Paulo Arrais og Misa Kuranaga i John Crankos 'Romeo & Juliet'. Foto av Liza Voll, med tillatelse fra Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
17. mars 2018.
Det er absolutt noe å si for å tilpasse klassiske historier til den moderne tid, slik at de er mer tilgjengelige og tiltalende for moderne publikum. På den annen side kan gjenoppliving av klassikerne i ren form tilby moderne seere magiske verdener som de kan unnslippe - der de kan glemme sine stressende moderne forpliktelser og gå inn i en ennå uerfaren verden.
Paulo Arrais, Misa Kuranaga og Florimond Lorieux i John Crankos ‘Romeo & Juliet’. Foto av Liza Voll, med tillatelse fra Boston Ballet.
Boston Ballet’s restaging av John Cranko’s Romeo og Julie (som først hadde premiere med Stuttgart Ballet i Stuttgart, Tyskland i 1962, med Boston Ballet-premiere i 2014) tillot denne magien gjennom en autentisk illustrasjon av middelalderens Italia. Samtidig hadde Crankos koreografi en smart karakterblomstring og nyklassiske elementer som snakket til moderne mentaliteter. Begge tjener godt Shakespeares tragiske fortelling om 'stjernekorset', skjebnesvanger ung kjærlighet. Selskapet viste sitt høye nivå av dyktighet i både teknisk utførelse og autentisk karakterskildring.
Etter en slyngende og liltert overture steg gardinene for å avsløre de travle, livlige gatene i Verona, Italia. Fiendskapen mellom to fraksjoner, den ene i kostymer med røde toner og den andre i den for blått, ble snart tydelig at de så hverandre med hån og kryssede sverd. Dette var de feuding Capulets og Montagues. Med opplæring og veiledning fra sverdmester Angie Jepson Marks, virket selskapet ganske dyktig til å håndtere scenevåpen.
Kostymer av Jurgen Rose (i 1968) føltes også helt autentiske, utsmykkede, men ikke overflødig dekorative. Scenery (Design også av Rose) tilbys vinduer, balkonger og ikoniske middelhavspopler. Alt bidro til ektheten til scenen. Bevegelsen skapte også en autentisk følelse av et yrende, sammensveiset samfunn - kodifisert, men ikke altfor komplisert, og ofte utført i små grupper.
Isaac Akiba, Derek Dunn og Paulo Arrais i John Crankos ‘Romeo & Juliet’. Foto av Liza Voll, med tillatelse fra Boston Ballet.
Sauté arabesque til å gå langs trinnet ble en gjentatt setning av noen få sterke dansere. Større grupper gjorde flere emboîté-trinn - et hopp med ett bein i holdning, og byttet raskt til den andre foten ved neste telling. Med disse setningene ble Crankos stil tydelig - gjentatte setninger av grunnleggende bevegelser, elegant sekvensert og presentert. Den neste frasen kom like før Capulet-festscenen, noen få unge Montague-menn planla lekende å krasje den. De skiftet raskt fra fot til fot, med armene krusende som slanger, for deretter å passere battu og doble tur.
I festen skiftet Capulet menn frem og tilbake i linjer for å fryse på plass for Capulet kvinner å gå inn mellom linjene sine. Kvinnene la hodet bakover, pustet brystet opp og fremover, og løftet toppkjørtene til hoftehøyde - alt i ytterste eleganse. Alle ble maskert, etter festens skikk i historiens tid og sted. Likevel fikk Romeo (Paulo Arrais) og Juliet (Misa Kuranaga) et glimt av hverandre, og fant et privat hjørne for å ta av seg masken for å se hverandre fullt ut. Det var virkelig øyeblikkelig kjærlighet.
kinesisk kattunge nettoverdi
De sprang i fjerde posisjon, armene nådde tilbake mot den andre - ben og port de bras sammen for å skape en gigantisk hjerteform. De snudde seg mot hverandre og kom til parallell relevans, borte med armer i skulderhøyde for å nå mot den andre. Dette var en fin måte å formidle kraftig kjærlighet i en kort sats.
jimbo fisher høyde
Paulo Arrais og Misa Kuranaga i John Crankos ‘Romeo & Juliet’. Foto av Liza Voll, med tillatelse fra Boston Ballet.
