Anmeldelser | April 2024

Dolly Sfeirs 'Multiple Personalities'.

17. september 2020.
Online via Social Distancing Festival.

“Less is more” er en gammel maksimum i kunst (og i livet) mennesker har bare så mye sensorisk, mental og følelsesmessig båndbredde, og det å være forsettlig med bruk av båndbredden gjør ofte den mest morsomme og meningsfylte kunsten. I 2020, midt i en global pandemi, gjør spesielt to krefter denne ideen enda viktigere. For det første en mengde digitalt innhold kombinert med utrolig usikkerhet om retningen i vårt liv kan føles overveldende . For to, på samme tid, minner kloke stemmer oss om at dette kan være en tid til å bremse, reflektere og revurdere hva vi ønsker i livet vårt og hva som er viktigst for oss.

Hva betyr alt dette for dans? Med den triste og til tider frustrerende utfordringen med å ikke kunne koble til å opptre og ta inn dans i store samfunn, har dansekunstnere blitt kreative om hvor, hva og hvordan de presenterer arbeidet. Når vi utforsker nytt terreng om hvordan kunstformen vår ser ut og føles ut, virker 'less is more' nøkkelen. Pizarts ’ dansefilm, Rødt mellom linjene , under Creative Direction of Zoe Rappaport, eksemplifiserer denne tilnærmingen gjennom et enkelt og tydelig tema (den veldig stemningsfulle fargen på rødt), en kort presentasjon i en klar struktur og å gjøre det beste ut av trange rom.

En samtale etter showet tilførte ekstra kontekst til hver av de seks presenterende kunstnerne på ett minutts dansefilmer - hvorfor deres tilnærming interesserer dem, hvordan den utviklet seg, hvordan den kreative prosessen var og mer. Arbeidet skulle finne sted på scenen på Ailey Citigroup Theatre i løpet av juni, men måtte utsettes på ubestemt tid på grunn av COVID. De seks kunstnerne ble alle enige om å lage en minutts dansefilm i stedet for en proscenium-forestilling, som de skjøt under høyden av pandemien. Åpne lysbilder av filmen, i et visuelt oppsiktsvekkende design med rød bakgrunn og hvite bokstaver, deler denne bakgrunnskonteksten.

Darrell “Friidom” Dunn’s Beskjed begynner med at Dunn sitter, tverrbeina, hans mentale og fysiske fokus er påtagelig. Den knallrøde skjorten hans, mot en mørkere bakgrunn, har en lignende intensitet. Sannsynligvis resultatet av nøye filtrering og andre filmredigeringsmetoder, er det klart og innflytelsesrikt. Vi hører lave toner og en dyp kvinnestemme i partituret, og Dunn begynner å bevege hendene med kontroll og fingerferdighet. De beveger seg ut og deretter inn og gestikulerer. Bilder som stiger og to enheter som møtes er dekrypterbare og fascinerende.

burgunder dansekostymer

Dunn kommer til å bevege hendene i en sirkulær formasjon som om han holder en ball - til og med en energikule - i hendene. Hans fokus og intensitet forblir fengslende. Ordene i voiceover legger til et element av mystikk, til og med sjokk - kvinnen beskriver menneskehetens slutt og behovet for å slå seg sammen for å handle. Det føles som noe ut av science fiction (hun refererer til 'astronomer' med evne til å spå om menneskelig sivilisasjon, for eksempel).

Det røde av filmens tema er ganske passende her, det er en farge på alarm og advarsel (stopplys, sirener, lys fra alarmsystemer). Fortsetter med stemningsfulle bevegelser, gjør han små bevegelser som to fingre som beveger seg på toppen av hånden for å formidle handling. Behendigheten og fasiliteten til hendene hans, mysteriet i luften og den visuelle intriger har mye rikdom som skjer på ett minutt. Mot slutten blekner den røde skjorten til svart. Han bringer hendene gjennom en bønneposisjon og til slutt nedover fra kameravinkelen mens han bøyer hodet. Det er som om han har levert denne avgjørende advarselen og oppfordrer til å forene seg i aksjon, og nå er den ferdig.

I en tid som kan føles som kaos, kan en form for katarsis høre om en kamp i noen verden, en annen gang, av fantasi og fantasi. Hvor mye gjelder det nå? Hvor mye trenger vi å forene for å unngå det sivile samfunnets sammenbrudd? Det er fortsatt et spørsmål for betrakteren. De siste øyeblikkene i filmen ser ut til å kalle betrakteren til å i det minste ta grep om refleksjon, mens han stirrer på de bevegelige hendene siden begynnelsen, her ser han rett ut til betrakteren mens kameraet panner bort.

Linda Mason’s Gjenfødelse har stemmer som legger over to dansere som maler seg i rødt og beveger seg. Mysteriet føles tykt i luften. En base av rød maling har snart hvitt over øynene (dekker templer, øyenbryn og en del av nesen). Det er en knapt hørbar kvalitet på stemmene, noe som legger til mysteriet. Setninger som jeg kan tyde som 'hvis vi måtte være hjemme i en måned' og 'jeg hadde tørr hoste', forankret mysteriet i COVIDs tid. Andre lyder, som gitar og kirkeorgel, legger til kakofonien.

