Shejith Krishnas 'Nandi Chol'. Foto av Olivia Blaisdell. Dansekomplekset, Cambridge, Massachusetts.
10. februar 2018.
Hvis du skulle spørre en tilfeldig person på gaten hva de forestiller seg når du sier 'dans', hva tror du de vil si som svar? Du kan, perchance, komme over en bredt utdannet danset danser eller dansentusiast, men mest sannsynlig vil denne uansett gjennomsnittlige personen forestille seg sosial balldans, klassisk ballett eller 'mørk', 'angsty' samtidsdans. Den vestlige kulturen har gjennom så vidt spredning av disse bildene og ideene om hva 'dans' er, innsnevret den gjennomsnittlige menneskets forestilling om det store hav av muligheter, og etablert skapelse, det vil si dans.
Bostons NACHMO var en styrke for å bekjempe denne smale visjonen, gjennom å tilby et bredt spekter av dansestiler og kvalitative takter. 'NACHMO' er en knust forkortelse for 'National Choreography Month'. For dette showet måtte koreografer lage og performance-polere stykkene sine innen en måned. Alle de 12 delene var bemerkelsesverdige og oppnådde på sin egen måte, men denne anmeldelsen vil fokusere på de mest meningsfylte og minneverdige av dem.
Margaret Wiss’s ‘To by Two’. Foto av Olivia Blaisdell.
Den første av disse stykkene, 'To by Two' (koreografert av Margaret Wiss og danset av Nora Buonagurio, Katy Esper), levde og pustet gjennom en spennende, unik ramme. Den eneste poengsummen var to danseres pust og tale. Ned på scenen til venstre ble de tent diagonalt fra opp til høyre. Enkle og svarte kostymer matchet denne mørke, nedtatte estetikken. 'Pust inn, pust ut' begynte de, med bevegelse inn og ut av hverandres negative rom. Talen deres flyttet inn i retningsbestemte ord, kombinert med 'inhalere' og 'puster ut' - 'opphaler', 'overhaling'. I imponerende tone føltes det som anvisningene til en koreograf - en dansøving! Dette føltes ganske 'meta' (kunst som kommenterer seg selv), og (uten tvil) ikke helt relatert til ikke-dansere, før en danser begynte å løpe.
Arbeidet så ut til å omdanne mening til livets sykliske natur - veibeskrivelse frem og tilbake, men likevel er mønstre som vår pust konsistente uansett hvordan vi beveger oss. Man må be kunstnerne om å vite om dette var deres tiltenkte betydning, men det er en gripende å finne. Bevegelsen gjennomgående var like slående - multi-speed, multi-quality, multi-dimentional, og tydeligvis tro mot de beste naturlige tilbøyelighetene til de to dansernes kropper. Avslutningen brakte lengre tale fra en danser - en unik definisjon av 'puster ut' som syntes å fremme den ideen om livskraften til syklisk pust som ligger til grunn for alt det vi gjør. All denne betydningen kom fra enkel tale og to bevegelige kropper!
Shejith Krishnas ‘Nandi Chol’. Foto av Olivia Blaisdell.
To stykker senere kom en duett av tradisjonell Bharatanatyam , “Nandi Chol” (koreografert av Shejith Krishna og danset av Revat Masilamani, Soumya Rajaram) - like slående, men likevel på en annen måte. Autentisitet kom gjennom utsmykkingen av kostyme, elegant holdbarhet og ren kommando av posering og overganger. Denne kritikeren er ikke helt kjent med teknikken, men det virket som om de aldri falt ut av trinn. Det var en fantastisk harmoni av skarphet og mykhet.
Publikumsmedlemmer kunne også lære små ting om den klassiske danseformen og dens tradisjonelle kjole. Vi kan for eksempel innse at klokkespillene var fra ankler med bjelker. Små cymbaler kan være plassert ved buene på føttene. På denne måten var stykket både lærerikt og underholdende - og ingen av dem måtte forringe den andre.
Kristin Wagner og Tony Guglietti i ‘fold’. Foto av Olivia Blaisdell.
kald lilje
Tony Guglietti og Kristin Wagner åpnet andre akt med 'fold'. De satt ved et usmukt kortbord. Humørsettende instrumental pianomusikk startet, “3 312 ″ av Mike Wall. En frem og tilbake, en kamp om viljestyrke, begynte - åpne håndflater og underarmer beveget seg bare for å bli fanget i de andre håndflatene og underarmene. Tidspunktet deres for disse handlingene, som blokkerte bevegelsen til den andre, var upåklagelig. De snek seg snart rundt bordet, i beredskap, og byttet seter. Hun rykket ut bare for å få ham til å feste ryggen til bordet. Så reiste hun seg på den - sterk, spenstig, ubeseiret. Hun falt i en rett linje, og han tok henne.
