Boston Ballet i George Balanchines 'Donizetti Variations'. Foto av Rosalie O'Connor, med tillatelse fra Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
23. mars 2017.
'Alt er rettferdig i kjærlighet og krig,' sier de. Man kan legge til kunst i det - det vil si at hvis kunstneriske tilnærminger er godt utformet og forsettlig, kan de ha verdi. Gitt de uendelige mulighetene til menneskekroppen og dens blanding med andre kunstneriske medier, gjelder det spesielt for dans. Noen dansekompanier viser den allsidige og målrettede måten å jobbe på som kan tillate dem å tilby arbeid i enhver kunstnerisk tilnærming, med nåde og stil. Med Wings of Wax , Boston Ballet demonstrerte nok en gang at de er et slikt selskap.
Boston Ballet i George Balanchines ‘Donizetti Variations’. Foto av Rosalie O'Connor, med tillatelse fra Boston Ballet.
Det første av tre verk på programmet var Donizetti Variations, en ganske klassisk stil George Balanchine re-iscenesettelse. Den visuelle estetikken til babyblå, hvit og rosa (for ballerinaene) kostymer og et matchende babyblått bakteppe bygde et harmonisk, behagelig grunnlag for dansen som kommer (kostymer med tillatelse fra Miami City Ballet). Casting av tre mannlige dansere og seks ballerinaer tillot ordnede formasjoner av trekanter, parlinjer og andre numeriske utforskninger. Hyppige skift i disse formasjonene, så vel som tempoet, førte til intriger og en følelse av moro til denne ordnede kvaliteten.
Karakteristisk for Balanchine-verk,allegrovar rasende hastighet. I merordtakseksjoner, linjer og utvidelser var flytende og pulserende av energi. En seksjon som inneholdt begge disse egenskapene inneholdt et av tre par der den første ballerinaen snudde, tilbød enarabeskoglutende, og de to andre parene fulgte henne. Også karakteristisk for Balanchine-verk var tunge-i-kinn-øyeblikk som antydet til postmoderne trender som metaanalyse (kunst som kommenterer seg selv) - inkludert en av en ballerina som tilsynelatende stikker tåen og sjekker hennepunktsko og på vei tilbake til sin plass i formasjonen. Et ganske klassisk verk generelt men mer moderne øyeblikk var absolutt rettferdig spill, og tilført gleden som stykket tilbød.
Det følgende arbeidet var navnet på programmet,Jirí Kylián’S Wings of Wax. Et øyeblikkelig fange øye var et opp-og-ned-tre med mange grener bare. Lav belysning og sorte kostymer bidro til en samlet strippet spartansk kvalitet. Et streifende søkelys som sirklet over hodet bidro til det overordnede mysteriet. Noen ganger kom danserne ganske nær de laveste grenene av det hengende treet, og hentydningene til fortellingen om Icarus og hans smeltende vinger var ganske tydelige. Likevel var disse hentydningene mer lagdelt og nyansert enn bare referanse, kanskje en omformulering av den gamle fortellingen for kompleksiteten i den moderne verden.
Boston Ballet i Jirí Kylián’s ‘Wings of Wax’. Foto av Rosalie O'Connor, med tillatelse fra Boston Ballet.
En del av den omramningen var referanser til kvalitetene til menneskelige interaksjoner. Dansere delte og motsto hverandres vekt, og manipulerte dyktig trekkene til kinetiske krefter. Par med kryssede håndledd hadde en danser tilsynelatende skøyter over marley i en lav, saftig plié, for eksempel. Det var både et trekk mot og motstand fra den andre. Uten noen sosial kommentar var denne bruken av vekt og tyngdekraft vakker å se. Det var andre slike nydelige setninger som kunne ha gitt kraftig sosial kommentar, men som er ganske verdifulle bortsett fra det.
