Camille A. Brown & Dancers i 'Mr. TOL E. RancE '. Foto av Christopher Duggan. Joyce Theatre, New York, NY.
10. november 2019.
Det kan være virkelig slående å lene seg tilbake og reflektere over hvordan amerikansk 'pop' -kultur utviklet seg. Interessant, så mye av det stammer fra tradisjonene til de som er fordrevet gjennom den afrikanske diasporaen. Hjerteskjærende var det de samme menneskene som amerikansk kultur undertrykte, undertrykte og dehumaniserte. Det som også er forbløffende er hvor mye glede, takknemlighet og kjærlighet som ligger i disse kulturelle produktene - fra dans til musikk til poesi til visuell kunst - selv i møte med en slik underkastelse (og kampene som resulterte).
Gjennom bevegelse, musikk, teatervignetter og projeksjonsdesign, Camille A. Brown & Dancers ' MR. TOL E. RancE tilbød denne typen lys og glede, hvis de til andre tider skinner et lys på de hardere sannhetene i dette landets rasehistorie. Det føltes som en del ode til 20thårhundre “svart” kultur, og også en del rørende uttalelse om syndene fra Amerikas fortid (og, sannferdig, nåtid) med hensyn til rase.
Livlighet var til stede og tydelig fra showets åpning. Dansere flyttet sammen i en stor gruppe og bygde en følelse av fellesskap. De hadde på seg fedoras, gammeldags joggesko og bukser med seler - noe som skapte en kul Urkle-stemning (en ikke-nerdete versjon av den elskede Fresh Prince of Bel-Air karakter, skal vi si). En live pianist (Scott Patterson, også komponisten) fulgte dem. Snart samlet de seg i en halv sirkel, danseren i midten viste sine 'trekk' til gruppen (skaper en slags 'cypher', vanlig i hiphop-danseverdenen).
Den ene gjorde 'ormen', en annen hoppet et ben, men den andre mens han holdt den (et imponerende 'b-boy' / 'b-girl' -triks), og en annen artikulerte gjennom ledd og gestikulert - en jevn, flytende form av ' animasjon ”danseform. Mye av dette virket som guidet improvisasjon, en tilnærming som - når det gjøres riktig - kan tilby en klargjørende struktur, samtidig som dansere kan bevege seg på måter som er mest naturlige for dem (og dermed er de den sterkeste dansen).
Snart sluttet talen seg til bevegelse og musikk for å gi enda mer glede og moro. Dansere telte “5,6,7,8!” og sa ting som 'Spis det opp!' og “Halleluja!” Jeg kunne høre klapp og latter fra publikum. Mindre grupper kom inn og utførte (tilsynelatende) satt koreografi som demonstrerte Browns unike, overbevisende og behagelige bevegelsesordforråd. For eksempel utførte en trio livlig fotarbeid og flyttet deretter torsoen frem og tilbake - to dansere beveger seg i motsatt retning av hverandre. Denne bevegelsen var tilfredsstillende og minneverdig for både sin energiske kvalitet og sin estetiske.
john hilinski nettoformue
Et annet sentralt element i verket - dets estetiske, tilnærming og betydning - kom snart på plakaten til det ikoniske showet Diff’rent Strokes fylte bakteppet. Før dette kom uttrykket 'Og sammen vil vi ha det bra', som fikk meg til å puste dypere og smile. Det føltes beroligende og betryggende. Snart kom den Amos og Andy plakat, og deretter den av Jeffersons . Plakaten til Den nye prinsen av Bel-Air fylte bakteppet neste, og danserne rappet den klassiske Will Smith-karakterens rap.
Senere i arbeidet spurte to dansere stadig hverandre: 'Wa'chu talkin '' bout, Willis?' i forskjellige intonasjoner, og bringe oss tilbake til Diff’rent Strokes . Publikum (inkludert meg selv) humret av disse referansene og deres levering. Inn i min egen livserfaring (like midt i tusenårsgenerasjonen, kronologisk sett), plakaten til Black.ish fylte scenen. Før lenge var elementet i å hedre 20thårhundres “svarte” kultur var tydelig nok for meg. Det føltes som en fascinerende retrospektiv, en jeg var glad for å oppleve.
