OnStage Dance Company. Foto av Mickey West Photography. Boston University, Boston, Massachusetts.
17. juni 2018.
sdc observatørskap
Så langt tilbake i menneskets historie som vi vet om, har vi danset sammen i samfunn. Det er forskjøvet og forandret sammen med verden for øvrig, men de elementære sannhetene til mennesker som beveger seg sammen i verdensrommet, har blitt værende. I OnStage Dance Company sin sesong 15-forestilling var det tydelig at selskapet er et sterkt samfunn i bevegelse. Kreativt mangfold, samt velkonstruert ensemblearbeid, demonstrerte fruktene av samfunnet for dansekunst.
OnStage Dance Company. Foto av Mickey West Photography.
Bang Zoom , sjette i showet og koreografert av Catherine Shortliffe, var en oppfinnsom skildring av lystig tropisk moro. Musikken (av Bobby McFerrin) hadde en luftig afro-karibisk følelse. Silke, lette og glatte skjørt og topper matchet den følelsen. Et dappled lysmønster (fra teknisk direktør Carter Miller) opplyste dansere som beveger seg i et teknisk ordforråd, men en fotgjengers letthet og nonchalanse.
I en minneverdig seksjon beveget de seg rundt parvis og sneket seg gjennom pigger - en primær følelse av dyr som leker. Lys kom senere ned for å spotte en duett - full av romlig spenning gjennom en danser ned lav, og en annen utførende bevegelse som feide over henne. En danset for å la den andre være alene. Hun så et kontemplativt blikk da lysene ble svakt ned. Stykket var fullt av lyshet, men øyeblikk som disse flyttet inn i dypere, mer nyanserte spørsmål om forhold til andre og med oss selv.
Rist, frue! koreografert av Lisa Norcross, kom neste. En conga-linje dannet seg tidlig, og - sammen med den ikoniske sangen til stykkets navnebror - var det umiddelbart åpenbart at stykket ville være en flott tid. Lyse farger i kostyme og belysning signaliserte videre en gledelig følelse. Shoulder shimmies og bum shakes formidlet fysisk stolthet og komfort, over hele den store gruppen. Klassisk jazzfotarbeid, som pas de bourrées, “sugarfoots” og kick-ball-forandringer, innrammet alle disse shimmiene og rister godt.
OnStage Dance Company. Foto av Mickey West Photography.
Bevegelsen var relativt enkel, skarp og ren. Virtuositet kom i scenetilstedeværelse og jevnlig punktlig timing. Det var også en smart samtale-og-svar-seksjon, to grupper splittet midtpunktet. De stilte alle unikt i sentrum og vendte ut mot publikum med stolthet og glede. Selv om denne avslutningen føltes mindre oppfinnsom enn mange andre om natten, passet den ikke til arbeidet. Gjennom hele tiden var gleden i kroppen og sinnet så veldig tydelig.
Vi kommer løpende, koreografert av OnStage Dance Company Grunnlegger / regissør Jennifer Kuhnberg, begynte med en tom, mørk scene og stemmeavtale av en tale fra Emma Gonzalez, den nå ikoniske tenåringspistolen / skolesikkerhetsaktivisten. Med en gang visste jeg at arbeidet ville være (i det minste for meg) følelsesmessig rørende. Voiceover bleknet og musikken kom opp, med to dansere spotlight oppe på scenen igjen. Den ene tok på seg en ryggsekk og nådde opp for å klemme den andre (høyere) danseren. Hensikten var klar nok - en mor sendte barnet sitt på skolen og klemte farvel.
Lys kom opp på midt scenen, og en større gruppe dansere med ryggsekker begynte å danse - med overbevisning og styrke, men også brede smil og uskyldig glede. Dobbeltholdingssprang og kjedesving var tekniske stifter. Armene som strekker seg opp, over hodet og ned, samt peker fingrene mot rytmen, var gjentatte bevegelser. Disse gestene kunne ha følt seg umodne eller 'kitschy' i andre danser, men - i sammenheng, så vel som gjennom ekte glede i utførelsen - la de i stedet til ekthet og emosjonell vekt.
