Dana Tai Soon Burgess Dance Company's 'A Tribute to Marian Anderson'. Foto av Jeff Malet. Smithsonian National Portrait Gallery, Washington, D.C.
3. februar 2020.
Motstand kan komme i form av stille, grasiøs styrke - i utholdenhet, oppfinnsomhet og grus. Det kan således være harmoni og nåde i å bekjempe urettferdighet. Disse egenskapene skinner gjennom livet til Marian Anderson, noen jeg ikke visste om før jeg lærte om denne forestillingen. Hun var den første store afroamerikanske operasangeren som fikk fremtredende her i landet. Veien dit var ikke så lett som hun møtte utrolig rasisme, til det punktet at hun ble nektet tilgang til flere forestillingssteder. Hun lot det imidlertid ikke komme i veien for å gjøre det hun elsket og dele talentet sitt.
Da hun for eksempel ikke fikk opptre på et prestisjetungt sted i Washington D.C., sang hun på trinnene til Lincoln Memorial - “My Country T’is of Thee”, ikke mindre. Symbolikken her er slående og kraftig. Dana Tai Soon Burgess Dance Company (DTSBDC) portretterte det, sammen med Andersons grasiøse, vedvarende motstand, med klarhet og kommando. Burgess signaturbevegelsesstil, en vakkert frigitt form for klassisk moderne dans - sammen med å bygge en klar, stemningsfull atmosfære - bidro til å bygge den skildringen.
Det Washington D.C.-baserte selskapet oppdrag er å 'lage og utføre nye moderne dansekoreografier som utforsker personlige og kulturhistorier ... [som] belyser de grunnleggende opplevelsene, behovene og ambisjonene som er integrerte deler av alles liv.' Burgess er Smithsonian sin første noensinne Koreograf i bosted . Han skapte dette verket som et svar på utstillingen på National Portrait Gallery for å hedre Anderson, 'One Life: Marian Anderson' (2019, kuratert av Leslie Urena).
Dana Tai Soon Burgess Dance Company’s ‘A Tribute to Marian Anderson’. Foto av Jeff Malet.
En følelse av harmoni, holdbarhet og ærbødighet var tydelig helt fra begynnelsen av et svart-hvitt bilde av Anderson i nydelig, lang svart kjole fylte scenen som en forhåndsinnstilling. En sanger, Millicent Scarlett, kom inn. Stemmen hennes var full og dypt resonant, og ga 'My Country T'is of Thee.' Jeffrey Watson akkompagnerte henne på pianoet. Dansere sirklet rundt henne og beveget seg i kanon. Noen gikk med tilstedeværelse og noen danset flere tekniske trinn, og tilførte et element av motstand for å gjøre den harmoniske følelsen mer dynamisk. Brahms-komposisjoner fulgte dem mens de danset.
Danserne ble snart parret for flere ballroom-inspirerte bevegelser og klassiske moderne dansebevægende bilder, som alle var minneverdige. En kvinne sprang fremover og en mannlig partner tok en arabasque bak seg, og skapte feministiske bilder som varmet hjertet mitt. Et løft over hoften til en sving ble armene senkende, parets hender møttes sakte. Et teknisk øyeblikk flyttet inn i en tilfredsstillende klar og enkel en her, en av holdbarhet og respekt.
Denne sekvensen kom tilbake på visse punkter og ble grunnstøtende i gjentakelsen. Denne sekvensen og andre bevegelsesuttrykk som ble gjentatt i koreografien, ble ikke foreldede fordi nyanser i dem var friske hver gang. Denne tilnærmingen skapte også en utførelse av bro- og korgjentakelsen i musikken, alt relatert til det aktuelle emnet, slik jeg så det - utholdenhet, grus og en stille styrke.
En duett reduserte opplevelsen som ble skildret for en gruppe, for to personer. Deretter følte bevegelsen seg dypere og mer åpenbart relasjonell. En trio av kvinner fulgte, mykere og mer feminin i bevegelseskvalitet. Et nydelig bilde av omsluttende armer mens danserne sto i en linje var estetisk tiltalende, i tillegg til en hjertevarm følelse av støtte og forbindelse.
En duett å følge som dykket inn i den mer tumultøse siden av romantikk, virket det. Jording dypt i lag føltes som å ta et standpunkt i ens vilje. Å bevege seg mot og bort fra hverandre i rommet føltes like. Det fikk meg til å lure på hva mer av den dype jordforbindelsen kunne ha ført inn andre deler av arbeidet energien for hånden var ganske vertikal og løftet gjennom mye av den. Gitt at løftet kvalitet føltes som en del av det som bygget den følelsen av verdig, stille styrke som kom over.
Senere i verket var det en pause i sangene, kanskje hadde gitt effektiv kontrast hvis det også ble gjort tidligere i arbeidet. På en annen hørbar tone kunne jeg høre danserens føtter glir, noe som gjør deres jevne bevegelse av overkurve og underkurver mer visceral og behagelig opplevelsesmessig for meg. Å bringe meg inn i arbeidet var også en klassisk og verdig estetikk. Belysningen var i en enkel, men likevel stemningsfull gulgrå. Kostymer var svarte og elegant klippet (av Sigrid Johannesdottir). Det hele skapte noe som føltes som et bevegelig sort-hvitt bilde.
Senere gruppeseksjoner skiftet til noe som åpning, sirkling og bevegelse som en vals. Det var imidlertid mer ekspansivt og teknisk, med ben som sisset gjennom luften i heiser og rene kamper til siden (stabil og klar i stedet for høye, kvalitet verdsatt over overmenneskelig fleksibilitet). Millicent kom tilbake for å synge “My Country T’is of Thee”. Lys senket på et tablå, og danserne snur seg mot det samme elegante bildet av Anderson. Det føltes som en overbevisende, fantastisk utformet ære for en kvinne som taklet urettferdighet og fordommer med utholdenhet, integritet og nåde.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
