Anmeldelser | April 2024

'Dans +'. Foto av Anna Hull.

27. september 2019.
Center for Performance Research, Brooklyn, NY.

En dyktig dansekunstner jeg en gang intervjuet, diskuterte å skape “empatiske tilgangspunkter” for alle typer publikummere - ting og måter å presentere dem på, som alle kan finne et forhold til. Amanda + James’s Dans + brukte bevegelse, tale, musikk og teaterelementer for å tilby publikum medlemmer tilgangspunkter. At tilgangen var i varierte følelser, noen dype, personlige og vanskelige, men ble likevel presentert på en universell snarere enn en isolert måte. Å skape og utføre med åpenhet for personlig sårbarhet så ut til å være roten til denne uhindrede delingen. Amanda + James er et “åpent miljø for tverrfaglig samarbeid [og] som utløser samtaler mellom voksende kunstnere over et så bredt spekter av kunstneriske disipliner som mulig, og oppmuntrer til mangesidige perspektiver gjennom den kreative prosessen.'

I mitt sted , koreografert og fremført av Kristi Cole, satte en tone for denne sårbare delingen. Hun begynte å sitte på en plastprese, beveget seg fremover og tilbake gjennom torsoen og formidlet uro. Valget av plast fikk meg til å tenke på kunstighet - meningsfullt, tilsynelatende, ikke av utøveren, men av omgivelsene hennes. Cole ble spotlight, men ikke helt lyst, og bidro til en mystisk og illevarslende atmosfære. Hun hadde hvitt og off-white, noe med flere muligheter for tolkning - for eksempel renhet eller en blank skifer som var åpen for fylling. Hun strakte ut bena, men holdt seg lavt og beveget seg rundt den firkantede presenningen i et firkantet mønster - smidig og resolutt, men fortsatt urolig.

Ved siden av henne var det en vannkammer, og hun dyppet hele hodet inn og gispet da hun trakk den ut og vendte det våte håret bakover.

bryton myler

I programnotatene henviste Cole til 'å bruke sin erfaring som en queer kvinne for å fysisk undersøke ... det universelle menneskelige ønske om å oppta likt rom, og derfor like verdi i verden.' Den fysiske følelsen som er involvert med hodet dunked i vann - omgitt, ute av stand til å puste, panikk - justeres med denne følelsen av å måtte stille spørsmål ved hvor mye plass man får ta opp i verden, det kan være en primær, kroppsbasert angst med frykt for ens velvære - og til og med tilværelse - i en slik tilstand av marginalisering. Cole tangibiliserte denne følelsen, i bevegelsesytelse, ganske visceralt og minneverdig.

Snart reiste Cole seg og beveget seg gjennom rommet - i en jevnt sirkulær sti og fremkalte en følelse av harmoni. Likevel viste hennes bevegelse, på et kinesisk (kropps) nivå, fremdeles noe urolig. Denne kombinasjonen av kvaliteter fikk meg til å tenke på hvor mange mennesker der ute i verden ser ut til å være godt justerte og høyt fungerende, men likevel i deres sinn og / eller i de mest personlige øyeblikkene de gjør vondt og sliter. Cole utførte rundt scenerommet og utførte virtuose bevegelser, for eksempel kraftig sprang og en slående tønnsvending, som fikk meg til å se mer av det som var klart kroppen hennes kunne gjøre. Likevel var jeg også klar over at flere høytflygende prestasjoner kunne forringe den kraftige følelsen og budskapet som Cole måtte dele.

Partituren, 'Memory Board' av Rachel's, flyttet til Amy Winehouse's 'Our Day Will Come'. Cole beveget seg med mer styrke og en ny følelse av selvtillit - men likevel, en luft av uro. Sangen avviklet, og hun kom tilbake til plastpresenningen. Hun begynte å gråte, til å skråstille med hodet i hendene. Dette valget føltes som en akutt reversering fra 'happy ending' oppløsningsnormen i narrativ kunst - en overbevisning og påstand om at noen ganger bare ikke ting ender opp.

