AAADTs Jacqueline Green og Solomon Dumas i Ronald K. Browns 'The Call'. Foto av Paul Kolnik. Lincoln Center’s David H. Koch Theatre, New York, NY.
15. juni 2019.
I dansemaking er det meningen med arbeidet som er tilgjengelig (skjønnheten i menneskekroppens bevegelse er en helt gyldig betydning). Det er også kunstnerens motivasjon - 'hvorfor jeg laget dette arbeidet', hvis du vil. De to er ofte nært beslektede, men kan likevel oftest analyseres. Både det å være tydelig og forsettlig kan skape noe virkelig slående arbeid. Også påfallende kan være hvordan disse varierte betydningene og motivasjonen kan komme sammen i et program med forskjellige verk. Alvin Ailey American Dance Theatres sommersesong på Lincoln Center fikk disse sakene til å bevege seg gjennom hjernen min som en syklon. Jeg opplevde verkene, men jeg følte meg bare fengslet og fornøyd.
Darrell Grand Moultrie ‘S En unse av tro åpnet programmet. En åpningssolo, full av besluttsomhet og kraft, hadde danseren i gruppen og deretter foran den. Gardinet falt bak henne da hun beveget seg forbi proscenium. Denne utviklingen begynte å bygge ideen om at individet skulle finne seg selv, men fra et fundament av støtte. Hun utførte et bevegelsesmotiv med kraftig resonans til betydningen av stykket - en langsom penché (kropp skrånende fra topp til tå, i 45 grader) og deretter en buet inn i benet inn i brystet. Det snakket med å ta det ”troens sprang”, å være dristig og å stole på - men også å komme tilbake til noe jordet og trygt fra tid til annen.
Gardinet steg på gruppen igjen, kostymer og belysning i lyse, glade farger (belysning av Mark Stanley, kostymer av Mark Eric). Bevegelsens størrelse og energi hadde samme lysstyrke og glede. Fotarbeid var raskt og variert, vanvittig, men ikke for mye å fordøye. Abstrakt gest blandet med mer teknisk bevegelse, sammenvevd, men tydelig - som farger i et billedvev. Det hele holdt seg energisk og mangesidig, soloer som førte til trioer og sirkler som førte til linjer. Så kom en seksjon som slo meg som nydelig og inderlig, men likevel mer effektiv strukturelt hvis den ble byttet ut med den delen som gikk foran den. Danserne beveget seg sakte, som gjennom melasse, mens voiceover poetisk beskrev kraften til noen som har en 'unse tro på deg', som noen hadde i Moultrie selv.
nordvest ballettantrekk
Betydningen og motivasjonen til stykket så ut til å ha en veldig personlig betydning for Moultrie. For meg gjorde den forbindelsen arbeidet til å gi gjenklang enda mer for meg. 'Noen ganger må du bare stå i takknemlighet,' sa stemmeovertakelsen, som slo meg særlig resonant. Selv om dette og det foregående avsnittet i seg selv var tydelige, kraftige og behagelige, virket det for meg at fortellingens bue og klarhet kanskje hadde vært sterkere med de to delene slått på, den langsommere delen kunne ha tilbudt en mer fortellende kontekst og tillatt energi å vokse. Kanskje Moultrie ønsket å variere energiske kvaliteter, noe som absolutt er et legitimt mål.
Energi tok seg opp igjen for det meste av stykket, en fest med energi og glede. Enstemmig i linjer i solo, var det mange varierte seksjoner - men liksom, på en eller annen måte føltes det som nok, en liten pakke bundet av med en fin bue. Et annet motiv dukket opp - små humle med en fot forlenget og bøyd, samt hender bøyde. I dette følte jeg besluttsomhet, handling og styrke. Kulturelt afrikanske bøyninger i musikken og bevegelsen lånte seg til en forankring i bevegelseskvaliteten, selv om den ble balansert med et løft gjennom kroppen. Til slutt nådde alle danserne opp sammen. De var besluttsomme og forente. De trengte tro og fellesskap for å komme dit, og komme dit gjorde de.
Ronald K. Brown’s Samtalen fulgte, en annen melange av farger og bevegelseskvaliteter. Det begynte med to dansere, og andre ble med til de var fem. Denne akkumuleringen fikk meg til å tenke på tittelen det var hvis noe kalte de ekstra danserne til scenen. En snu, sirkulerende sans som snart ble bygget, dansere snudde og kom inn og ut av sirkulære formasjoner. Bevegelsesordforråd som rette armer som kommer ut fra skuldrene, som helikopterblader, bygget videre den sirkulerende kvaliteten. Også bemerkelsesverdig var en statlighet og eleganse, en klassisk løftet vogn gjennom kroppen og flytende kostymer (kjoler til kvinnene og løse snitt for mennene, av Keiko Voltaire). Et spor av spor kom inn, ryggraden bølgende, selv med klassisk stil.
