Av Rebecca Martin.
Snakk om å åpne en ormekanne. Med utgivelsen av Jennifer Homans ’bok Apollo’s Angels , som kartlegger ballettens historie, har kommet en flust av debatt om epilogen som er inkludert på slutten av boka. I den antyder Homans at balletten enten er død eller døende. En slik uttalelse vil sikkert inspirere til et svar fra både ballettelskere, dansere og studenter om det svaret er en klok nikk av enighet eller en rasende tilbakevisning.
'Etter mange år med å prøve å overbevise meg selv om noe annet,' skriver Homans, 'Jeg føler meg nå sikker på at balletten er døende.'
Kjernen i Homans argument fokuserer på ideen om stykker som George Balanchine Moro nr. 15 har blitt trivielle og ikke lenger har evnen til å flytte publikum. Mens mange kunstverk ikke klarer å overleve tidens gang, i tilfelle av klassisk ballett og moderne ballettstykker som har vart i flere tiår og fremdeles fremføres og nytes til i dag, er det ikke stykket som har blitt trivielt. Det er publikums eksponering for nyere verk, større teknikk og mer imponerende iscenesettelse av produksjoner som har endret måten vi ser på de eldre verkene. Koreograf, danser, ballettmester og regissør Robert Kelly sier, “å si at ballett er døende er det samme som å si‘ klassisk musikk er passe ’eller‘ surrealisme er død '. Det er en kunstform med en fantastisk arv og en rik historie ”. I likhet med populære sanger eller moteuttalelser som var en stor hit ved utgivelsen og nå er en kilde til latter og for det meste er glemt, vil mange ballettstykker bli hyllet ved premiere og like raskt avskjediget fra minnet. De vil bli datert og banale. Ikke hver produksjon vil bli en klassiker, og heller ikke vil hver forestilling være minneverdig.
Australian Ballet fremfører The Possibility Space av Nicolo Fonte. Foto Jeff Busby
Den australske ballettens kunstneriske leder David McAllister føler at balletten lever og har det bra. “Det er så mange selskaper over hele verden som lager et utall nye verk som utforsker ballettteknikken og bruker den på helt nye og innovative måter. Produksjoner av ballettkanon fra 1800-tallet oppdateres og presenteres ved hjelp av teknologi og teknikker fra det 21. århundre på måter som gir nytt liv for dagens publikum. Unge dansere deltar fortsatt i ballettklasser over hele kloden, og dans blir sett av et stadig voksende publikum takket være en online verden av Facebook, blogger og Youtube. ”
Marley gulvrens
Teknologi gjør det mulig for mindre prosjekter å komme i gang, motta eksponering og finansiering. Der ballett en gang ble sett på som en aktivitet for overklassen og underholdning for eliten, når ballettselskapene ut til yngre publikum og beveger seg med tiden. Imidlertid er de høye kostnadene ved å se et stort ballettkompani utenfor rekkevidden for mange familier, studenter og voksne.
Homans forsømmer å peke sin vurdering av ballettens vitalitet til dagens produksjoner som vekker publikum, utfordrer dansere og står opp for å gjenta forestillinger. Gitt, det er for tidlig å si om mange, om noen, av disse stykkene blir klassikere og vil sikre levetiden til kunstformen. Hun avfeier moderne verk direkte som 'gymnastikk eller melodramatisk overskudd', noe som tyder på at bare gamle tutuballetter har noe sted i dagens klima. En slik oppfatning høres veldig ut som den samme kritikken som ble kastet mot tidlig rock and roll eller Allen Ginsbergs revolusjonerende dikt Hyle. Banebrytende kunst vil alltid ha sine kritikere, og det vil alltid være et element av justering når dansen beveger seg fremover. Det beste gjør det enn å forbli stillestående og forsvinner i glemmeboka.
Visst er ballett en strukturert kunstform, og det kan bare være så mange variasjoner før den slutter å være ballett, mens andre former for dans som hiphop eller jazz kan ta mange forskjellige former og forbli tro mot opprinnelsen. Dette er ikke en kritikk, snarere en observasjon. Ballettens struktur gjør at den kan forbli konsistent over tid og ikke falle i oppløsning. Når det er sagt, for å holde nye og yngre publikum som er utsatt for et så stort utvalg av medier for underholdning interessert i ballett, er det viktig at kunsten omfavner teknologi og bruker dens forskjellige former for å engasjere mennesker. Når holdningene våre endrer seg til underholdning, må også selve underholdningen utvikle seg. McAllister ser at balletten fortsetter å «utvikle seg og utvikle seg for å reflektere miljøet vi lever i. I hver generasjon er det mennesker som innoverer og bringer nye ideer og ny energi til balletten. Verkene deres legger til kanonen, og mesterverkene deres blir fremtidens klassikere. Selv om det er viktig å opprettholde og presentere fortidens store verk som er grunnlaget for balletten, er det like viktig å utvikle og pleie koreografene i dag for å holde utviklingen av vår kunstform livlig og levende! '
Julie Kent og Marcelo Gomes fra American Ballet Theatre i Romeo og Juliet. Foto Rosalie O'Connor.