Et slikt øyeblikk var med en gruppe dansere som sakte gikk på plass mens en annen danset atletisk og raskt foran og rundt dem. Vi beveger oss ofte i forskjellige hastigheter, og noen ganger savner vi hverandre. Men uunngåelig deler vi rom og tid. Likevel var denne delen virkelig noe å oppleve uten en slik tolkning. Arbeidet ble avsluttet på en lignende måte, med et mann-kvinnelig par som viklet rundt hverandre fra bryst til hode, brettet inn og deretter sluppet for å bytte side. De fortsatte å veksle sider med den bevegelsen mens gardinen falt. Det var en fortryllende slutt på opplevelsen, og også en potensiell rik på mening om livets sykliske natur og forholdet i dem. Stykket førte oss langt inn i det postmoderne riket enn det første våget å våge. Likevel tilbød hvert verk noe eget.
Det tredje og siste verket på programmet, Alexander Ekman’s Kaktus , var mer postmoderne ennå. Det meta-analytiske fokuset var tydelig fra begynnelsen, med kommentarer til måten klassiske og samtidskunstneriske krefter har en tendens til å kollidere, men kan deretter forene seg gjennom kompromiss og samarbeid. Musikere kom ut av skyggene mens dansere steg opp, beveget seg med spennende og ukonvensjonelleport de brasmønstre. Tåke steg fra skyggene og opp i de nedtonede lysene (lysdesign av Tom Visser). Denne mystiske atmosfæren var glad og energisk, snarere enn angstfylt. Kropps- og gulvperkusjon bidro for eksempel til en fengende rytme. Ekstremt atletiske bevegelsesuttrykk var like fengslende.
Andre øyeblikk på tablå ga en overbevisende kontrast til den frenetiske, atletiske bevegelsen. Et pittoresk øyeblikk, for eksempel, var et med alle danserne på kne, og nådde en arm ut i skulderhøyde mens alle så i den retningen. Det generelle nivået i verdensrommet steg da danserne løftet de hvite plankene sine, for å senke dem og heve dem igjen. Flere atletiske bedrifter prydet scenen da dansere hoppet opp og forsvant bak plankene sine. Betydningen ble utdypet etter hvert som fortellingen startet på nytt, og høyttaleren identifiserte disse hvite plankene som 'elfenbenspedaler' og refererte til hvordan kunstnere har levd på og gjemt seg bak disse pidestallene.
Boston Ballet i Alexander Ekmans ‘Cacti’. Foto av Rosalie O'Connor, med tillatelse fra Boston Ballet.
Med den rasemessige spenningen i Amerika i nyere tid, kan man ikke unngå å absorbere dette som en kommentar til hvordan kunsten - i tilgang til deres skapelse, utdannelse og seertall - er en del av den nødvendige dialogen om rase. Likevel styrte det hele fra for tøff, alvorlig eller proselytiserende. 'De er kaktusene,' hevdet fortelleren, med mange mulige tolkninger, ja, men bare uventede og tilsynelatende tullete nok til at publikum lo. Alt til side var skjønnheten til dansere som sakte gikk - som i en vandringsmeditasjon, i dårlig belysning - fantastisk. Danserne brukte deretter sine “elfenben piedestaler” for å lage det som så ut som frontflaten til en bygning. Rase som konstruksjon? Så man kan overbevise.
Likevel forble det hele lett nok til å holde seg kort av å kaste publikummere i en diskusjon om rase. Nøkkelen til at levity var en duett med to dansere som tilsynelatende var i repetisjon, og flere voiceover-fortellinger tilbød deres tunge-i-kinn-dialog mens de jobbet gjennom visse bevegelsesuttrykk. De to danserne motsto og brettet seg inn i hverandre like naturlig som å gå. Komforten deres i samarbeidet hjalp sannsynligvis publikum til å føle seg helt komfortable - komfortable nok til å le. Fra underholdning, til ærefrykt, til nysgjerrighet, til dypere tenkning, kan kunsten tilby alt. Og Boston Ballet er et selskap som har åpenhet og kunstnerisk kommando for å utforske alle disse mulighetene. Det hele er rettferdig spill.
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
