Anmeldelser | April 2024

Sara Mearns fra NYCB i Justin Pecks 'Thank You, New York'. Foto av Erin Baiano.

27.-31. Oktober 2020.
Streaming online, filmet i Lincoln Center Plaza og andre nettsteder i New York City.

Lincoln Center: det er en magi som henger i luften, over fontener som flyter og bassenger som reflekterer de store og overdådige bygningene bak dem. Som en lidenskapelig elsker av dans, liker jeg å tro at forestillingene som skjer i disse bygningene - uten tvil toppen av dansen og annen scenekunst i nasjonen, og kanskje til og med i verden - rører og sirkulerer den magien. Zoom ut fra Manhattans Columbus Circle et øyeblikk: med unntak av stedsspesifikk dans handler ikke kunstformen så mye om rommet der den danses som om bevegelse, andre estetiske elementer (kostyme, belysning og musikk) og hvordan disse mediene kommer sammen.

troy hedenske søsken

Likevel er det en magi i et teaterrom inn og ut av bygningen, man kan føle en energisk summing fra forestillinger fortid og fremtid. New York City Ballet (NYCB) kan for øyeblikket ikke danse i Lincoln Center på grunn av COVID-19. Gjennom New Works Festival høsten 2020 Digital Season utforsket og hedret selskapet imidlertid magien i det rommet - og utover det, i New York City generelt.

Mira Nadon fra NYCB i Sidra Bells ‘pixelation in a wave (Within Wires)’. Foto av Erin Baiano.

Bell Cider ’S pixelasjon i en bølge (Within Wires) hadde bevegelse som var svært arkitektonisk: noen ganger vinklede, noen ganger flerlinjære former pause, i staccato-rytme. Disse holdningsformene var klare og resonante. Danserne klarte å strømme gjennom dem, i stedet for å la bevegelsen bli statisk i formene - imponerende. Musikken, komponert av Bells far, Dennis Bell, hadde suspensjon i tonene som støttet disse bevegelsesegenskapene. De svarte og hvite kostymene hadde spennende kutt og former, og tilbyr estetiske intriger og støttet også disse bevegelseskvaliteter.

Når jeg reflekterte over denne kvaliteten, tenkte jeg på den svært poetiske tittelen 'pixelering i bølge' en bølge strømmer, men som en piksel i et digitalt bilde er dens individuelle vanndråper tydelige. Dansernes kropper så ut til å gjenspeile arkitekturen til Lincoln Center Plaza rundt dem, og legemliggjøre det livløse for å gjøre det levende. Dette fikk meg til å tenke for meg selv, uten mennesker, hva som er igjen av en by? Når folk holder seg inne gjennom COVID, hva er igjen for å aktivisere og karakterisere det?

I den tonen hadde partituren en sørgelig kvalitet, som for eksempel i suspensjonen av notene. Da danserne beveget seg fra hverandre i rommet (bortsett fra ett par partnerskap, som jeg antok var COVID-trygt gjennom disse danserne som allerede bodde sammen eller rask testing), tenkte jeg å gå forbi store bygninger der store hendelser en gang skjedde, og føle en tristhet fra ved å gjøre det. Dans utenfor bygningen så ut til å symbolisere den tilstanden på sin egen måte, men samtidig en motstandskraft hvis vi ikke kan danse på scenen foran et publikum, alt i rommet sammen, så vil vi fremdeles danse utenfor. Ingenting kan hindre oss i å bevege oss.

Russell Janzen fra NYCB i Pam Tanowitz ’‘ Solo for Russell / Sites 1-5 ’. Foto av Jon Chema.

Pam Tanowitz koreograferte en solo for NYCB-rektor Russell Janzen for New Works Festival, Solo for Russell - Nettsteder 1-5 . Han danset til tider i en hvit drakt med en blå og en gul streamer, og til tider med oppvarming over det - abstrakt og svært arkitektonisk i design, akkurat som mye av bevegelsen. Når det ikke var abstrakt og arkitektonisk, var mye av det fotgjenger: enkelt å tråkke, gestikulere og se. På disse tidene tenkte jeg på et eneste menneske i et stort rom, høye og ekspansive strukturer som tårnet over ham.

din hashem alder

Jeg tenkte på menneskets litenhet i universets storhet, selv med alt det mentale og emosjonelle potensialet og omfanget vi inneholder. De rå, praktiske, menneskelige elementene manifesterte seg også i hvordan Janzen tok med seg Marley rundt i rommet - 'backstage' -utsikten, for å si det sånn. Denne veldig menneskelige egenskapen var også til stede da han strakte et ben bakover i arabesk eller brettet seg over det og forlenget fremover - men når han danset noe mer teknisk, fikk tilstedeværelsen av danseren som legemliggjorde hans håndverk en ny energi.

