Hee Seo i Jessica Langs 'Garden Blue'. Foto av Rosalie O'Connor. David H. Koch Theatre, New York, NY.
23. oktober 2019.
Å bevege seg, elske, spise, sove - det er handlinger som alltid har vært grunnleggende for å være menneske. Vi gjør dem alle på forskjellige måter, og har gjort det gjennom tidene. Dans - visceral, fortellende eller ikke-fortellende, uendelig estetisk tilpasningsdyktig - kan sette et speil på disse opplevelsene, slik at vi kan gå tilbake og virkelig se dem. American Ballet Theatre (ABT) presenterte verk fra tre forskjellige koreografer i dette programmet, som alle har et annet syn på de grunnleggende aspektene ved å være menneske, fra forskjellige steder på den menneskelige tidslinjen, alt i bevegelse. Resultatet var estetisk og konseptuelt meningsfylt, både i å være tankevekkende og hyggelig.
Danielle Cycl
James B. Whiteside’s Ny amerikansk romantikk var full av glede, lekenhet og estetisk harmoni. Whiteside er en ABT-rektor som begynner å bygge en koreografisk portefølje og unik stemme. Verket hadde først premiere på Vail Dance Festival 2019 (Vail, CO). Det var noe ganske moderne med følsomheten, men også noe ganske klassisk. Balansen mellom de to snakket om å bevege seg fremover i verden, men også holde fast på grunnleggende sannheter i verden og oss selv i den (individuelt og i forhold til hverandre).
ABT i James B. Whitesides ‘New American Romance’. Foto av Rosalie O'Connor.
Gardinet steg, og en fargepalett med lavendel og blues fikk meg til å føle meg mer fredelig og kontemplativ. Gruppen vokste etter hvert som dansere løp på scenen, til de traff en formasjon med dansere som vender fremover og stirrer intenst fremover. De løftet armene til femte en haut - enkel, klar, resolutt. Gruppen oppløste seg, en pas de deux som var i sentrum. En nydelig harmoni av musikk og bevegelse spilt ut, for eksempel en grasiøs forlengelse av et fremre ben fremover i en heis mens musikalske tonene bare ble avslørt.
Ytterligere seksjoner ville komme og gå, noen ganger følte de at de gjorde det litt raskt for meg. Noen ganger kan dvelende i en seksjon litt lenger, la energien bygge og publikum bli kjent med den og nyte den litt mer. Likevel hjalp denne raske skiftingen også til å bygge opp temaet og energien til å illustrere de unge, rastløse og livlige. Whiteside formet nydelig kanon og kontrast av nivåer for å fremme den dynamiske følelsen.
Spesielt en minneverdig trio av ballerinaer tilbød disse elementene, med en halv sving - benet forlenget 45 grader opp og frem - danset av de tre på tre separate teller, og senere ble en behagelig stilling holdt for noen få teller med dem på lav, midt, og høye nivåer. Gest ga i tillegg en følelse av enhet ballerinaer holdt hender mens de henrettet lave pique arabesker, og sammen krysset håndledd fra å holde armer i femte en haut.
Bygger på forskjellige punkter var forskjellige stemninger, fra musikkens kvalitet, bevegelse og dansernes teatralitet. En ballerinas solo tilbød litt mer spunk og sass enn verket tidligere hadde tilbudt. En trio med to dansere og en ballerina var mykere og litt mer kontemplativ. Tre dansere tok scenen for å utvise sin bravura og kraftige selvtillit. Alle disse forskjellige stemningene og synspunktene skapte et vindu til de forskjellige måtene som mennesker kan være i seg selv og sammen, bevege seg i rommet. For å avslutte, samlet en større gruppe seg i en sirkulær form, og fremkaller en jevn funksjon av et harmonisk system, selv med alle disse separate individuelle og kollektive måtene å være - fortid, nåtid og inn i fremtiden. Det hele føltes håpefullt og oppløftende.
Jessica Langs arbeid, Garden Blue , fulgte. På mange måter - estetisk, energisk, konseptuelt - føltes det som et Salvador Dali-maleri brakt til live i dans. En del av ABT’s Women's Bevege seg ment, et program for å pleie nye kvinnelige koreografer, arbeidet hadde premiere 19. oktober 2018. Det som først stakk ut for meg var avlange former som hvilte på scenen, samt å fly overhead (scenografi av Sarah Crowner). Noe om disse snakket til meg om de smeltende klokkene i Dalis ikoniske arbeid. Bakgrunnen i grønt, blått og hvitt snakket til meg om naturen.
