og det betyr helt bak på teatret. Musikk som er for tungt orkestrert, vil kvele kranene. Ta også en titt på akustikken i teatret. Når jeg forbereder danserne dine, vil jeg anta at nivået på trykkteknikken er tilstrekkelig for å støtte koreografien. Unge dansere bør være i en klasse som inkluderer en sunn dose teknikk. En klasse som bare jobber med en rutine, forandrer danserne, de vil ha mindre stoff å sette i en dans.
performance mix festival
Som dommer ser jeg ofte tappestykker som inkluderer flere dansere som ikke utfører alle lydene. Sørg for at hver danser kan gjøre trinnene alene og a cappella . Så når du setter sammen dansen, blir den sterkere.
jonathan abreu sosa wikipedia
Når du har valgt musikken din, kan du lytte til den igjen og igjen før koreografi, slik at du effektivt kan bruke setningene og aksenter i koreografien din i stedet for bare å koreografere 8-tallet. Hvis du lager et a cappella-stykke, må du bore danserne for å holde tid, det er generelt en tendens til å skynde seg, noe som er veldig foruroligende for publikum. Musikalitet er målet for koreografen og danseren. (Utfordre deg selv med musikk på andre meter som 6/8, 3/4, 5/4, 9/8, etc.)
Så nå som du er gift med musikken, er det lurt å lage et tema - en serie trinn eller en setning som er gjenkjennelig når den repriseres. Det er stykkets signatur, og det skal gripe publikum både hørbart og visuelt og vise stykkets karakter. Taps musikalitet kan brukes på mange stilarter, fra tradisjonell hovling til latin, til rap, til blues, klassisk, til rock og showlåter.
Noen detaljer:
- Unison: undervurder aldri verdien av unison. Et godt skritt som er lagt ned i perfekt synkronisering er veldig tilfredsstillende for folk. Det er en verdifull teknikk for å spre forskjellige rytmer og komme tilbake til kor for en dynamisk slag. En hel dans utført i kor kan være kjedelig.
- Canon: Canon, eller å presentere rytmer i en runde, kan være veldig effektivt. Det fungerer for duoer, grupper og linjer. Be flere av danserne starte en koreografisk frase, og la de andre danserne starte samme setning senere. Hvor mye senere? Åtte tellinger er ganske trygge, men fire tellinger er veldig effektive (forutsatt at musikken er i rett, eller 4/4, tid). Hvis du bare skiller deg med to tellinger, kan det høres ut som en feil for publikum, som en unket.
- Kontrapunkt: Dette refererer til to rytmer som høres ut samtidig. Canon vil automatisk produsere kontrapunkt, men det kan være lurt å lage to forskjellige trykkidiomer som utfyller hverandre. Vær forsiktig - hvis trinnene er for opptatt, høres det bare rotete ut. Legg igjen mellomrom. Enkeltlyder er verdifulle.
Tap er konversasjon. Akkurat som verbalspråk trenger det bøyning, årsaker, tegnsetting og vekt. Ikke la det bli en påkjøringssetning.
- Handler: Så hvis tapp er samtale, gir det seg frem og tilbake som i spørsmål og svar. En bokstavelig handel ville være der en danser (eller gruppe) legger en rytme, og den andre gruppen gjentar rytmen ordrett, vanligvis handler enten åtte teller eller fire teller. En mer samtalemessig tilnærming er å variere den andre rytmen (svaret). Ofte prøver den andre rytmen å overgå den første.
- Supplerende lyder: Det er en fin tempoendring å kaste inn andre lyder som klapper, snaps, kjefter og lyder laget med rekvisitter eller forskjellige overflater. (Effektiv bruk av dødballer og rekvisitter kan fylle en hel artikkel av seg selv.)
- Dynamikk: Jeg kan ikke unngå å legge merke til mangelen på dynamikk (volumgrader). Det tar mer enn bare å 'slå ut trinnene'. En cappella-kran er en flott mulighet til å bruke veldig myk og stille koreografi, det vil tvinge publikum til å lytte nøye. Da kan du komme tilbake med noe aggressivt. Kontrast er veldig verdifull musikalitet.
Coppola Rhythm Ensemble. Foto av Sergio Minero.
