Anmeldelser | April 2024

Brooklyn Ballet.

The Actors Fund Theatre, Brooklyn, NY.
13. februar 2020.

I denne post-postmoderne tid feires og kritiseres både det moderne og det klassiske. Alle stiler og kvaliteter er rettferdig spill for å utforske. Konvensjonene og verdiene som klassiske og moderne verk avslører - enten de presenteres sammen eller hver for seg - snakker til spørsmål som representasjon, privilegium og makt. Vi kan se hvordan kultur vår har endret seg og utviklet seg, og hvordan den ikke har gjort det. Brooklyn Ballet’s Revisjonistisk historie II snakket dristig på disse måtene, gjennom konsept og andre kreative valg.

marcia suzanne lawler

En restaging av det ikoniske Ikke fire inneholdt fire kvinner i farger (Paunika Jones, Miku Kawaruma, Christine Emi Sawyer og Courtney Cochran), en kraftig uttalelse om representasjon og rase i ballettverdenen og utover den. Deretter fulgte en kvartett med fire menn i farger som danset forskjellige stiler av hiphop - omtrent så forskjellig fra det originale romantiske ballettverket som man kunne få mens man fortsatt var i samme struktur. Natten lukket med Kryss , et verk som snakker til den moderne urbane tilstanden med konstant bevegelse og mangel på sant fellesskap - moderne ballett med en solid klassisk base.

Ikke fire begynte på det arketypiske tablået - nivåer, blikk og port de bras som er fantastisk laget for estetisk harmoni, samt en balanse mellom forbindelse og ensomhet for hver danser. Dansernes engasjerte fokus var umiddelbart tydelig. Kostymene deres hadde samme tema (i farger, designstil, materiale), men hver danser hadde på seg noe litt annerledes - noe som ga hver et konkret tegn på individualitet.

De beveget seg gjennom solo-, duett- og gruppeseksjoner, som alle tilbyr sin egen bevegelseskvalitet og estetikk. En danser var spesielt mild og tydelig. Den ene kom med en følelse av fokusert, aksentert angrep. En annen hadde en eller annen måte myk følelse av jordet. Nok en annen hadde en tydelig jovial, snill tilstedeværelse og en skikkelig bevegelse.

Det var flere svik i svinger, og jeg lurte på om koreografi kunne ha blitt endret for å forhindre dette. Det forringer den nydelige klassiske koreografien og den uforanderlige tilstedeværelsen til de fire danserne. På den annen side var det kanskje på grunn av stedets forhold - som for eksempel et glatt gulv eller belysning som gjorde det vanskelig å spotte.

I det store og hele tilbød danserne imidlertid dristig, hard individualitet samt harmonisk nåde. De var fullt innstilt på sin gruppe og sine partnere. Jeg kunne høre pointe skoene deres over scenen. Den strenge tekniske undervisningen sier at du ikke vil høre det, men denne effekten ga et annet hørelag som jeg likte. Alle formasjoner var strukturelt klare og visuelt morsomme.

Arbeidet endte på et tablå, som det begynte - de fire kvinnene som sine egne unike ånder, men i et gledelig, harmonisk fellesskap med hverandre. Jeg reflekterte over bildens kraft her, fire kvinner i farger som danser i et ikonisk verk, den ikoniske naturen spesielt hvit. Jeg lurte på hvilket fargebarn - eller hvilken som helst farge i alle aldre, for den saks skyld - som kom til showet, for første gang kanskje kunne se seg selv i ballett og bli inspirert til å sette på ballettleiligheter selv.

Kvartett fulgte det, med koreografi fra danserne og konsept fra Lynn Parkerson (Brooklyn Ballet’s Artistic Director). Fire menn i farger (Michael “Big Mike” Fields, James “J-Floats” Fable, Bobby “Anime” Major, Ladell “Mr. Ocean” Thomas) danset i en struktur som ligner på Ikke fire - hver i sin egen signatur under den større paraplyen til hip-hop bevegelse. En beveget seg i en 'bøyende' stil, bøyde og plasserte skjøter på måter som ikke virket menneskelig mulig. En “spratt og låst”, aksentert med styrke og deretter sluppet. Nok en anspent muskulatur i brystet, baken og armene på komiske, lette måter, som fikk publikum til å humre. Nok en annen hadde en jevnere, mer lyrisk stil, glatt vinket og strømmet gjennom leddene med beats.

Interessant, Ikke fire oversetter fra fransk som Kvartett . De begynte og endte i et tablå av varierte nivåer og former, akkurat som forrige stykke hadde. Som en variasjon på seksjoner i Ikke fire når danserne borret rundt i en sirkel, vendt utover, gjorde mennene det samme, men på flate føtter og vekslende nivåer med armene bøyd mot albuene (noe som var visuelt og energisk tiltalende) . Musikken begynte og endte med samme poengsum som Ingen Qu til rte , men mellom 'R & B' og hip-hop-melodier fulgte danserne.

Det var også mer humoristiske og teatralske øyeblikk i dette verket enn i forrige stykke, og understreket det økte stedet for åpen teatralitet i moderne, post-moderne og post-post moderne dans. Likevel, som det forrige stykket, stilte det spørsmålstegn ved klassiske og sosiale forestillinger om dansekunst gjennom å tilby et hyggelig, godt utført alternativ - bortsett fra å være i en veldig lignende struktur.

Kryss fulgte, et gjennomtenkt og godt utformet arbeid om den moderne urbane tilstanden med konstant bevegelse og mangel på ekte menneskelig forbindelse. Parkerson koreograferte dette verket. Dansere kom inn og ut, og skiftet gjennom parvise seksjoner. Lyd av meldinger fra MTA (New York City’s transitt-system) ringte gjennom teatret. Dansere hadde stiliserte hverdagsklær, hver i et litt annet antrekk (dog med noen lignende stykker og mønstre). Alle disse valgene og egenskapene smeltet sammen for å danne en illustrasjon av mennesker som er travle og raskt i bevegelse i et byrom.

Kvinnene hadde på seg sko og danset i en mer klassisk stil, mens mennene danset i mer hip-hop-stil. Parkerson oppfordret til lineære aspekter i begge bevegelsesstiler for å skape overbevisende partnerskap - for eksempel et motiv av menn med armene rett ut som støtte og deres partnere som arabesker bak seg. Andre ganger flyttet de overkroppene sine gjennom firkanter som mennene også laget med armene. Et annet minneverdig motiv var partnere som møtte hverandre og kvinnene som rullet opp til full pointe og deretter tilbake til flatt - enkelt, men rent, spennende og minneverdig.

Danserne fortsatte å bevege seg gjennom forskjellige formasjoner og grupperinger, de MTA intercom-meldingene spilte av og til. Når de ikke var det, fulgte live cello (av Malcolm Parson) og trommer (av Killian Jack Venman) danserne. De resonante tonene til disse instrumentene førte til en følelse av noe dypere under den ytre presentasjonen av pendlere i kjas og mas-modus, og de utallige sansestimuli som er til stede for byboende mens de pendler.

Dansere gikk ut individuelt og i grupper, og lysene gikk ned. Arbeidet ble avsluttet, men det hadde etterlatt en ny vibrasjon i rommet. Klassiske og moderne elementer i mening og estetikk hadde sammen satt virkelig inntrykk. Vi kan ære fortiden mens vi jobber for å rette opp skadelige feil, så godt vi kan. Kunst kan være et sted å starte.