En slik dristig sannhetsfortelling er ikke nødvendigvis lett for ethvert publikum å oppleve, spesielt for de som har opplevd alvorlige psykiske helsekamper eller har nære kjære som har. Jeg lurte på om en utløservarsel var i orden. Likevel, kommer fra et sted med heteronormativt privilegium, kommer jeg også til dette spørsmålet med ydmykhet, et ønske om å lytte og respekt for Cole som en autonom kunstner. Jeg setter stor pris på hennes dyktige utforming av kunst som slipper oss inn i hennes verden og hennes kamper, med så åpenhet for å være sårbar.

scott rogowsky wiki

Neste (før pause) kom NeurHOTics ’ BEDRE , et verk fylt med lett, teatralsk humor samt sårbarheten for å dele dypere smerter. Duoen, Sara Campia og Abby Price, 'undersøker hvor lammende angst møter unødvendig seksuell oppførsel.' De kom på bantering, puttering og rydding av rekvisitter og våte områder fra Coles arbeid. De hadde på seg noe avslørende kostymer, men ingenting usmakelig - utsatte mager og korte shorts. Kostymene føltes i tråd med de humoristiske karakterene og selskapets fokus.

Plutselig skjønte de at det var deres tid å opptre, selv om de ikke 'hadde tid til å øve ... men ok, vi kan gjøre dette, vi er profesjonelle' - angsten i deres stemmer og kropper fremdeles imidlertid tydelig. Det var en type angst som kan gi latter, og publikum humret med. 'Pump-up', 'pop' -musikk kom opp, og de danset. Det var cheer / pom, konkurransestil dans, utført på en måte som fikk publikum til å le enda hardere. De sparket høye, svingte hofter og snudde med tydelige forberedelser (med litt danserspesifikk humor, noe 'meta', hvis du vil). Det hele var bevisst og effektivt humoristisk - selv om dypere usikkerhet og angst var tydelig.

Det som føltes effektivt i denne tilnærmingen var en behagelig innpakning av noe vanskeligere å ta i seg, men likevel en viktig illustrasjon. Snart tok man frem en kake - ja, en ekte, spiselig kake - og tilbød stykker til publikum ('noen som vil ha kake?'). Denne delen fremmet den tilnærmingen til en behagelig presentasjon av noe vanskeligere og dypere. Publikums medlemmer lo hardere i stedet for å godta brikker.

stachio rachelle

Det var en 'brudd på den fjerde veggen', et direkte engasjement med publikummere, her - dessuten en som utfordret tradisjonell dekor og normer rundt publikums etikette. ('Kan vi godta litt kake? Har vi lov til å spise her inne? Gir de virkelig ut kake?', Spurte noen publikummere mest sannsynlig seg selv.) Som svar ble de triste og sa 'ingen vil ha kake' og hån. gråtende (alt humoristisk levert).

Den sosiale usikkerheten her var tydelig og gripende, selv om den ble levert på en måte som førte til publikumsom latter. Åpenheten for sårbarhet i roten til denne delingen var også tydelig, og noe jeg synes er lovverdig. For å avslutte, dyttet de kaken i ansiktet og kastet den mot hverandre - matkamp! Den sterke kontrasten til det forrige stykket, Coles solo, var spennende verkene var begge fulle av sårbarhet og dybde, men ble likevel levert så annerledes (når det gjelder stemning, atmosfære, tempo og estetikk). Hver hadde sin egen verdifulle, forankret i sårbar følelsesmessig deling.

Amanda Hameline’s 26. juni 2009 lukket natten, et gripende arbeid med bevegelse, tale og musikk for å fordype seg i sliter med spiseforstyrrelser, kroppsbilde og offentlig image. Til å begynne med gikk Hameline fremover i høye hæler, korte shorts og bare mage - noe som fremkalte et høyt nivå av kroppsbildetillit. Senere hukende innover, skjulte seg og forsøkte å få ekstra klær til å dekke mer av henne, trodde den tilliten. Tekst hun snakket beskrev bulimi og (hjerteskjærende) uklokt svar på hennes oppførsel (antagelig fra en venn eller et familiemedlem), samt minner fra spiseforstyrrelsesbehandling.

Forestillingen, i likhet med Coles verk, sukkerfrakk ikke noe vanskelig - men kanskje 'sukkerbelegg' (kanskje med ekte, ekte kake) kan gjøre det hele lettere for noen publikummere. Uansett er viljen til å være sårbar det som gir næring til en slik ærlig deling. Disse kunstnerne hadde det så vel som en evne til å forme det de presenterte til noe estetisk hyggelig eller overbevisende. Konsept, riktig holdning og teknisk anlegg - flott kunst tar alt. Det hele ble utstilt på denne utgaven av Amanda + James’s Dans + .