Dette skjedde noen flere ganger - falt fra knærne, buet tilbake til bøyd kne - aldri med et snev av frykt eller nøling fra Wagner. Med dette var det en ømhet som undergraver alle synspunkter på ham som en skurk - og til og med den motstridende naturen til deres forhold som til å begynne med virket så åpenbart. Det var langt mer komplisert enn det. Og så er kjærlighet og ethvert nært forhold det. Wagner og Guglietti snakket til alt dette med eleganse og nyanse, alt innen enkel bevegelse og struktur. Det var en poetisk økonomi. De tilbød også noe som ble universelt i sin spesifisitet. Mye av den beste kunsten virkelig er.
timmy tykt kjønn
Deepa Srinaths ‘A Padam and a Thillana’. Foto av Olivia Blaisdell.
En annen Bharatanatyam stykket kom neste, “A Padam and a Thillana” av Deepa Srinath. Hun begynte med en muntlig forklaring av de to grunnleggende formene for den klassiske dansestilen, historiefortelling og ren bevegelse, og at hun ville tilby et segment av hver i sitt arbeid. Kanskje dette hadde vært nyttig før det første stykket i stilen, men det var likevel nyttig. Musikken var også litt mer modernisert enn i første stykke, og stilen hennes litt mer teatralsk - likevel virket det hele ganske autentisk. Bevegelsen hennes var presis, men likevel full av letthet, og vognen hennes kongelig og stolt. Sammen med det første stykket kunne publikum se at det er mye denne klassiske danseformen kan være.
Rebecca McGowans ‘Slip Jig’. Foto av Olivia Blaisdell.
Et irsk step dance-stykke kom to danser senere, “Slip Jig” av Rebecca McGowan. Hun tilførte hvert trinn med lett glede og matchet den samme kvaliteten i smilet hennes. Hun spiste opp sceneplass og reiste på alle forskjellige diagonaler og linjer. Ser man nøye, kunne man se spennende og uventede små aksenter - som å snu hælene utover. Hun var presis med alt dette fotarbeidet, men likevel full av den gledelige lettheten. Hun tilbød mye å glede seg over, enten gjennom et nært eller generelt blikk på dansen hennes. Stykket var et annet lag på publikummers potensial for å begynne å se hvor mye dans kan være.
Deretter kom en solo fra Juliana Utz, “The Valley of the Shadow”, danset av Melenie Diarbekiria - basert på ballettteknikk, men likevel med en moderne kvalitet på frigjøring og jording. Hun hadde på seg sko, men likevel dominerte løftet fra dem ikke stykkets bevegelse eller følelse. Det lange, bølgende røde skjørtet tilførte størrelse og dimensjon til de sterke forlengelsene hennes. En rufsete, langermet hvit skjorte tilførte klassisk eleganse.
Melenie Diarbekirias ‘Shadow Valley’. Foto av Olivia Blaisdell.
En følelse av spenning og konflikt var også til stede - gjennom flerretningsfraser, hennes skarpe aksenter (ispedd mykere bevegelse) og dramatisk levering. Vi visste ikke kilden til spenningen, men følelsen er absolutt relatert. Det var et annet lag av hva dans kan være for publikummere å oppleve.
Det siste stykket, 'Here', koregrafert av Brenna Bannister og danset av et syvdanser-ensemble, avsluttet showet på en tone av glede, vennskap og enhet. Det begynte i par, hvert medlem av paret vendt mot det andre. Lyse popmusikk og skjorter i forskjellige farger like lyse, gjorde scenen til en regnbue. En god del unisont bevegelse, i jazz-vokabular fylt med moderne flyt, passer godt inn i denne energiske stemningen. Sprang fløt, utvidelser eksploderte, og fotarbeid var skarpt. Alt dette syntes å være en modernisering av jazzdans, en som syntes å være tro mot den klassiske formen - som mye samtale i danseverdenen har vært rundt å finne.
Brenna Bannister’s ‘Here’. Foto av Olivia Blaisdell.
De beveget seg ut av parene og gjennom andre slående formasjoner - for eksempel å legge ut på hverandres ryggrader i en sirkel, hver tilby og motta støtte. De avsluttet stykket på samme måte, men likevel på linje. En sluttlyrikk av sangen understreket denne følelsen av støtte - 'I'll be here for you!'. Med alt det tilbød, var stykket bare en lysere, unik søm på det enorme, mønstrede veggteppet at det er dans, i all sin mulighet. NACHMO Boston gjorde dette klart for alle publikum - erfarne dansentusiaster, førstegangs-seere og alle i mellom. Hvis de kommer tilbake til teatret, er det ubegrenset hva de kan glede seg over!
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
