DeAnna Pellecchia. Foto av Liz Linder. Det er en uten tvil vittig, men likevel klok respons der ute på avvisende 'Barnet mitt kunne tegne det!' - “Vel, han / hun gjorde ikke det . ” Dette er delvis et pekepinn på hvordan 'ekspresjonistiske' artister, hvis arbeid i utgangspunktet ikke ser ut til å ta mye dyktighet, alle ble klassisk trent før de gikk bort fra den klassiske skapelsesmåten. Det gjelder også dansere, vi må få et teknisk rammeverk for å kunne gi slipp på det. Med et teknisk fundament kan vi dansere la sinnet og ånden skinne gjennom vår dyktige kropp. Det er da virkelig meningsfull kunst kan skje. Det var inne i oss hele tiden.
Likevel er prosessen med å lære hvordan man gjør det, hvordan man har et grunnlag for teknikk som lar ens sanne selv komme frem gjennom bevegelse, en vanskelig prosess for mange dansere. Når de blir guidet til å bevege seg innenfor et rammeverk, i stedet for å gi bevegelsen trinn for trinn, telle etter telle, fryser noen dansere - noen ganger metaforisk, noen ganger bokstavelig. Det er viktigere enn noen gang for dansere å heve seg over den frykten og stasen vi blir bedt om å være mer og mer allsidige og være aktive agenter i skapelsen av arbeid hele tiden.
Postmodernisme fortsetter også å utvikle seg, og kanskje forvandle seg til en ny slags 'post-postmodernisme' med en eklektisisme av bevegelsesidiomer og tilnærminger. Innen denne konteksten utvikler og forbedrer koreografer kontinuerlig improvisasjonsstrukturer og andre måter som improvisasjon former dansedannelse på.Dance Informasnakket med tre koreografer om rollene som improvisasjon i deres kreative prosesser, hvordan de støtter og pleier danserne sine gjennom det arbeidet, og mer.
Sheena Annalize, grunnlegger, eier og kunstnerisk leder av Arch Contemporary Ballet (New York, NY)
Sheena Annalize (til høyre) med dansere av Arch Contemporary Ballet. Foto av Noel Valero.
kiele sanchez nettoformue
“All koreografien min stammer egentlig fra improvisasjon. Jeg kommer ikke inn i en øvelse etter å ha planlagt bevegelsen. Noen ganger har jeg en flyt eller en oversikt, men selve frasearbeidet kommer mer eller mindre bare ut i en prøve-og-feil-prosess. Jeg vil begynne å bevege meg, og danserne vil følge det jeg holder på med. Hvis jeg ikke liker det som skjer, endrer jeg det og prøver noe nytt, ellers kan en danser ved et uhell gjøre noe annerledes og få alle til å prøve det som dem. [Improvisasjon] skaper unik bevegelse som er organisk for danserne mine.
Det skaper ubegrensede muligheter, fordi du er i stand til å forme og forme bevegelse og fortsette å presse ditt eksisterende frase-arbeid til et bedre resultat. Improvisering er også en forbedring av eksisterende arbeid, ved å ta en frases bein og legge til kjøtt i den. [Det] gir rom for endring. Jeg ber alltid danserne om å bruke beinene jeg gir dem som en retning, og om å legge til kjøttet selv. Improvisasjon er mer enn bare å bruke dansevokabularet eller bevegelsen du er kjent med, det handler om å utforske det ukjente. Det er en sjanse til å teste kroppens begrensninger, utforske hva hver kroppsdel kan gjøre og hvordan den beveger seg.
Dette er vanskelig for [dansere i] en dansesjanger som ikke utforsker dette alternativet mye i trening. Noen ganger oppfordrer jeg danserne mine med veiledende instruksjoner. For eksempel vil jeg ta noe og be dem om å gjøre en del større, eller tenke på å bruke en annen lem for å skape den samme bevegelsen. Derfra tar fantasien til slutt over, som en gnist som antenner en skogbrann i studioet. ”
Stephanie Pizzo, kunstnerisk leder og tidligere selskapsmedlem i Eisenhower Dance (Detroit, Michigan)
Stephanie Pizzo. Foto med tillatelse fra Pizzo.
“Improvisasjon er viktig i min koreografiske prosess, da spontanitet kan skifte rammen for arbeidet miljøet og omgivelsene kan skape nye uforutsette veier. Det mest gledelige ved improvisasjon er at den ikke har noen grenser! I øyeblikket, i sanntid, er når overraskelsene kan materialisere seg. Det er det 'uforutsigbare' som kan overskride arbeidet! Når du som koreograf kan veilede danserne / kunstnerne dine gjennom et strukturert improv og kultivere ordforråd som strekker dem utover deres begrensninger, kan det være inspirerende. Når kunstneren deler sin personlige stemme, gir det dem en følelse av eierskap. Det er en ærlighet og naturlighet kunstneren omfavner når de opptrer. ”
DeAnna Pellecchia, grunnlegger, eier og kunstnerisk leder av KAIROS Dance Theatre (Boston, MA)
“Når jeg snakker om improvisasjon, vil jeg først tenke på hvordan jeg hatet det da jeg først ble introdusert for det på college. Jeg vil alltid hoppe over disse klassene. Så kom jeg ut der i danseverdenen og fant ut at det er slik alle jobber. Og jeg skulle ønske jeg hadde gått på disse klassene! Jeg liker også å fortelle danserne mine en historie om en av de første koreografene jeg danset for. Hun jobbet gjennom improvisasjon, en metode som heter Listening Strategies. Det hele var skummelt nytt territorium for meg. Jeg spurte henne: ‘Hva om jeg ikke tar det riktige valget?’ Og hun svarte: ‘DeAnna, hvis du kunne ta feil valg, tror du at du ville være her?’
DeAnna Pellecchia. Foto av Liz Linder.
Det var et stort øyeblikk for meg, fullstendig bemyndigende, og bare forskjøvet alt. Den kommuniserte at det jeg gjorde, på grunn av det jeg allerede hadde og hvem jeg allerede var, ville være vakkert. Det perspektivet former hvordan jeg jobber den dag i dag.
Når et verk presenteres, er det til syvende og sist det estetiske, men det har like lite av alle danserne mine. Alle føler litt eierskap, noe som validerer og gir myndighet. Målet er at danserne skal eie det de holder på med. Det gir en ekthet som også kommer fra et sted med sårbarhet. Jeg tror at den beste kunsten har det, fordi det er noe publikum virkelig kan koble seg til. '
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