Mens mye av bevegelsen - og den generelle atmosfæren - var ganske energisk, ga tregere øyeblikk en roligere, mer kontemplativ følelse. Jeg lurte på om flere av den slags seksjoner tidligere i stykket ville gi større følelsesmessig og atmosfærisk balanse. Likevel, hvis Brown gikk etter mer av den livlige og positive atmosfæren, var kanskje ikke denne balansen målet (legitimt, gyldig så).
ty pennington høyde
En av de langsommere delene kom etter en seksjon med spesielt høyenergibevegelse (knærne stiger til brystet og spinner til gulvet med stigende rygg opp igjen). Lys ble falmet til blått og pianomusikk bremset, tonene forlenget og senket. En solist beveget seg med den samme følelsen av kontemplasjon og utforsket mulighetene for bevegelsesnyanse innenfor individuelle lemmer. Hun løftet armene til siden, og beveget seg gjennom dem til andre deler av kroppen hennes, sirklet håndleddene og kruset gjennom albuene til skuldre og torso. Denne bevegelsen føltes gjennomtenkt og autentisk.
Denne delen kom før et rødt gardin falt ned på bakgrunn, og minner om klassiske tegneserier (det jeg kan huske fra barndommen min som bak Bugs Bunny som sa 'Guup, guup guup, det er alt folkens!'). Mr. Jefferson spratt ut hodet og fikk publikum til å le. “Act II - Change the joke, slip the ok” dukket opp over bakteppet i kursiv skriving. Ser vi nærmere på programmet, inkluderte Brown et sitat som knyttet seg til denne tittelen. Det pekte på marginalisering og avhengighet av de sterkere.
Da jeg leste dette, ble jeg lei meg og motløs over å tenke på at afroamerikansk kultur ble tilegnet og for ofte 'vitsens rumpe', for å si det, mens (for det meste) mektige hvite menn på 20thårhundre underholdning tjent med økende penger og makt. Spesielt som en som har høstet fordelene av hvite privilegier (og vil fortsette å gjøre det), er det viktig at folk som meg blir ført til å tenke på disse historiske forseelsene. Da kan vi være bedre allierte i kampen for å eliminere hvordan de fortsetter å manifestere og skade marginaliserte i nåtid og fremtid.
Brown tok selv scenen etter dette skiftet til en andre akt. Publikum applauderte da de så henne. En fristende synkopiering beveget seg rett gjennom leddene hennes, en musikalitet som var sene, men likevel presis. Hun utstrålte en rolig selvtillit og så ut til å ikke ha noe å bevise. Andre dansere ble snart med henne, iført hvite hansker og gestikulert. Dette valget refererte til popkulturskildringer av fargerike mennesker i media. Ubehaget i bevegelsen og den generelle atmosfæren pekte på smerten bak, og som til tider kommer fra, disse representasjonene.
En spilleshow tok deretter scenen (ved å bruke en tittel som jeg, som en hvit person, ikke føler at jeg kan skrive, vil jeg bare si). Komisk, skarpt, meningsfullt, holdt det et speil for de problematiske måtene som fargede mennesker er representert i media. Gjennom det var danserne og designet (som det lyse bakteppet og bruken av gule papirer som rekvisitter) livlige og selvsikre. Likevel var de uttalte ordene fordømmende og forferdelig.
En langsommere, mer reflekterende seksjon fulgte, en solist som beveget seg med vekt og uro. Bak ham var projeksjonen av en danser som lignet ham, kledd på samme måte og beveget seg likt, men tidsinnstillinger og kvaliteter var forskjellige. Det var et mellomrom mellom det som skjedde foran oss, i kjøttet og det som skjedde på skjermen. Det rommet så ut til å forårsake konflikt for personen som eksisterer og beveger seg i sanntid. Brown og hanskedanserne kom snart tilbake og dukket opp bak bakgrunnen mens den steg opp. Patterson spilte Louis Armstrongs 'What a Wonderful World' på pianoet. Selv om danserne beveget seg med samme intensitet, var det en ny ro og kontemplativitet som reflekterte sangen.
En etter en falt danserne på bakken for å la Brown stå. Gardinet falt. Jeg satt igjen med en følelse av mystikk og usikkerhet om fremtiden. Arbeidet som endte med den håpefulle sangen, etterlot også et inntrykk på meg at jeg sang det for meg selv da jeg gikk ut av teatret. I møte med undertrykkelse og dens varige effekter var det glede og nåde. Det er et dyptgripende resultat, en som dyktig utformet, dyktig presentert dansekunst kan illustrere.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