OnStage Dance Company. Foto av Mickey West Photography.
Musikktekstene (fra Youngblood Hawke) var også meningsfulle og beskrev å stå opp i et krav om løsninger - som en styrke som ikke skal undervurderes. “Fortell meg hva du venter på? Se over den store skillen ... og vi kommer løpende! ” Stemmene var også ungdommelige. Klarheten og størrelsen på dansernes formasjoner (med 16 dansere i stykket) formidlet styrke i antall og samlet enhet. For eksempel var en lang diagonal linje der dansere beveget seg skarpt, imponerende bare i sin storhet.
Mot slutten av stykket begynte de å kaste ryggsekkene i en haug midt på scenen. Lysene falt ned, bortsett fra et søkelys på ryggsekkene. I sammenheng med stykket, og de sosiopolitiske hendelsene som så ut til å inspirere det, var dette en utrolig kraftig slutt. Verket var en modell for et kraftig sosiopolitisk budskap i et kortfattet, fordøyelig og hyggelig arbeid. Denne meldingen var ikke demokratisk eller republikansk, liberal eller konservativ, men så ut til å være stemmen til advokater for tenåringsskoler / våpensikkerheter som hevdet 'vi er her, vi har betydning, og vi vil bli hørt.'
Også reflekterende av enhet i budskap og følelser var En helt ny dag (koreografert av Tracey Roberge) , en teaterdansskildring av Trollmannen fra Oz. Det var to innbyggere i Emerald City (dansere kledd i grønt), Dorothy, Scarecrow, the Cowardly Lion og Tinman. The Wicked Witch var til stede, men bare i begynnelsen fordi Dorothy smeltet henne ned (som forekommer i den ikoniske filmen).
OnStage Dance Company. Foto av Mickey West Photography.
Både trykk og jazzteknikk var til stede. Denne sammenslåingen brakte en klassisk Rockette / Broadway-følelse av å smelte klassiske tekniske former med nøyaktighet og teknisk kommando. I den klassiske trykkstilen involverte danserne hele kroppen (i motsetning til mer fotarbeidsfokusert Rhythm Tap, i en mer postmoderne / moderne retning av opprinnelse og popularitet). Danserne holdt også imponerende tappeskoene stille når de gikk i formasjoner og pantomiming.
Uforglemmelige bevegelser fra filmen gjorde også deres opptredener, for eksempel 'bell spark' (sprang med knær som danner en sidelengs diamant og hælene møtes) og Dorothy's hælklikk. Historien bevegelsen formidlet føltes imidlertid mer meningsfull enn selve bevegelsen. Alle gledet seg over å overvinne en truende styrke. Gjennom hele tiden gled gleden ut av hver bevegelse og ansiktsuttrykk.
Det føltes også som en hyllest til de dagene da dans som ren underholdning regjerte - noe som var forfriskende og noe unikt i et show av overordnet oppfinnsomt, fremtidsrettet, tidsriktig arbeid. Alle verkene hadde verdi på sine egne måter, og så ut til å eie den. En stor del av dette 'å eie det' var selskapets omfavnelse av deres dansing i samfunnet sammen. Denne følelsen ble gjennomført til slutten av forestillingen, med ære for fem, ti og femten år dansere samt støttende personale.
OnStage Dance Company. Foto av Mickey West Photography.
I stedet for å føle at jeg ville at det hele skulle fullføres, ble jeg oppvarmet av denne æren og delingen. Jeg følte det som om publikummere hadde et vindu inn i samfunnet, jeg kunne tenke meg å dele klemmer, råd og snacks for å komme gjennom sene kvelder i studioet. Hvis vi ikke danser sammen, danser vi alene. Jeg personlig vil mye heller gjøre det tidligere. Onstage Dance Company sitt sesong 15 forestillingsprogram fikk meg til å føle det enda mer.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
anbefalt for deg
