Anmeldelser | April 2024

New England Ballet Theatre of Connecticut. Foto av Jeff Holcombe.

26. - 28. september 2020.
Online på onstagedanceco.com .

En meningsfull ting med kunsten er hvordan det kan gi folk en stemme, et rom for å uttrykke seg og dele sine erfaringer. Å kunne høre stemmen sin er også en viktig måte å styrke mennesker på. Både OnStage Dance Dance Company (Malden, MA) og Nozama Dance Collective (Boston, MA) har gitt folk styrke gjennom dansekunsten som en viktig del av deres oppdrag - førstnevnte som et rom for voksne dansere å utføre mens de engasjerer seg i andre karrierer, og sistnevnte fokuserte på å styrke kvinner gjennom dans. De Gi hverandre styrke serien er tankegangen til de to selskapene (OnStage regissert av Jen Kuhnberg og Nozama av Gracie Baruzzi og Natalie Nelson-Schiera), og er forankret i troen på at samarbeid kan styrke alle involverte og skape noe virkelig spesielt.

Gjennom antall artister som presenteres, er det også en plattform for mange artister å ha en stemme - alt variert, alle unike, alle verdt noe spesielt på sine egne måter. Baruzzi og Kuhnberg var ikke i ferd med å la en global pandemi komme i veien for dette viktige arbeidet. Faktisk, årets Gi hverandre styrke (den andre årlige) kunne gi flere artister en stemme i år enn det serien har gjort tidligere. I tillegg tillot et virtuelt videoformat plass til en kort video fra hver koreograf forut for stykket, der de kunne dele litt om seg selv og arbeidet vi skal se - og vi kunne bokstavelig talt høre stemmen deres.

sunlen serfaty høyde

Allo Movement Project's Urecreciate: V4 , fremført av Allison Rebecca Penn og med videografi fra Jesse Pierce, kommer på tredje plass i det virtuelle showet. Dansere beveger seg på forskjellige utendørs steder, en følelse av ensomhet i å danse alene. Er det ensomhet eller ensomhet? Det er fortsatt et åpent og spennende spørsmål. Penn som danser i disse rom, sammen med fotgjengerklærne, gir verket en quotidian-følelse. Å bevege seg lite i rommet legger til en følelse av tyngde, som om hun beveger seg med et tungt hjerte. Oppmuntrende øyeblikk av forbipasserende som beveger seg gjennom og ikke anerkjenner henne, legger til følelsen av ensomhet.

Partituren, en sjelfull R & B-sang, legger til den følelsen. Høyttaleren i sangen ser ut til å oppleve mye forvirring, og er også alene i det mentale rommet. Bevegelsens energi - til tider frenetisk (derav den forvirringen), men likevel tung - ser ut til å stemme overens med alt dette. I en tid da vi ikke alltid kan klemme de vi elsker, og usikkerhet henger tungt i luften, føles arbeidet relevant og relatert. Å speile opplevelsen tilbake til oss, som kunst noen ganger gjør, lar oss se den på nye måter. Hva kan skje derfra? Bare tiden kan vise det.

Dana Alsamsam’s Morsmål kommer neste. Alsamsam forklarer hvordan arbeidet kommenterer forholdet til mødrene våre og effekten de har på oss gjennom hele livet. Fem dansere beveger seg gjennom forskjellige nivåer, former med klar geometri og steder i rommet i forhold til hverandre. De begynner med fire av danserne som kneler i en slags sidelunge, og lener seg på innsiden av bena med brede armer. Det er en spennende form som kommer tilbake gjennom stykket. En danser danser også over dem i verdensrommet. Det hierarkiet gjennom plassering forblir ikke dansere beveger seg på alle måter i forhold til hverandre gjennom hele arbeidet. De vever inn og ut av hverandre, som om de er i spenning selv mens de eksisterer sammen. Partituren er hjemsøkende, en ensom stemme lager lange, liltende toner, mens andre stemmer gir vokaliseringer som er mer staccato og vanvittige. Rødbrune og svarte kostymer i rene, enkle kutt støtter stykket og bidrar til en behagelig estetisk organisering.

Shae Forest’s ‘Speak’. Foto av Paul Bloomfield.

Jeg forestiller meg at den lange stakkato-stemmen er stemmen til en mor i ens psyke, enten det er bevisst eller ubevisst, mens jeg også hører en kakofoni av andre stemmer i omverdenen. Veving inn og ut av hverandre gjennom verdensrommet føles som de stemmer og de påvirkningene som møtes og finner en slags toleranse for hverandre. Mangfoldet som følger av alle disse stiene gjennom rommet føles som det mangfoldet som kommer fra den kakofonien av stemmer som kan ha en effekt på oss. Likevel forblir mors stemmen. Til slutt legger en danser seg, vendt mot de fire andre danserne - baksiden av strukturen i begynnelsen av arbeidet. Jeg tenker på alle de forskjellige måtene som å høre mors mors stemme kan påvirke oss, og alle de forskjellige situasjonene vi kan finne oss der vi hører henne på.