De delte deretter sin første pas de deux. Juliet smeltet inn i Romeo, det ene benet kretset rundt ham i lav holdning. Deres neste pas de deux kom på den beryktede balkongscenen. Arrais hadde en fantastisk måte å strekke ut bevegelse i tide, men likevel holde seg rett på musikken. I en minneverdig setning tilbød han en piqué arabesque ut mot publikum, og vendte seg deretter tilbake mot Juliet for å gjenta uttrykket igjen - i ekte Cranko-stil. Kurangas utvidelser hadde en fengende følelse av forlenget energi.
Neste akt, “Tarantella” (en kulturelt italiensk danseform), førte oss tilbake til de energiske gatene i Verona. Det begynte med en tett sirkel, kompleks og rask petit allegro fra dansere inni - sigøynerne (Hannah Bettes, Ji Young Chae, Dalay Parrondo) med ytre dansere som heier på dem. Deretter flyttet de inn i spinnende linjer med dansere som slår seg sammen i armene, og en gjentatt frase fra sigøynerne av flat back-holdning blir til pirouette. Det hadde den virkelig autentiske følelsen av et gatefest. Denne handlingen kunne ha vært Crankos måte å inkludere mer dans, i en ren form uten plotforeninger, i showet.
Etter dette var det hovedsakelig bevegelsestung pantomime for å fortelle resten av Shakespeares historie. Alle som ikke allerede var kjent med historien, kunne bruke programoversikten til å følge visse komplekse plottpoeng - for eksempel Romeo som drepte Tybalt (Eris Nezha), Julietts fetter, en Capulet - i hevn for å drepe sin venn Mercutio), eller potion Friar Lawrence (Mamuka Kikalishvili) ga Juliet ville få det til å se ut som om hun hadde dødd i 12 timer - lenge nok til å unngå å gifte seg med Paris (Florimond Lorieux), og dermed begå synden til bigami. Crankos koreografi og Jane Bournes iscenesettelse gjorde det bra med denne enorme utfordringen med å formidle et intrikat, involvert plot i bevegelse. En utfordring å kjenne igjen er å lese synopsis i et mørkt teater.
Så kom en siste ensembleseksjon, før moren til Juliet fant henne 'død' (egentlig bare i en dyp søvn, slik at hjertefrekvensen ikke engang kunne påvises). Brudepiker i hvite kjoler danset med små blomsterbuer, sløyfet dem gjennom rommet mens de snudde og hoppet med likevekt. Varierende nivåer og linjer som spredte seg over rommet understreket gleden ved anledningen (eller hva som kunne ha vært gleden, på en hvilken som helst annen typisk bryllupsdag). Dansere i en rett linje vekslet sous-sous og et jordet lunge da de sirklet rundt blomsterbuene, og skaper en visuelt slående sikksakk-effekt.
Boston Ballet i John Crankos ‘Romeo & Juliet’. Foto av Liza Voll, med tillatelse fra Boston Ballet.
Historien endte i de mørke og illevarslende katakombene (underjordiske gravkamre brukt i middelalderen). Igjen skapte settet og belysningen en realistisk atmosfære for scenen. Tragedien kom i tiden. Først savnet Romeo bare et brev fra Friar Lawrence som forklarte at Juliet egentlig ikke var død (ikke formidlet i Crankos tilpasning, kanskje forståelig nok, så vanskelig som det kunne være å formidle på scenen uten ord).
Da han så henne død, tok han sitt eget liv ved å stikke seg selv. Juliet våknet da av å se henne elsker død. Hun tok Paris 'dolk (som hadde sørget da Romeo konfronterte og drepte ham) og fulgte Romeos ledelse. Gardinet senket seg over dem som lå døde på Julietts gravseng. Arrais og Kuranga ga seg selv til det utfoldende dramaet og tok oss inn med dem. Det hele var en del av hvordan historien, uansett hvor tragisk den var, kunne ta oss ut av 2018 og inn i en annen verden - en der sann kjærlighet er viktigere enn alt annet.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
anbefalt for deg