Det er også effektivt å kontrastere forskjellen mellom direkte rytmer (på beat) og synkopert (off-beat). Siden trykklyder for det meste er staccato, kan du få vedvarende lyder med et utall lysbilder og nervekraner som brukes som en trommelrull.
freemove.com
- Det visuelle imperativet: Hvis du har brennende raske føtter (du kan starte branner på gulvet med føttene), er det ikke nok! Raske ildlyder kan være imponerende, men uten at noe visuelt skjer, vil publikum kjede seg raskere enn senere (for ikke å nevne at publikum kanskje ikke tar tak i de nye unser i en uskarphet av lyd). Vi lever i en tid da, på grunn av teknologi, hurtigkutt og redigering, og sosiale medier, folks oppmerksomhet og konsentrasjon og fokus vil følge det som beveger seg. Men før du går inn i iscenesettelsen, er det lurt å se på den visuelle energien til den enkelte danseren. En danser med høy energi bør få overkroppenergi ved å 'selge trinnet' - legge vekt på kroppen armene, med mindre de er spesifikke, vil vanligvis følge dreiemomentet i torsoen. Jeg er veldig heldig at i mitt tap-ensemble her i Las Vegas er pro-danserne mine med høy energi jeg sjelden trenger å koreografere port de bras (armbevegelser). Dette bidrar til følelsen av 'jam'. Det er en fordel hvis danserne er kjent med andre sjangre, og det gjenspeiles ofte i vogn og port de bras. Overkroppsbevegelse av hode, armer og torso kan hjelpe deg med å understreke og ta opp aksentene i musikken. Bruk av nivåer betyr ikke bare nivåer av dødballene. Den enkelte danser kan bruke gulvet og luften til å skape nivåer.
En av tingene jeg har sett i å dømme som virkelig får meg til å krype, er å banke med hendene bak ryggen. Selv om du kanskje tror at det lar danserne konsentrere seg om føttene og gir det ensartethet, trekker det all energien i overkroppen og kan bli en dårlig vane. Det vil være vanskeligere å bryte den vanen når du trenger port de bras. Når jeg ser hendene holdt bak ryggen, ser det ut til at danserne ble tatt til fange under tapdansen. En av kollegene mine refererer faktisk til det som 'fange-trykk'.
- Mixed Genre: Vi berørte tegning fra andre sjangre. Jeg ønsker at studentene mine ikke bare tenker på seg selv som tappere, men som trykk dansere . Jo mer allsidig og avrundet du er, desto flere valg har du for å skape effektiv, dynamisk trykk. Å kombinere former for dans gir deg mange muligheter og fanger publikums interesse. Jeg hadde suksess for flere år siden ved å kombinere en rollebesetning av ballettdansere og trykkdansere som utfyller hverandre og integrerer motiver. Vi er i tiden for hybriddansformer, så ta sjansen. Rør en gryte med 'dansesuppe'.
- Iscenesettelse: Hvis du har laget trinnene, kroppslinjene og matchende port de bras som komplimenterer musikken din, er det nå på tide å iscenesette den: å flytte kroppene rundt for å skape mønstre, vinkler og forbedre energien i stykket. I flere tiår har danserne bodd i en bestemt formasjon lenger enn i vår tid. Vi diskuterte publikums kortere oppmerksomhetsspenn, så det er fasjonabelt og effektivt å bytte stilling oftere. Hvordan og når og hvorfor er kunsten å iscenesette det er så mange valg. Du kan flytte danserne ned på scenen, opp på scenen, lateralt, diagonalt og opp og ned for nivåer. Ved å flytte danserne mener jeg å danse dem etter mønsteret - ikke gå eller marsjere dem dit. Det er danse , ikke borelag eller militærkorps. Åpenbart gir diagonal deg en lengre pasning (og gir mer interessante vinkler i kroppen). Motstand, dansere som beveger seg i motsatt retning, skaper et enkelt og effektivt valg. Å iscenesette danserne parvis gir seg verktøy som å ha de to 'do-si-do' rundt hverandre og komme tilbake til den opprinnelige posisjonen. Når du velger trinn som reiser, må du få dansere på fotkulen slik at de kan 'fly' som sprintere.
På dette punktet er det verdt å nevne at hvis det er rekvisitter i dansen din, må du sørge for at danserne kan takle dem elegant uten at noe ser klønete eller tungvint ut. Hvis rekvisittene er stasjonære, kan det fungere for å lage stier inn og ut, rundt, over og under og på toppen av rekvisittene. Dette kan også gi deg en variasjon i tonehøyde for lydene som trinnene legger ned.
- Ytelse: Jeg håper i en fremtidig artikkel å diskutere verdien av teatralsk kunsten. Alle elementene for å skape effektive og underholdende trykk må selvfølgelig fremføres maksimalt, med tilknytning til publikum, sterk og passende karakterisering med artister som forholder seg til hverandre og befaler scenen ... og innpakket i en magisk immateriell kalt stil !
Av Tony Coppola fra Dance informerer.
hodgetwins foreldre
Tapmester Tony Coppola er også en tidligere amerikansk gymnast og perkusjonist. Han har undervist på stevner og bedømt konkurranser i flere tiår. Tony regisserer og koreograferer det Las Vegas-baserte Coppola Rhythm Ensemble.
Foto (øverst): Coppola Rhythm Ensemble. Foto av Sergio Minero.
anbefalt for deg
