Anmeldelser | April 2024

Alvin Ailey American Dance Theatre i Jamar Roberts '' A Jam Session For Troubling Times '. Foto med tillatelse fra Emily Kikta Peter Walker.

2-31 desember 2020.
Tilgjengelig gjennom www.alvinailey.org/performances-tickets/virtual-winter-season/watch-now .

I over 60 år har Alvin Ailey American Dance Theatre presentert dansekunst som løfter, inspirerer, utdanner og provoserer tanke - fra proscenium-scenen til dansestudioet til samfunnsbaserte omgivelser. Det er en stor del av hvorfor tusenvis av dans- og kunstelskere har kommet tilbake til det selskapet tilbyr gang på gang - gjennom tider med krig og fred, knapphet og mye, uenighet og harmoni.

Gitt den COVID-pandemien, ser det selskapet ser annerledes ut i år - påfallende nok også de 60^thjubileumsår for Alvin Aileys mesterverk Åpenbaringer. Likevel er det uten tvil ikke mindre meningsfylt og ikke mindre spesielt. Ingenting kan erstatte liveopptredener, men hva selskapet har tilbudt i sin den aller første virtuelle sesongen (noe historisk i seg selv) hadde sine egne kreative innovasjoner og måter selskapet snakker med sin egen stemme på.

Disse innovasjonene var spesielt fremtredende i de to originale verkene som ble presentert denne sesongen - Jamar Roberts ’ En jam-økt for vanskelige tider og Testamente av assisterende kunstnerisk direktør Matthew Rushing (i samarbeid med bedriftsmedlem og assistent til øvingsdirektøren Clifton Brown og det tidligere bedriftsmedlem Yusha-Marie Sorzano). Andre programmer i sesongen feiret 60 år av Åpenbaringer , undersøkte hvordan dans og sosial rettferdighet krysset hverandre, tilbød innhold i alle aldre for hele familien, og feiret to kompaniemedlemmer som gikk av med pensjon i år.

Aileys Renaldo Maurice, Courtney Celeste Spears og Chalvar Montiero som filmer Jamar Roberts ’‘ A Jam Session for Troubling Times ’. Foto med tillatelse fra Emily Kikta og Peter Walker.

Roberts ’ En jam-økt for vanskelige tider begynte med vakre bilder fra New York City. I voiceover delte en gentleman historier om livet til en jazzmusiker i byen. Skudd av musikere på taket sammen spleiset inn i Alvin Ailey-danserne foran Ailey Studios (skilting av “ALVIN AILEY AMERICAN DANCE THEATER” tydelig lokaliserte dem). Danserne - selv om de forble fysisk fjern - hadde noen øyeblikk av spenning over å se hverandre, og skiftet deretter raskt til bevegelse. Dette valget var humaniserende og hjertevarmende, spesielt i denne tiden med fysisk frakobling.

Bevegelsen var, med fare for å redusere noe så lagdelt og rikt, en legemliggjørelse av jazzmusikk: improvisere av et rudimentært element, riffing av hverandre, danserens energier som matet hverandres. Unison-bevegelse ble dominerende senere i stykket, men den improvisatoriske unikheten til hver dansers kropp og bevegelsessignatur forble.

Måtene bevegelsen skiftet og utviklet seg i løpet av stykket var også spennende, så vel som estetisk tilfredsstillende. Det begynte for det meste veldig kantet og veldig gestikulært jazzdans seg selv. (Og mye av ordforrådet er påvirket av jazzdans - for eksempel isolasjonsbasert og parallell). En mer krøllete og flytende kvalitet kom inn senere med bongotrommer som tok en melodilinje. Danserne fortsatte å legemliggjøre musikken gjennom friske tilnærminger som tangibiliserer musikk i kroppen, er ikke et nytt konsept, men dette arbeidet tilbød det på måter som jeg aldri har sett før.

Stykkets film og belysning holdt også den visuelle opplevelsen dynamisk. Kameraet førte oss inn i nærbilder senere i arbeidet, og da danserne beveget seg inn i en bakgate, lyste et gult lys dem. Med den nye belysningen kom en frisk fargetone over huden og kostymene - noe som dans på film gir uendelige muligheter for.

Dansernes ekthet og menneskelighet forbedret også opplevelsen av arbeidet. Det var en beskjeden og veldig menneskelig egenskap til hvordan de beveget seg sammen, like forbløffende virtuose som de var. Hver dansers personlighet fikk et øyeblikk i rampelyset, noe morsomt og gledelig å se. Fotgjengerklær i tråd med den klassiske stemningen i jazzklubben styrket denne følelsen. Sluttrammene gjorde det også, med danserne klappet, groovet sammen, og hver fikk noen øyeblikk på et solo-shot og navnekreditt. Selve verkets tittel er i den tonen og ånden: grei, finpusset og tilgjengelig. Verket er akkurat det tittelen forteller oss at det er.

bluegrass ungdomsballett

I en chat etter opptredenen diskuterte Roberts og kunstnerisk leder Robert Battle inspirasjonen til og konteksten av arbeidet. Roberts erkjente tiden vi er inne i, og kontrasten mellom det og stykkets humør. Han ser det som beslektet med ting vi gjør for å holde humøret oppe og få kontakt med andre på trygge måter - for eksempel på sykkelturer og til parken. Vi kan jamme i vanskelige tider og finne glede og kreativitet sammen. Diskusjonen eksemplifiserte den dypere forståelsen rundt verk som slike samtaler med koreografer kan gi.

