Mesma Belsare i 'Shilpa Natana'. 21. - 27. september 2020.
Streaming på YouTube .
Som danseskribent og noen som er dypt gjennomsyret av mange forskjellige dansesamfunn, hører jeg om mange forestillinger. Jeg kan ikke se dem alle. Likevel, noen ganger fanger et ytelsesopprykk meg - i et innlegg på sosiale medier, en e-post jeg nesten ikke har lest eller en omtale fra en venn. Selv om jeg føler meg for opptatt til å delta (eller i disse dager, se det via film), får jeg det til å oppleve forestillingen. Jeg er nesten alltid så glad jeg gjorde det. Det minner meg nesten alltid om at det ikke er mangel på fantastisk kunst der ute, et produkt av fantasifulle og hengivne mennesker som setter seg der ute i verden. Det er som å finne en skatt på et forventet sted hver gang.
Indo-American Art Council 2020 Erasing BordersFestival var akkurat alt dette for meg. Den inneholder klassiske og moderne indiske danseartister hvert år, og årets festival måtte naturligvis være virtuelt . På så mange nivåer føltes det for meg at festivalen slettet grenser - grenser til mine egne typiske interesser som en dansentusiast, grenser til måter vi vanligvis tar på denne festivalen og andre, kulturelle grenser gjennom eksponering for kunsten til en annen kultur, og mye mer.
Vishwakiran Nambis samtidige verk Bål var det første verket av festivalen jeg så på. I filmen som ble vist før filmen av verket, forteller om film av ham som danser, diskuterer han hvordan opplevelsen hans kunst skaper for seerne, er mye viktigere for ham enn noen spesiell betydning som de kan ta bort. Mysteriet og estetiske sammenløpet av dette verkets begynnelse vitner om den interessen og perspektivet. Resonante toner ringer gjennom mens dansere sakte går på scenen - flettet sammen på uvanlige måter, støtter andre dansere og blir støttet av dem. En gang i formasjon, bevegelseskvalitet og timing tar et 180 graders skifte til frenetisk og rask.
Vishwakiran Nambi.
ted shawn teater
Denne spenningen mellom forskjellige timing og kvaliteter er utbredt i mye av arbeidet. Sammen med dansernes anlegg, stemningsfulle belysning og fristende rytmer i partituret, bringer det meg inn i den opplevelsen. På en dypere måte er det en utførelse av selve opplevelsen, livet er en reise på utallige spekter mellom motsetninger.
En annen utbredt spenning i arbeidet som jeg kan se i arbeidet, er den mellom individet og kollektivet, og individer i kollektiv støtte (eller ikke støtter) hverandre og kollektivet selv. Mye av tiden beveger danserne seg unisont - gestikulert, jordet, men også med løft oppover og utrolig rytmisk. Enkel tråkk og mer kompleks gest skaper til og med en estetisk harmoni som nesten er trance-aktig. Andre ganger snakker partnerskap og soloarbeid - gjennom former og manipulasjoner av fysiske lover som jeg ikke tror jeg noen gang har sett før - til handlinger for å overmanne andre, støtte andre og bevisst stå i opposisjon til den kraftige strømmen til de større gruppe.
Danserne går i enstemmig rytme mot oppscenen, og lysene og musikken forsvinner til stykket avsluttes. Deretter følger en annen kortfilm som deler mer sammenheng rundt arbeidet, gjennom korte intervjuer med danserne og Nambi. Koreografen forklarer betydningen av tittelen, som en referanse til den åndelige praksisen med å gå over hete kull. Han er fascinert av ideen om at folk skal gjennom en utrolig kamp for løftet om et bedre liv eller en drøm, forklarer han, og hans egne kamper og de av danserne hans mot det de søker var kreativt fôr for stykket.
Dansernes opplevelser og refleksjoner er også spennende å høre - for eksempel at den rytmiske naturen til verket har paralleller til Bharatanatym , tilpasse seg den unike stilen og legge til sin egen innflytelse gjennom den kreative prosessen, og måtene å jobbe på stykket ble legitimt livsforandrende for dem. På den annen side ser dette høye nivået av kontekstualisering ut til å stå i spenning med ideen om å vektlegge publikumsopplevelse fremfor mening - og generelt føler jeg alltid at det er noe å si for å la nok ukjent til at publikum kan komme bort med sin egen veldig personlige mening og opplevelse av arbeidet. Likevel, på et intellektuelt og erfaringsmessig nivå, er det veldig hyggelig for meg å høre stemmene til disse kunstnerne og om den overbevisende kreative prosessen bak Bål .