Shae Forest’s Snakke utforsker hvordan dans kan fungere som et språk og betydningen av det for kommunikasjon i samfunnet, deler hun i sitt innledende utdrag. Dessverre er det ikke et tema som er høyt i tankene for et bredere samfunn, mener en kanskje kynisk del av meg. Likevel kan alle sette pris på det estetiske tilbudet til dette stykket. Danserne, iført elegant avskårne, hvite trikotkjoler, beveger seg med utrolige muligheter gjennom veldig teknisk og utfordrende ordforråd. De beveger seg med lidenskap og engasjement gjennom det utfordrende arbeidet, slik at det føles uttrykksfullt og meningsfullt i stedet for bare bevegelses 'triks' for deres egen skyld.

Den mørke belysningen og den oppsiktsvekkende instrumentalscoren bygger ytterligere drama og uttrykk. Forest strukturerte også dyktige grupperinger i arbeidet slik at dansere kommer og går og grupper forandrer seg nok til å være spennende, men ikke så mye at de føler at disse endringene kommer for fort - de skiftene representerer kanskje en slags egen kommunikasjon. Noen ganger har kunst en bredt tilgjengelig betydning, noen ganger er den estetisk tiltalende eller minneverdig, og noen ganger har den begge deler. Ingen av disse alternativene er i utgangspunktet villede. De er alle verdt noe.

Rachel Linsky’s Utvalg er et minneverdig og tankevekkende verk. Viktig mening møter teknisk dyktighet, og resultatet er noe virkelig fengslende. I utdraget sitt før forestillingen forklarer Linsky at stykket utforsker prosessen med 'seleksjon', der nazistene skilte dem som var i stand til å jobbe, og de som ville bli drept umiddelbart når de førte jødiske fanger til konsentrasjonsleirer. Familier ble trukket fra hverandre gjennom denne prosessen, deler Linsky, som har vært et vanlig verktøy for undertrykkere på undertrykte gjennom historien. Utenfor Bostons Holocaust Museum danner danserne rette linjer - i uhyggelig sammenheng med jødiske fanger ved ankomst til stedet for deres (sannsynlige) død. Røyk stiger, en annen kjølig referanse her.

Rachel Linsky’s ‘Selection’. Foto av Lisa Link.

De beveger seg (innenfor disse linjene) med et visst nivå av bundet kvalitet, sidebøyer og ruller gjennom skuldrene for å bøye seg fremover - legemliggjør innsnevring og manglende autonomi. Støtter denne sansen, og et ønske om å unnslippe innsnevringen mens de er maktesløse til å gjøre det, når de opp til himmelen, men faller til andre tider på gulvet eller like over den i et dypt utfall. Danserne bruker masker åpenbart på grunn av COVID, men det tenker også på meg en sykdom - som den som førte til drapet på seks millioner jødiske mennesker og seks millioner andre ansett som en trussel mot nazistmakten. Tall blinker foran danserne mens de beveger seg, og representerer identifikasjonsnummer for fanger i konsentrasjonsleiren. Vekten av dette historiske traumet, dette såret i historien, treffer meg på et veldig visceralt nivå.

Likevel er den virkelig skremmende tingen her ikke vekten av fortiden isolert - det er den fortiden som rimer med ting som skjer i dag. Mot slutten, blant stemmen til andre overlevende fra konsentrasjonsleiren, hører vi Bernard Marks konfrontere lensmannen og fungerende ICE-direktør i et rådhus i Sacramento, California. Han snakker med oppriktighet og hardhet, og trekker paralleller med hvordan han ble skilt fra sin familie i konsentrasjonsleirene og hvordan det skjer i dag i interneringssentre for migranter her i USA. Jeg tar et øyeblikk av høytidelig ettertanke etter å ha sett på verket, lovet å aldri glemme og aldri unnskylde hat. Fungerer som Linsky's, med estetisk kommando og en virkelig potent betydning, kan ha den slags effekt.

Snart tilbyr imidlertid ballerinaer fra New England Ballet Theatre of Connecticut noe mye lettere og mer gledelig. Skånsom pianomusikk akkompagnerer deres sprudlende ballettbevegelse gjennom forskjellige utendørssteder - hopper stort ved en innsjø, svinger og gestikulerer armer på trinnene til et klassisk hjem og snurrer på en veranda. Sakte bevegelseseffekter forbedrer følelsen av frihet i fly, og filtre gir en visuell harmoni som er virkelig behagelig. Det hele føles som en flukt fra virkeligheten til COVID. Danserne bruker ikke engang masker (som jeg synes er bra fordi de ikke kommer spesielt nær hverandre når de danser i samme skudd). Stillheten og gleden ved arbeidet, for ikke å nevne den romsligheten og friheten som ballerinaene beveger seg med, føles som medisin for sjelen i denne tiden (eller når som helst, det kan være) .

Likevel er verket ikke helt uten følelsesmessig eller begrepsmessig rekkevidde mot slutten, dansere lager kløbevegelser oppover sidene til en bygning - bortsett fra visuelt vakkert, og formidler en rekkevidde og en lengsel etter det ubemannede og uutforskede (til tross for alle rommene de har møtt i arbeidet). Uansett hva vi finner og opplever, er det alltid noe utenfor det. New England Ballet Theatre of Connecticut har en stemme som kan gi oss alt dette, akkurat som andre stemmer ga sine egne gaver gjennom stemmen. Brava til OnStage Dance Company og Nozama Dance Collective for å skape rom for alle disse stemmene.

Av Kathryn Boland av Dance informerer.