Amy Foley er 'Waiting'. Foto av Mickey West Photography. Boston University Dance Theatre, Boston, Massachusetts.
25. januar 2020.
Konsept - det kan skille dansekunst fra bevegelse, gjøre den relevant og gjøre den virkelig 'hit home' med publikum. Malden, MA-basert Onstage Dance Company, et innbydende hjem for travle fagfolk som ønsker å fortsette å danse forbi studio- og college-dansedagene, presenterer alltid godt utførte og morsomme show. Likevel, i selskapets sesong 18 Performance, stakk tilstedeværelsen av spesielt gripende og minneverdige konsepter ut for meg. Det minnet meg hvor kraftig et oppfinnsomt eller meningsfylt konsept, flyttet ut med engasjement og omsorg, virkelig kan være.
Det aller første stykket, Michelle Block’s Opp ned , begynte denne trenden med sofistikerte, morsomme konsepter. Dansere begynte i silhuett, opplyst bakfra, i to linjer. Lys kom opp for å avsløre mye mer fargerike, grønne og lilla kjoler med en lysfargepalett som passer.
Block ba om å ha disse to fargegruppene på estetisk spennende måter, for eksempel partnerskap med en danser som hadde på seg den ene fargen og en annen danser i den andre, flettet og vekslende dansere i de to fargene, og splittet dem på sidene av scenen. Dette var et ikke navngitt, men likevel tydelig synlig konsept i verket. En annen ble faktisk kalt, i tittelen vendte danserne fysisk seg og hverandre i partnerskap. Begge disse konseptene spilte overbevisende av dualitet - opp eller ned, en eller annen farge.
Mens disse binærfilene var klare, var det også interessen for tidene der vi så gråtoner mellom de to endene av spekteret - halvveis til opp ned, kropp parallelt med gulvet, eller når fargene ble blandet i en gruppe. Danserne utførte det hele med engasjement og teknisk kommando. Visuelt og mentalt var det så mye å tygge på. Kort av det var det bare hyggelig å ta inn.
Teresa Fardella’s Lost at Sea kom neste. Det brakte en annen følelse - mørkere, mer mystisk, mer reflekterende. En pianoscore med fristende vokal begynte å innpode denne atmosfæren, og off-white kjoler - som ga følelsen av en blank tilstand - bygde den videre. Belysningen var lav, men ble lysere etter hvert som stykket utviklet seg. På samme måte økte bevegelsen litt og ble lettere i energi etter hvert som stykket fortsatte. Små hopp og større sprang la til en følelse av flukt til denne økningen i energi.
En annen utvikling var dansere som gikk inn i svarte kjoler - med en kontrast av to separate grupper, som Block hadde. I dette stykket tjente dette valget til å forsterke en følelse av å søke, lete etter et motsatt, etter noe utenfor det kjente. Å legge til dette var hyppig skifting til andre nivåer i rommet og steder i rommet (scenerommet som er). Fra måten dansere relaterte seg på - sirkler, dukker, kommer mot, men så sikkert bort - tenkte jeg på dette 'tapt på sjøen' som en atskillelse fra ekte menneskelig forbindelse, tapt i livets turbulente hav.
Det vil kreve klarhet og intensjon i bevegelsen for at bevegelsen skal anspore en slik tolkning, og utøverne leverte. En balletisk / lyrisk stil tilførte en nåde og formalisme som myknet kanten av alt dette. For å avslutte, stilte danserne en pause og så ut til å se hverandre for første gang. Ble de funnet? Det ville være for publikummere å bestemme selv. Det er en fantastisk ting som kunst kan holde plass for.
hvorfor er david muir gift
Å avslutte handlingen var Jennifer Kuhnberg Angel by the Wings . Hver del av det fremmet konseptet med å lede engler i våre liv. Til å begynne med ble scenen bakgrunnsbelyst for å skape en silhuetteffekt. Klesruter drapert med hvite klær skapte bilder av englevinger, og dansere hadde dannet et tablå rett under. Lys kom opp for å avsløre danserne fullt opplyst, i kostymer som var elegant og hvite. Belysning skapte eteriske følelser. Etter hvert som stykket utviklet seg, ble en følelse av harmoni tydelig - selv gjennom forskjellige formasjoner og måter dansere forholder seg til hverandre (i kanon, i kor, i deres egen bevegelse).
Partnerskap, i en myk og frigjort moderne kvalitet, brakte en følelse av støtte. Dansere rullet over hoffen til en partner for å lande i dype, jordede lunger eller for å skifte fart til en sving. Det foregikk en god del aktiviteter på scenen, men det hele var veldig visuelt organisert - for å være tilgjengelig, overbevisende og hyggelig. Disse kvalitetene fortsatte til slutt - dansere skapte et tablå av varierte nivåer og former, en vingeform opplyst bak dem. Det var absolutt noe andre verdenskrig og majestetisk over det hele, noe som fikk meg til å føle meg mer beroliget og fredelig bare fra å oppleve det.
Willow Gertz’s The Final Rose åpnet andre akt. Krøllete bilder koblet tilbake til blomster, og et rød / rosa fargevalg gjorde det tydeligere. Sterk bevegelse med en klar nåde etterlignet skjønnheten til en rose som likevel har beskyttende tornelementer som et motiv av en sirkelende arm brakte mykheten, og skarpe geometriske formasjoner brakte styrken. Dansere koblet sammen i en kjedeform, snek seg over scenen, men flyttet deretter inn i en diagonal. De holdt hender på ryggen og gikk i en bundet kvalitet til de beveget seg i en smeltende kvalitet. Dansere førte disse egenskapene tydelig og overbevisende. Denne kontrasten av styrke og mykhet, symbolsk for en rose - i bevegelsesordforråd, bevegelseskvalitet og formasjoner - førte til et spennende konsept og en ganske enkelt morsom klump med dansekunst.
Senere i loven kom et annet verk fra Kuhnberg, Game of Survival . En atmosfære av naturen, og all farlig edginess deri, var klar og spennende helt fra begynnelsen av stykket. Dansere dannet linjer og danset deretter i dem, store pinner som tilførte et jordingselement samt et auditivt anker (de banket rekvisittene på scenen i kor, rettet oppmerksomhet og bidro til atmosfæren). Villheten var tydelig i den grønne og gule belysningen, takkede kutt av kostymer i lignende farger og robust bevegelse.
Tekstene 'the game of survival' ringte gjennom teatret, og det hele kom sammen for meg. Ulike grupper av dem beveget seg på måter som fikk meg til å stille spørsmål ved hvem som var jeger og hvem som var byttedyr - sirklet, lunget, dyppet over og under. Kuhnbergs bevegelsesordforråd ble like dristig og seig som det ville hun skildret dansere som gled på den ene hoften, rullet over andre danseres skuldre og hoppet over andre dansere som lå på scenen.
Avslutningen fanget meg mest av alt, men dansere slo pinnene i perfekt harmoni og lysene slukket - et fristende kall for å lure på hva som kunne komme videre, utenfor rammen av stykket i den imaginære verdenen hun hadde bygget, og rett og slett en sann trekk til sansene. Å bygge et konsept smart gjennom et dansekunstverk kan ha en slik effekt, og Onstage Dance Company leverer prisverdig det i sesong 18-forestillingen.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
anbefalt for deg