Deretter ser jeg et Bharatanatym-verk danset av Mesma Belsare og koreografert av Maya Kulkarni. På scenen og spotlight begynner Belsare krøket, lite plass og beveger seg sakte og omtenksomt. Hennes klassiske kostyme av gull og rødt - armbånd, ankelklokker, hårdressinger - gir henne en kongelig følelse. Klassisk indisk instrumentalmusikk følger med henne - og tilbyr energi, glede og følelsesmessig dybde gjennom tonalområdet. Gest, fysisk posisjonering og ansiktsuttrykk ser ut til å fortelle en historie. Jeg snakker ikke det fysiske språket i denne eldgamle danseformen, og mens jeg ser på henne, vil jeg være i stand til det. Likevel forteller hun tydeligvis en historie og er tydeligvis fengslet av historiefortellingen som utøver, som alltid er hyggelig å oppleve.
sylfidballetten
Mesma Belsare i ‘Shilpa Natana’. Foto av Gajen Sunthara.
Bevegelser som å sirkle armene horisontalt, som om de rører en tallerken som steker på en komfyr, formidler husholdning. For å avslutte, strekker hun seg opp - armene i et “v”, blikk mot himmelen - og vi ser magen hennes bevege seg med det hurtige åndedraget til hennes fysiske arbeid. Jeg elsker de øyeblikkene når dansere finner stillhet etter å ha trent, og vi ser pusten deres jobbe hardt slik de har investert kropp og ånd i arbeidet er så vakkert klart i de øyeblikkene.
Når hun når stor, tar hun plass akkurat som hun gjør oksygen - sterk og stolt i hennes nærvær. Uansett hva som kan ha skjedd i denne historien, betyr det nok for meg. I diskusjonen etter showet diskuterte både Belsare og Kulkarni hvordan dans, deres interesser i musikk, bevegelse og billedkunst kom sammen. Denne kjærligheten til dans som en sammenløp av sansegaver er ganske tydelig i det dynamiske, tilfredsstillende arbeidet. Kulkarni diskuterer også forskjellen mellom bare å fortelle gjennom dans og virkelig å legemliggjøre historien gjennom uttrykk og fysisk engasjement. Belsare eksemplifiserer sistnevnte - en viktig del av hvorfor arbeidet fengslet meg, tror jeg.
Til slutt ser jeg på Det er en ny begynnelse , med koreografi og konsept fra Divyaa Unni og vokal / musikk fra Bhagyalakshmi Guruvayur. Det er en nydelig forening av bevegelse og musikk i minneverdige uterom. Unni’s klassiske gester og fotarbeid er presise, men ikke stive. Guruvayurs vokal er like trygg og dynamisk. Energien er positiv og gledelig mens hun forteller en historie gjennom bevegelse, en vakker del av Bharantanymas en kunstform.
xosha roquemore høyde
En del av meg ønsker å kjenne historien i seg selv, men det er noe å si for at kunstformen presenteres i sin sanneste, mest autentiske form - og hvem jeg er skal jeg be om noe annet. Energien skifter på et tidspunkt til noe tregere og mer kontemplativt. Bevegelsene hennes blir mer indikasjoner på vanlige handlinger: å spise, lage mat, hilse på noen. Denne endringen gjør handlingen av fortellingen mindre ugjennomsiktig for meg.
Divyaa Unni. Foto av Jamesh Kottakkal.
Neste skifte innebærer at hun flytter til stadig mer moderniserte, stadig mer menneskelig påvirkede steder - en park med beskjærte trær, på baksiden av en bygning med parkeringsskilt, og til slutt et urbane gatehjørne der hun hører skudd. Da huk hun av frykt. Foran et tregjerde danser hun med vold og intens fokus effekten av det hun har hørt og sett ser ut til å ha gått dypt inn i bein og sener.
jesse og jeana alder
Hun kommer tilbake til elvebredden der hun startet, tilsynelatende lettet og glad for å være tilbake i trygg forbindelse med naturen. Den siste delen av filmen har henne til å danse - med klar intensjon og lidenskap - i et vidåpent felt, skyskrapere i bakgrunnen. Hun ser ut til å ha funnet en slags balanse mellom det rå naturlige og menneskeskapte. Rommets belysning og stille ro fremkaller en nylig funnet harmoni.
For å avslutte, hendene kommer til hjertet hennes, og hun kriker seg lavt. 'Shanti, shanti, shanti,' synger Guruvayur - 'fred, fred, fred.' Unni og hennes medfølgende kunstnere ser ut til å tilby en bønn for menneskeheten - om 'en ny begynnelse' der vi, etter COVID, bygger tilbake en verden som er bedre for oss alle. Jeg blir ettertenksom, berørt følelsesmessig og inspirert til å bevege meg - bevege min egen kropp og bevege meg for en bedre verden. Slike skatter finnes på uventede steder, så hold øynene åpne. Du vil ikke angre.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
anbefalt for deg