Et ytterligere toneskift dukket opp, belysning ble til purpur og bevegelsesmykning (belysning av Tsubasa Kamei). Jeg tenkte på hvordan lavendel er et beroligende naturlig stoff. Piskende, krem-myk bevegelse, som fouettés, la også til den mykere kvaliteten. Overdreven hofteaksjon gjennom disse bevegelsene holdt imidlertid en følelse av energisk stil og individualitet. De tidligere fargene og følelsen kom tilbake, og bringer den groovy følelsen tilbake. Sirkling kom også tilbake. Et annet skifte kom med klassisk indisk musikk, sammen med et nytt skift til grønt og oransje. Spinal undulation kom tilbake, nå passer den nye musikken.
Dette skiftet i bevegelsen, først og fremst av bevegelsen, talte til en naturlig 'kall' av kreativ harmoni. Danserne virket også kalt til selve dansen, uansett hvilken kvalitet den kom til, full av dedikasjon og engasjement som de var. Raskt snu seg som en virvlende dervish kom inn, noe som førte til en slutt på det å se opp - som i ros. “Kallen” deri ble en åndelig. Jeg lurte på om noen seksjoner kunne ha hatt større innvirkning hvis de var kortere. Samlet sett forlot arbeidet meg imidlertid fascinert, men også innhold.
Jawole Willa Jo Zollar Husly kom neste, et verk rikt og lagvis i mening. Voiceover snakket om en opplevelse av å observere fortsatt hjemløshet, og alle følelsene som kan følge med å gjøre det - tristhet for personen, raseri over en kultur som ville la det skje, og frykt for at man en dag kunne være i samme tilstand, og mer . Poetisk stemningsfulle uttalelser som 'utmattelse med byråkrati blandet med raseri' trakk meg rett inn.
jace norman kjæreste bryte opp
Bevegelsen hadde en intensitet for å matche kraften i ordene, men beholdt en organisasjon (for eksempel i formasjoner) for å holde det hele klart og fordøyelig. Fleksible føtter i svinger brakte en følelse av besluttsomhet og styrke. Jordet afrikansk dansevokabular blandet med moderne dans, og skaper noe som en silkemyk smør med ingrediensens separate smak, som alle er forskjellige til slutt formene blandes, men på en eller annen måte fremdeles leselige i sin egen natur.
Gjentakelse i voiceover bidro til intensiteten og følelsen av mental turbulens. 'Å løpe, gå, løpe, gå,' uttalte det og dele dialogen til en som er fanget i følelsene som oppstår når man ser en hjemløs person. Det kan føles så mye lettere å ikke møte det. Noen av danserne bokstavelig talt løp til denne intensiteten. Et spill på leapfrog fikk meg til å tenke på å gå tilbake til uskyldige, barnslige bekvemmeligheter - hvorav noen er relatert til flukt og avledning, sin egen slags løping.
Snart var det et skifte til voiceover som diskuterte miljøvern. Hvis man er innstilt på den sosiopolitiske diskursen, kan denne forbindelsen ha veldig god mening (à la “Green New Deal”). Hvis en ikke er det, kan dette tematiske skiftet og sammenkoblingen ha følt seg uhensiktsmessig. Riktignok, selv om en av disse menneskene var veldig innstilt på samtiden om politikk og politikk, tok forbindelsen meg et øyeblikk.
På den annen side tittelen på Husly gir en pekepinn på hvordan miljø og hjemløshet er knyttet til jorden er vårt hjem, vårt ly, akkurat som våre bokstavelige hjem er vårt ly. Jo Zollars mening var krystallklar, og det ser ut til at lidenskapen hennes rundt disse spørsmålene også er ganske klar. Noen ganger når lidenskap fører til tydelig motivasjon for å lage arbeid, er resten noe virkelig minneverdig og meningsfylt. Programmet ble avsluttet med Åpenbaringer , uten tvil en av de mest - hvis ikke de mest - minneverdig og meningsfullt arbeid med moderne dans noensinne laget. Motivasjon for å illustrere mening kan faktisk være en kraftig ting.
amanda tae
Av Kathryn Boland av Dance informerer.