Testamente , koreografert av Associate ArtisticDirector Matthew Rushing i samarbeid med Clifton Brown og Yusha-Marie Sorzano, var et stykke for å feire, ære og se fra en ny linse Aileys banebrytende arbeid Åpenbaringer i sin 60^thjubileumsår . Som Åpenbaringer , sentrerer verket en historie om å 'gjøre smerte til makt' og syklusen av 'klagesang til håp', sa —- i en samtale etter forestilling med de tre koreografene. De tre av dem - 'Team Testament', som de med glede delte i post-performance-chatten, diskuterte også hvordan delte historier og 'håndfast bevis' er sentrale ideer som formet arbeidet.

john molner alder

Alvin Ailey American Dance Theatre in ‘Testament’ av Matthew Rushing, Clifton Brown og Yusha-Marie Sorzano på Wave Hill PGCC. Foto av Travis Magee.

Stykket begynte med at folk flyttet sammen, og med et pust av en kvinne lyste et lys. Med flammen som døde øyeblikk senere, var det bilder av svart smerte og subgasjon - de som var intense å oppleve. Den første ensembleseksjonen fulgte det, med dansere på et blankt scene i en tett og lineær formasjon. Det var et lydbilde av vann og vind, av en storm på sjøen. Lysstråler lyste inn og belyste en ellers mørk scene. Partituren sang 'Hvorfor er jeg her? / Hva slags sted er dette? / Hva gjorde jeg for å komme hit? ” Jeg tenkte umiddelbart på Midtpassasjen, mellom Afrika og Amerika - hvor det uten tvil begynte alt.

Bevegelsen hadde rekkevidde og desperasjon, men andre ganger frykt og tilbaketrekning til seg selv. Stunder av stillhet og blanke uttrykk signaliserte mangel på håp og resignasjon til den nåværende skjebnen. Noen av de kraftigste ordforrådene var langsom unison bevegelse, en enkel heving av et ben over hoften mens du la på siden.

Den følgende seksjonen inneholdt to dansere, hver i et langt søkelys. Det var en høy grad av virtuositet i dype bøyninger, høye utvidelser og kraftige svinger. Likevel, det som føltes mest viktig, var det som ikke var der - mangelen på forbindelse mellom dem og mangelen på å bevege seg ut fra romene som spotlightene deres belyste. Partiturets enkle elektroniske toner forbedret denne følelsen av det som manglet. De beveget seg fremover og tilbake, signaliserte handling, men de klarte ikke å bryte disse barrierer og koble seg til hverandre. Det var helt til et bemerkelsesverdig punkt, da de for første gang så på hverandre - et øyeblikk som tok sin tid og gjenklang.

Bilder av undertrykkelse av svarte mennesker blinket igjen over skjermen, og etter motstanden mot den undertrykkelsen: av MLK Jr., protestskilt og å stå sammen mot truseltaktikker. Deretter fulgte en rørende ensemble-seksjon av dansere som beveget seg sammen med kraft, overbevisning og hensikt - bokstavelig talt fremover sammen. Vinkler i bevegelse formidlet styrke, mens kurver illustrerte tilpasningsevne og kompleksitet. 'Jeg er her / jeg er verdig' sang sangen - og alt om dansernes nærvær snakket sannheten.

Den neste delen var en solo for å virkelig røre hjertet - en kvinne som danser i sin kraft, men likevel med uro og problemer i kroppen og sjelen tydelig. Talen i partituret snakket om følelsesmessig foruroligende og ensomhet på det urolige stedet. Disse ordene minnet meg om at mens vi snakker og danser om frigjøring, er mental helse ikke noe å glemme.

Dansere sirklet rundt henne, som i støtte og beskyttelse, og talen skiftet til å være det om å være i hennes makt og gå frem i klarheten i hennes overbevisning. Blinkende over skjermen var bilder av svarte ledere og visjonærer - fra Frederick Douglass til Harriet Tubman til Rosa Parks til Malcolm X til James Baldwin. Til slutt så vi Michelle og Barack Obama så vel som visepresident Elect Kamala Harris. Hjertet mitt kunne ikke annet enn å hoppe.

Skuddet skiftet til utendørs, med en stor gruppe dans, nok en gang. Bevegelsen denne gangen var mykere, lettere og mer gledelig enn i den første ensembleseksjonen. Det var som om de ikke lenger måtte presse og slåss og bevise at de bare kunne være . Bevegelser smeltet til nye bevegelser, ryggrader bølgete, og energi strålte fra sentrum og utover kinesfheres.

Likevel forble det som er usikkert. Hoveddanseren så en annen kvinne i et skjerf og gikk mot henne, mens de andre danserne fortsatte å bevege seg - det var tilbake til åpningsskuddet. Jeg tenkte på hvordan historiens vekt ikke kan tappes helt - hva som har gått tapt, og hva som kunne vært, vil aldri bli gjenvunnet fullt ut. På den annen side er arven og styrken til de som kom før noe som også gjenstår.

I vanskelige tider kan påminnelser om slike sannheter - gjennom kunstens medium - bety mer enn noen gang. Disse verkene føltes som om de ble formet av disse tider, og tilbød også noe viktig for de som lever i disse tider, der av disse tider og til disse tidene. Interessant, kunst av og for en bestemt tid kan være den som gir gjenklang gjennom tidene. Jeg tror at disse verkene, og den større sesongen de ble presentert i, vil bli husket for hva de tilbød, da de tilbød det - en spesiell og prisverdig ting.

Av Kathryn Boland av Dance informerer.