Å se Janzen i oppvarminger og deretter i full drakt, i forskjellige rammer og målrettet redigert for å føle seg avgrenset (det føltes som), føltes som en filosofisk separasjon av danseren og dansen, kunsten og kunstneren. Mitt sinn kunne tygge på det i evigheter! Nærbilder av føtter, ben og Janzens ansiktsuttrykk ga den intellektuelle interessen visuell intriger.

New York City Ballet i Andrea Millers ‘nye sang’. Foto av Jon Chema.

Andrea Miller’s ny sang var den hyggeligste å oppleve for meg som seer hittil i festivalen. Bevegelsen hadde en virtuositet, en svevende arabesk som en fuglevinge som snek seg bakover, bakover og svinger uten det minste øyeblikk av ustabilitet eller spenning hadde kjeven min virkelig falt. Likevel var det også en smidighet og letthet, en bevegelsesfrihet i ryggraden og hoftene, som passet vakkert til den latinske musikken og bøyninger i kostymer - som røde og svarte, høye krage, lange og formtilpassede kutt. Romsarkitekturen hadde også en nydelig parallell med bevegelsen - kroppens arkitektur i den bunnsolide og virtuose teknikken så vel som i formasjonene av diamantformer, rektangler og sirkler. I dette tilfellet bidro sikkerhetsbehovet til å holde seg fjernt til en fantastisk og minneverdig arkitektur for mennesker i verdensrommet.

Også forutgående var seksjoner av danserne som beveget seg gjennom vann - i stand til å skylle rent og sørge for alt liv på jorden. Kombinert med lengselen og spenstig forstand i partituret, kom Millers arbeid til noe elementært ved å være menneske. Selv når vi ikke er i fysisk kontakt, er vi sammen i en arkitektur av rom og energi. Bortsett fra det var arbeidet estetisk fengslende. Det trakk meg alle inn - kropp, sinn, hjerte og ånd.

Victor Abreu fra NYCB i Jamar Roberts ’‘ Water Rite ’. Foto av Erin Baiano.

I Jamar Roberts ’ Vannrit , NYCB Corps de Ballet Dancer Victor Abreu beveget seg i en vannkropp, det samme som i Millers verk (hadde premiere kvelden før). Musikken var staccato med en dramatisk drivkraft, og Abreus bevegelse fulgte etter - kantet, staccato og rask.

Abreus bevegelseskvalitet, med en nydelig følelse av linje og løft, men også med en moderne frihet gjennom ledd og en letthet ved å bevege seg gjennom en rekke bevegelser og former, fengslet meg. Friheten og den menneskelige grunnleggende kvaliteten til å danse i vann, det krusete og bevege seg etter og rundt Abreu, tok meg også rett inn. Han nådde en arm opp og over mens han gikk gjennom vannet, kastet den inn, og etter et slag traff armen bakover å skvette. Noen få teller senere dreide han seg, lunget og rullet seg deretter gjennom ryggraden. Jeg var helt opptatt av det hele.

Den kanskje mest fascinerende delen av arbeidet var at kameraet panorerte ut på slutten og skuddet inkludert musikerne, med instrumentene sine, rett i vannet. Det var slående å innse at de hadde vært der hele tiden, og det åpnet et element i å skape verket ved å vise oss menneskene som skapte dette elementet. Uten tvil, jo mer vi ser og lærer om hvordan et verk skapes, jo mer forståelse av det og forståelse for det som vi kan ha.

Taylor Stanley fra NYCB i Justin Pecks ‘Thank You, New York’. Foto av Jody Lee Lipes.

passende alder for spisssko

Festivalens siste arbeid var Justin Peck Takk, New York . Det begynte med at dansere så ut over byens scener og delte hva det betyr for dem. Klærne deres var fotgjenger, og jeg følte at jeg var i kontakt med disse dansernes rå menneskelighet - i det minste en del av det. Så danset de - i en park, på et lager, i en smug, på et tak, hver på sitt eget rom. De beveget seg raskt og ga allegro en ny mening.

Hastigheten formidlet en dyp lidenskap - disse dansernes dype lidenskap for byen og dansearbeidet de gjør i den. Det hadde en kvalitet å danse alene i et soverom (som så mange av oss gjorde som tenåringer), men de dansende var toppen av ballettvirtuositet og kunstneri. Stedene tilbød også så mye av New Yorks unike skjønnhet - fra uendelige vidstrakte solnedganger til fargerike og grusete bakgater og lager.

'Takk, New York, kan jeg få en ny dans med deg,' sang sangeren av poppartituren. Det føltes som om disse ordene kom direkte fra hjertene til disse danserne. Takk, NYCB, for at du skiftet kurs slik at publikum kunne oppleve nye verk fra førsteklasses danseartister. Takk for at du møtte øyeblikket, for at du lar denne kunstformen virkelig utvikle seg. Takk til rommene vi danser i, for å holde oss og energien vår. Vi kunne ikke gjøre det uten deg.

Av Kathryn Boland av Dance informerer.