Og så treffer det meg - kakofoni er det som skjer her. I en tid med millioner av stemmer på tvers av nyhetsnettverk, publikasjoner og sosiale medier, kan alle stemmene samtidig føles som kakofoni. Å hevde sin stemme om spørsmål som berører oss alle er viktig og meningsfull, men opplevelsen av at alle gjør det på en gang kan absolutt føles som mye . Det kan få deg til å kaste enhetene dine og løpe ut i naturen, og kanskje til og med male deg selv med livlige farger i en handling av rå, brennende kreativ energi - som danserne her gjør. På et teknisk nivå minner verket meg også om hvordan det med film og støttende teknologier, hva dans kan være, er ubegrenset enn noensinne. Estetisk er det ikke min favoritt tilnærming til å oppleve, men betydningen er sterk.

Dolly Sfeir’s Flere personligheter kommer neste. Den har en klassisk følelse og postmoderne elementer på samme tid, en gammeldags fysisk teaterfølelse og 50-tallsmusikk møter moderne tilpasninger. I showets tema overlapper et rødt filter Sfeir. Samtidig gir hennes sprettlignende bevegelse en klype klang. Så blir en kvinne tre, alle like: en på døren, en på sofaen, en på kjøkkenet. Dette valget får meg til å tenke på når vi sier 'en del av meg (føler, tenker, osv.)' Det kan være konkurrerende krefter i sinnet og kroppen vår. Med en dynamisk tilnærming gir Sfeirs stykke mat til ettertanke, estetisk nytelse og rett og slett moro.

Damani Pompey’s Bedrager har et overliggende kamera, med det røde filteret på noen av stykkene. Vi ser danseren Kar’mel Small bevege seg i et trangt rom, så mye som det er mulig. Å nå høyt, bøye seg, snu, det er en følelse av at dette begrensede stedet er et privat helvete. En vask og forskjellige personlige gjenstander gir den følelsen av et boareal, hvis det er noe vanlig og usmukt. Jeg kan forestille meg at monotonen på dette stedet er daglig opplevelse og eksistens.

Poengsummen er litt atonale elektroniske toner. Det, sammen med den bundne, anspente kvaliteten til Smalls bevegelse, gir verket en skrekkfilmfølelse. I løpet av denne tiden med COVID, mens vi alle bruker så mye tid i inneslutningen av hjemmet vårt, er filmen sikker på at den er relatert og relevant.

Martina “Android” Heimann’s Distraksjon kommer neste. Hun har på seg hvitt, overlappet med showets røde filter. Det lange håret hennes er halvt opp, og gir en følelse av glamour. Kameravinkelen skifter til overhead mens hun snurrer. Det er en jentete glede til stede, en som kan dukke opp i livet til til og med kvinner i 30- eller 40-årene - ideelt sett!

Hun ruller kroppen sin, ser på seg selv i speilet og støtter ryggen mot døren. Vi ser hennes pointe sko, en tå spratt glamorøst. Disse øyeblikkene - kanskje før en date, kanskje en natt med bare følelse av selvtillit - er en del av noen kvinners liv, og kan være en del av hver kvinnes liv hvis våre sosiale strukturer og verdier støttet det. Likevel er rommet hennes også lite, noe som vitner om motstandsdyktigheten og gleden som noen kan finne selv innenfor inneslutning.

Rappaport’s Kunst vs galskap er det siste stykket. Kameraet filmer henne fra overhead, beveger seg fra å legge seg og stå. Det ser ut til å være et kreativt rom, med malt papir og andre kunstneriske materialer som ligger rundt. Noen ganger rykkete, noen ganger flytende, ser bevegelsen hennes ut til å uttrykke mange forskjellige følelser og fysiske opplevelser. Armene hennes, som gjør mye av bevegelsen, blir fokuspunktet for energi i rommet. Partituren, en slags treg og sjelfull R & B-sang, har dybde, men også på en eller annen måte en følelse av letthet og håp.

Det er en deilig følelse å avslutte filmen med. Rappaports arbeid føles som en folie til Pompeys til og med små rom kan inneholde glede, fantasi og kreativitet. Å forsterke den sansen, ettersom filmen slutter hvit tekst over et rødt bakteppe, sier 'bare vårt fysiske rom kan være begrenset // fantasien er og vil alltid være grenseløs'. I denne tiden er det et viktig, styrkende og sant budskap for danseverdenen og langt utenfor den.

Sangen som følger Rappaport fortsetter mens kreditter ruller, og fortsetter å dele letthet og håp. Det er noe vi kan huske langt utover å se på dette seks minutters film - og være sterkere, mer fantasifull og mer glad på grunn av det. Seks minutter og et tydelig, fokusert tema kan skape det. Mindre kan faktisk være så mye mer.

Ta en titt på livestream og diskusjonen etter showet her .

Av Kathryn Boland av Dance informerer.