Ballettselskaper bruker mer motefokusert reklame med lyse farger, og en spenning på en klassisk tradisjon. For et par år siden hadde San Francisco Ballet bildet av to dansere som kysset bak på en konvertibel bil på salgsfremmende plakater. Mange barer og butikker satte opp plakatene, som for dem var den første danseplakaten de noen gang hadde vist. Den australske ballettens dansere kan ofte sees mellom sidene i motemagasiner, i tillegg til sport og andre publikasjoner. Tanken er å presentere ballettdansere som sexy, vitale og moderne, i motsetning til det utdaterte bildet av dem som tett, endimensjonalt og gammeldags.
Til tross for dette har ballett fortsatt begrensninger i dette moderne klimaet. Som Sarah Keough fra Washington Post skriver: “Pengeproblemer tynger ballett som en stein rundt halsen: lønn, husleie, kostymer, tåsko, forsikring, musikere, lagring og så videre. Gjeld er en stor faktor i all konservativ programmering der ute. Men hovedproblemet er dette: ballett lider av en alvorlig mangel på tillit som bare blir mer og mer lammende. ” Hun fortsetter med å si, 'det er ingenting kjedeligere enn trygg, pen kunst. Ingenting føles mindre relevant. Ballett må tenke større. Ja, pengene er stramme, men ballett her har fått seg selv i trøbbel ved å streve etter operahusets prestisje uten de mer stabile budsjettene til sine europeiske kolleger. For å overleve inn i fremtiden, tror jeg det gjennomsnittlige ballettselskapet ville gjort det bedre å redusere, sikte på spenning, røre i potten - og slippe ballettene i full lengde, som er bedre overlatt til de få større, rikere operasjonene.
Alexei Ratmansky øver med New York City Ballet. Foto Paul Kolnik
Det er imidlertid ikke alt undergang og dysterhet for ballettelskere. Med koreografer som blant andre Twyla Tharp, Christopher Wheeldon og Alexei Ratmansky, som skyver grensene for ballett og skaper verk som blander abstraksjon med klassiske linjer, forblir ballett en levende, pustende kunstform. En skarp utelatelse fra Homans 'vurdering av moderne ballett er den amerikanske koreografen William Forsythe som snudde balletten på hodet på slutten av 1900-tallet og utfordret dansere teknisk og publikum intellektuelt.
Folket forteller oss at ballett er like viktig og populær som alltid. McAllister opplyser at publikum for The Australian Ballet vokser hvert år, med abonnementsrater den høyeste de har vært siden begynnelsen av 1990-tallet.
Landestheater Coburg Ballet Master og internasjonal danser Griffin Doug antyder at pulsen på ballett er sterk i Europa. “Jeg ser (ballett) som den eneste” high-art ”som man kan stole på for å bringe konstant hus. Med unntak av kjente musikaler er danseprogrammer det normalt trygge alternativet for en teaterintendant. Hus kan ikke bli utsolgt hver natt, men forestilling for opptreden over en sesong selger dansekveldene flere seter enn andre forestillinger. For McAllister, 'handler det imidlertid ikke bare om setetall (men) mer om å gi publikum en hel ballettopplevelse.'
Som Doug påpeker, har ballett den viktige fordelen av å være et universelt språk som gjør det mulig for en produksjon å krysse kloden uten barrierer for kommunikasjon. Og som alle dansere kan bevitne, kan en ballettklasse tas på hvilket som helst språk hvor som helst i verden med liten eller ingen forvirring. Dansespråket er det samme uansett hvor du går. “Av alle sjangere for liveopptredener er ballett den mest tilpasningsdyktige for endring. Dans utføres lett i store og små husinnstillinger, også i improviserte og nøye innøvde produksjoner. Dans kan utføres med full symfonikompagnement, men godtas også av publikum med forhåndsinnspilte lydspor. Langt fra å være en døende kunstform eller en museumskunstform, er dans levende og vel. Det er den mest tilpasningsdyktige av kunstformer med bredest mulig publikum. '
Balletten i seg selv er grunnlaget for alle andre former for dans. En jazzdanser med klassisk teknikk er oftere enn ikke langt bedre enn noen uten ballettopplæring, og det samme kan sies for musikkteater, kabaret, tap og til og med hip hop-dansere. Med den økende populariteten for dans takket være overflod av TV-serier, filmer og filmklipp som viser den brede appellen, mangfoldet og dyktigheten til kunsten, går ballett ikke noe travelt.
Toppbilde: Aurelie Dupont & Herve Moreau fra Paris Opera Ballet. Opphavsrett Anne Deniau
anbefalt for deg