Dansere hadde uniformer i alle forskjellige farger, og hjalp til med å bygge flerfarget fargepalett, en regnbue danset over scenen i større gruppeseksjoner med dansere spredt utover den. De ble befordret gjennom rommet og gikk i forskjellige hastigheter. Deretter begynte de å bevege seg med mer teknisk stilisering - i klassisk bevegelsesordforråd, men likevel med smeltende, 'ooyey-gooey' skift gjennom torso som minner om et mer moderne bevegelsesidiom.
Ser på denne bevegelsen, tenkte jeg på de krumme linjene i moderne malerier. Off-center former ble brakt en spennende asymmetri. Arm- og benforlengelser treffer musikalske aksenter på lokkende måter. Armene traff halvveis og helt opp sammen med musikalske notater. En danser spinner sin sittende partner, tærne hevet, som en lengre tone spilt.
Enten alt sammen eller i mindre grupper av kor, danserne holdt scenebildet i bevegelse på dynamiske måter.
En del av denne dynamiske handlingen var også hvordan dansere flyttet de avlange dødballene fra tid til annen, og skapte et nytt scenografi - og deri en ny visuell og energisk følelse. En annen del av den dynamiske handlingen her var hvordan timing og kvalitet ville skifte sammen med tonale og tidsmessige skift i musikken.
Innenfor disse skiftene begynte dansere å ta på seg personligheter og bli deres egne karakterer. Små teatermomenter begynte å spille ut. En av disse danserne hadde på seg hvite så vel som andre farger, noe som signaliserte for meg en integrering av disse andre karakterenes kvaliteter. Selv om det var øyeblikk av spenning som førte til det, brakte slutten harmoni og enhet i gruppen - integrasjonen av denne karakteren spilte i tid og rom. De estetiske og energiske og estetiske parallellene til Dalis arbeid bundet verket til en moderne tid etter verdenskrig for meg, men aspekter av det var utvilsomt tidløse. Den temporalspesifikke, men likevel flytende kvaliteten ser ut til å være en kvalitet med stor kunstspesifisitet, gjør den ekte, og flytbarhet får den til å føles mer universelt anvendelig.
Gemma Bond’s En tid det var førte oss tilbake til middelalderen, men hvis vi skulle se på det gjennom moderne fargede briller. Kostymer var i jordfarger, i middelalderlig stil, men med moderne preg. Belysning hadde en jordfarget tone å matche, som lyset på sen ettermiddag om høsten. Benjamin Brittens poengsum ekko rytmene og tonene vi forbinder med middelalderen, for eksempel en harmoni fra et cembalo - men modernismen stakk gjennom i visse atonale bøyninger og lignende mer moderne elementer.
hjerter samlet mot kreft
Cassandra Trenary og Cory Stearns i Gemma Bonds ‘A Time There Was’. Foto av Rosalie O'Connor.
Som i de to foregående verkene, skiftet i energiske og estetiske kvaliteter formet atmosfære og stemning - med klarhet og intriger. For eksempel oppløste en dramatisk fullstendig åpning seg til noe mykere som følelsen av en sekvens av mindre grupperinger. Karakterer begynte å utvikle seg gjennom teatermomenter, også som i det forrige arbeidet. Gest bidro til å skape disse øyeblikkene, mens mer teknisk 'stor' og tradisjonell bevegelse - som ekspansive heiser som jevnt ruller ned i gulvet eller lander i en vakkert løftet arabesk - opprettholdt dynamisk energi og visuell intriger.
Likevel fant jeg at dette arbeidet resonerer med meg mindre enn de to foregående verkene. Kanskje spesifisiteten i tid faktisk forringet min opplevelse av det, merkelig nok kanskje tankene mine likte å fylle ut blankene i stedet for å få den fulle teksten. Interessant nok så det ut til at Bonds slutt ga tid til en slik kontemplasjon på ens personlige tolkning som danserne gikk ut, en etter en, men scenen forble opplyst, og gardinet falt.
Med hva kan vårt sinn fylle scenen på det tidspunktet, farget av vårt perspektiv på hva som nettopp hadde skjedd der? Hvordan kan disse perspektivene forholde seg til det vi forestiller oss om karakterene vi nettopp møtte, og hvor mye for oss selv - og fellestrekkene mellom de to? Dans i rommet, i tid - fortid, nåtid og fremtid - kan føre oss til slik refleksjon, ofte på de tingene som gjør oss menneskelige. ABTs program denne kvelden gjorde denne sannheten ubestridelig.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
anbefalt for deg
